Sitges 2012: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, edición 45.

Nos gusta el festival. Quizás carezca del glamour de los grandes eventos cinematográficos -Cannes, Venecia, Berlín- y no excluya ese tono gamberro y contracultural que lo ha convertido en una cita única e ineludible para los amantes del cine fantástico.  A parte de trasmitirnos buenas sensaciones, la potentísima selección de largometrajes (más de doscientos cincuenta títulos) y la fidelidad de una audiencia, ha permitido saldarse con un notable éxito. Pero también el festival gana con la presencia de nombres de culto como Dario Argento, Don Coscarelli o Lamberto Bava, personalidades freaks como Nobura Ichibu o debutantes como Justin Dix o Brandon Cronemberg.

El festival comenzaba con un thriller (El cuerpo) que seguía la estela de El orfantato, haciendo coincidir a su protagonista (Belén Rueda) y se clausuraba con un mayor nivel, de calidad y adrenalina, Looper. Un film futurista con Gordon Lewitt y Bruce Willis como principales reclamos, cuyo argumento les recordará a la saga Terminator, aunque con una mayor profundidad dramática. En medio de este paréntesis se desborda un gran elenco de títulos que supera la definición ortodoxa del festival. El director de Sitges, lo explicaba así: "Se entiende lo fantástico de una manera amplia, no solo las películas de vampiros o monstruos. Fantástica es la película de Leo Carax (Holy Motors) o "Melancholia" de Lars von Triers, del año anterior".

                          

                          

                         

"Ahora que íbamos a descubrir el mundo, va y se acaba". Por eso de la fecha simbólica, Sitges`12 estaba marcado, en principio,  por la apuesta por un género que veía el fin del mundo desde su cartel. Y digo en principio, porque como sucedió en Sitges`11, el protagonismo recayó en otros temas.  El año pasado, la imagen del festival estaba dedicada a la inteligencia artificial pero las principales películas trataban sobre el Apocalipsis. 

Este año Sitges rendía un homenaje al cine de culto, un concepto que siempre está presente en todo tipo de festivales pero que no es fácil de definir. Para tal fin se presentó el libro "Neoculto" (Desirée de Fez). En la presentación, Ángel Sala, destacó la situación actual del género y unas de sus principales características, que parte del aficcionado: "la gente no va al cine pero va más películas que nunca, cualquier espectador se ha convertido en emisor y tiene sus propias pelícualas de culto".

El cine de culto lo encontramos en el festival, principalmente, en todos esos directores con una sólida trayectoria, como Dario Argento o Don Coscarelli que configuran una nómina de cineastas que exhibieron sus últimas producciones, junto a referencias de un cine ya remoto (Lamberto Bava), o Pamella Stelle, que recibió un premio honorífico (la máquina del tiempo) junto a Coscarelli. 

                           

Otra forma de recuperar los clásicos fue a través de la versión  de E.T. (Steven Spielberg), celebrando por partida doble los 100 años de Universal y los 30 del estreno de la odisea del alienígena perdido en la Tierra. También se lograba esto mismo, descubriendo el universo de Tim Burton con Frankenweenie, la conmovedora historia de amistad entre un niño y su perro, realizada con la técnica de animación stop-motion (fotograma a fotograma) y en 3D. Y por último, no faltaron los remakes de películas de culto, como suele hacerse en el cine de género, como línea general. 

Entre las temáticas en esta edición de Sitges, destacaría la influencia de la actualidad. Lo primero con lo que nos encontramos es cómo los dictados de la realidad afectan al género fantástico. "Todas las crisis del siglo XX dirigen su mirada al cine fantástico", diría Ángel Sala, el director del festival, "su condición de cine popular le permite conectar con las preocupaciones de los ciudadanos. Muchas películas hablan de la crisis, definiendo el escenario actual. Looper, por ejemplo, está certificando de forma sutil el ascenso de China como nuevo potencia mundial". El cine británico se ha acercado a la convulsa realidad económica desde la perspectiva fantástica, lo que no es exclusivo de estas latitudes. La criris entraba de lleno en historias tan diferentes como Pietá (Kim ki Duk), The tall man (Pascal Lagier) o Cosmópolis (David Cronemberg) en donde Robert Pattinson interpretaba a un financiero que quedaba arruinado. Pero si tuvieramos que quedarnos con una cinematografía, en donde el tema de la crisis no sólo apareciese como telón de fondo sino como parte del proceso creativo, esta sería la argentina. En Sitges’ 12 encontramos algunas interesantes propustas argentinas, marcadas por la escasez de recurso, lo que ha permitido un aumento del ingenio y de la creatividad. Valentín Javier ("La memoria de los muertos") explicaba cómo se gestaba un proyecto en su país: "El argentino es un cine subvencionado. Cuando no lo es, está echo por un grupo de amigos o con poquísimo dinero. Las subvenciones están destinadas al cine de autor, así que todos los que estamos comenzando a dirigir tenemos una experiencia previa en el cine independiente".En una edición de Sitges marcada por la realidad más inmedita y por el Apocalisis no pueden faltar las apuestas por las grandes catástrofes naturales: el terremoto y el fenómeno del tsunmai, en películas como "Afterschock" (Nicolas López) y "The Impossible" (J. A. Bayona). Films que tienen en común desarrollar el concepto del "turismo extremo".            

                      

Si la visita de grandes directores de culto siempre es estimulante, coincidir con algunos de los ídolos de la adolescencia cinéfila es toda una experiencia como aficcionado al cine de género. Pero si tuviera que quedarme con uno de los acontecimientos vividos este año en el festival sería la master class a cargo de Dario Argento. Obviaremos la presentación de la versión del mito vampírico "Drácula 3D", un flojísimo film que parece haberse rodado a desgana, y nos centraremos en su clase magistral de su gran cine de culto, acompañado por el director del festival Ángel Sala. También es una ocasión para destacar al responsable de su música, Claudio Simoneti, que acudió a la cita al festival, brindándonos un concierto con algunos de sus temas como el que preparó para la película Suspiria. “No puedes estar siempre trabajando en proyectos pequeños porque al final es tu personalidad la que se empequeñece. De las cosas pequeñas tienes que poder pasar a hacer algo grande”. 

Si quieres saber más sobre el festival, visita la webb Terrorífilo, sigue las publicaciones en la webb y en FacebooK:

Especial Sitges I: Resumen del evento. 

Especial Sitges II: Master Class con Dario Argento. 

 

Looper: paradojas temporales para el blockbuster de la temporada.

Los viajes en el tiempo recorrieron los argumentos de dos grandes propuestas en el pasado festival de Sitges 2012, clausurado hace apenas una semana. Una de ella es "Safety not guarented", cuyo director Colin Trevorrow comentaba el interés de los viajes temporales en su cine de género: "Los viajes a través del tiempo me obsesionan. En esta ocasión, me sirve de excusa pra hablar de los problemas que experiementan las protagonistas. Siempre he pensado en la gente que vuelve en el tiempo para resolver los errores del pasado". La película comienza con unos personajes que buscan el periódico y encuentras algo que seguramente no aparecerá en ninguna otra página de anuncios: "Busco a alguien para viajar en el tiempo conmigo. Esto no es broma. Se te pagará cuando hayamos regresado. Trae tus propias armas. La seguridad no está garantizada". 

La otra propuesta es la esperadísima Looper, protagonizada por Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt. Dirigida por Rian Johnson (ganador del premio al mejor director debutante en Sitges por Brick) causó un gran impacto entre críticos y espectadores. Pero si la anterior se acercaba a la ciencia-ficción con espíritu de cine indie, en esta ocasión es todo un blockbuster que ya algunos consiederan "el fenómeno Matrix del nuevo siglo" o "el Regreso al futuro de los nuevos tiempos" (Angel Sala).

-Soy uno de los muchos de los asesinos especializados, llamados loopers, eliminamos a gente del futuro.

En Looper, la película que clausuró el citado festival de Sitges, la historia nos lleva a la ciudad de Kansas, en un futuro inmediato, con unos "loopers", unos sicarios encargados de eliminar  a unos objetivos encomendados desde Shanguay. En este sentido, los viajes temporales son empleados por el crimen organizado para librarse de ese individuos molestos. John es enviado al pasado para ser eliminado,  pero consigue escapar y su propósito es acabar con el joven que unas décadas más tarde se convertirá en un peligroso jefe de  los "iluminados".  Una parte de la historia muy afín a la saga de Terminator (James Cameron), como lo indicó el propio director. "Cuando trabajas con viajes en el tiempo tienes la sensación de estar domando a un animal, pero intentas que sea sencillo, que esté al servicio de la historia y no al revvés. Por eso cuando la escribí me fijé en películas como Terminator, que utiliza el viaje en el tiempo de forma muy sencilla para determinar una situación y luego el viaje del tiempo se quita del medio y deja a los personajes que  vivan en la nueva situación".

Es también un film con una postura original en la que se concede más atención a las paradojas morales y da menos importancia a las escenas de acción (que las tiene), en donde hay guiños a la realidad más inmediata (se sublima en el argumento el cada vez mayor papel de China en el mundo, y las diferencias abismales que existen entre el campo y la ciudad), pero sobre todo es una película que nos habla de las paradojas humanas dentro de las temporales. Al fin y cabo es un impactante thriller futurista con una premisa moral en su argumento: El protagonista es una asesino a sueldo y una de sus víctimas es el mismo. Bruce Willis y Jospeh Gordon Lewitt interpretan al mismo personaje, pero con diferente edad, que se ve atrapado en una gran paradoja, tener que matar a su yo del futuro para evitar que le maten sus jefes en el presente.  

-Nada de esto me concierne.

-¡Te va a pasar!

-Te ha pasado a ti, no tiene por qué pasarme a mí.

"Para mí un villano que comete fechorías porque está loco no es muy interesante, pero uno que está arrinconado y debe tomar una elección moral porque le han arrebatado o le amenazan a lo que ama y elige una opción errónea, es lo que realmente espero encontrar. En realidad no hay malvados absolutos en Looper, hasta puedes sentir simpatía por el mítico esbirro, porque puedes entender cómo es. Para mí eso es lo más interesante cuando puedes tener una gama de grises en todos los personajes".

             

             

Sitges 2012: Rarezas, cocktail de temáticas y Casa Asia.

El de Sitges es un festival en donde tiene cabida todo tipo de producciones siempre que cuente con algún ribete fantástico, de terror o incluso acción. Existe un cine comercial, consumido por una mayoría, con un elevado presupuesto y una gran expectación, pero también otro de low cost, eminenentemente freak que sabe sacar provecho de su condición minoriataria. Como también encontramos en el festival, propuestas de todas las latitudes y geografías ahora que el cine asiático cobra importancia, a través de la "Casa Asia".

Del cine asiático destacaría la propuesta de unas películas que, de forma independiente, han buscado rastrear en la temática de la robótica y del universo de Phillip k. Dick. Sería la coreana Doomsday book (Kim Ji-Wook y Yim Pil-Sung) y la japonesa Robo-G (Shinoby Yaguchi). También hemos descubierto que la India no es precisamente un lugar dónde llevar nuestras anodinas almas en busca de paz interior, con películas como "Gans of Wasseypypur" (Amurag Kashyap), una mastodóntica producción que podría ser "Érase una vez América", en Bombay. Una curiosidad fue "Flying sword of dragon gate" (Tsui Hark) la primera película china en utilizar la tecnología Imax 3D para una historia ambientada en la dinastía Ming.  Otros realizadores con una sólida trayectoria, como Kim Ki-Duk -flamante ganador del León de Oro de Venecia con Pietà-, Takeshi Kitano o Takashi Miike configuran otra parte de la nómina de directores que exhibieron sus últimas producciones en el Festival.

Viajes en el tiempo y Apocalipsis.

Los viajes en el tiempo recorren los argumentos de dos grandes propuestas. Una de ella es "Safety not guarented", cuyo director Colin Trevorrow comentaba el interés de los viajes temporales en su cine de género: "Los viajes a través del tiempo me obsesionan. En esta ocasión, me sirve de excusa pra hablar de los problemas que experiementan las protagonistas. Siempre he pensado en la gente que vuelve en el tiempo para resolver los errores del pasado". La película comienza con unos personajes que buscan el periódico y encuentras algo que seguramente no aparecerá en ninguna otra página de anuncios: "Busco a alguien para viajar en el tiempo conmigo. Esto no es broma. Se te pagará cuando hayamos regresado. Trae tus propias armas. La seguridad no está garantizada". La otra propuesta es la esperadísima Looper, película que clausuraba el festival,  donde Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt protagonizan un thriller futurista en el cual un grupo de asesinos a sueldo viajan en el tiempo. Dirigida por Rian Johnson (ganador del premio al mejor director debutante en Sitges por Brick) causó un gran impacto entre críticos y espectadores. Pero si la anterior se acercaba a la ciencia-ficción con espíritu de cine indie, en esta ocasión es todo un blockbuster que ya algunos consiederan "el fenómeno Matrix del nuevo siglo".

Dicen que el mundo se acaba y la Zombie Walk (evento que se vivió en Sitges, aunque pasado por agua) bien podría haber sido una simulación interactiva y fesiva. Sobre todo porque en el festival hubo su buena ración de zombies. Cuando los Clash cantaban eso de "London calling to the zombies of the death", seguro que no lo decían literalmente, a pesar de que en Cockneys vs Zombies se recorren las calles londinenses a la carrera e infestada de muertos vivientes. Otros films sobre la misma temática vistos en el festival era la bizarra "Zombie Ass" de Noburo Ichigu y un curioso cortometraje rodado en 3D.

                    

Esta misma temática del Apocalispis podría explicar un proyecto que, en principio, podría haber resultado interesante pero que acabó convirtiendo en un demencial e irregular ejercicio de estilo. "The Abc of the death" prometía ser un interesante mosaico sobre el tema de la muerte de fondo, a través de veinteseis segmentos realizados por veinteseis directores diferentes. Cada segmento respondía a la libertad creativa de cada uno de los participantes, con la única premisa de realizar un pequeño corto con la muerte como tema relacionada con una letra del abecedario.  El objetivo era ofrecer una panorámica, bien divertida como siniestra, que sirviera de testimonio de lo que ha dado el terror en las últimas décadas. Pero en la búsqueda por la originalidad, se propusieron proyectos completamente demenciales, por supuesto, los japoneses (el fragmento de Noburo Ichigu, Fart), otros muy interesantes ("Apocalipsis", Nacho Vigalondo y "Dogfigther", Marcel Sarmientos) y algunos con temas muy de actualidad, como la obsesión por la belleza ("XXL" Xabier Gans).

También la limusina cobra protagonismo en dos destacadas películas, erigiéndose como metáforas del mundo en que vivimos (sobre todo por las diferencias de clases que nos trae el capitalismo). La primera es hermética y oscura (Cosmópolis, de David Cronemberg) y la segunda es una obra maestra (Holy motors), la interesantísima producción francesa, la gran triunfadora en el palmarés del festival.

 Cortometrajes.

Los cortometrajes son un formato que no son valorados en su justa medida, a pesar de que todos los grandes festivales cuentan con una amplia sección dedicada a ellos. Quizás se deba por el carácter minoritario, por la brevedad de su metraje o por servir de trampolín para los jóvenes recién llegados. En Sitges encontramos proyectos muy diversos, desde absurdas y cómicas, hasta muy imaginativas e ingeniosas. De destacar algunos, merecería la pena recordar a "Hotel" (José Luís Alemán, "La herencia Valdemar), rodado con muy buenos medios y una extraordinaria puesta de escena. Un hombre exhausto que caminando por el desierto, llega a un hotel. Sus fuerzas se renuevan pero sus esperanzas empezarían a flaquear cuando descubre que sus paredes son de papel.

               

 También estaba ambientado en un hotel, uno de los galardonados, "Zimmer 606" (Peter Volkar) un imaginativo corto con un vendedor como protagonista. Al alojarse en un extraño hotel, en el que sucedían cosas al otro lado de la pared. Pero la gran triunfadora en Sitges fue la producción alemana "Eat" (Mortizt Kramer), un impactante corto sobre la anorexia. En plena receso de una sesión fotogafíca, una famélica modelo se encierra en su camerino dispuesta a comerse un triste yogur, pero terminará echando mano de todo lo que tiene a su alcance para saciar el hambre. Sin duda, un merecidísimo premio. 

Midnigth X-Treme.

A media noche, el festival dejaba paso a la sección más demencial, "Midnigth X-Treme", todo un catálogo de rarezas, muchas de las cuales debían consumirse con el estómago vacío. De lo más interesante fue el maratón dedicado al 3D, con un film con pirañas asesinas "Piranha 3DD" (John Gulager) y rostros conocidos como el televisivo David Hasselhoff, a modo de parodia de su personaje de "Baywatch". O el llamado "Stitches" (Conor McMahon), el galardonado a la mejor película Midnigth X-Treme, con un payaso asesino como protagonista que se volverá de la muerte para vengarse de aquellos que le mataron. 

En el terreno freak, sobresale la abundante producción japonesa que debería consumirse con el estómago vacío. Un cine que demuestra cómo los occidentales no les llegamos ni a la altura del betún a la hora de mostrar bizarradas en la pantalla: con un nombre propio: Noburo Iguchi. Iguchi es un cineasta peculiar, un genio en el arte del terror bizarro, un auténtico enfant terrible de la escatología filmada. Lo suyo no es para contemplarse junto a una buena ración de palomitas, su cine responde al llamado subgénero pinku eiga, pero en su versión más demencial. Se tratan de películas cuyos ingredientes son la violencia, el sexo, el sadismo y el romance, con el objetivo complacer los más instintos más primarios. Sus dos películas presentadas en el festival son dos auténticas bombas de neutrones ("Dead Sushi" y "Zombie Ass: Toilet of the dead"), a parte de una participación en el film colectivo "The Abc of the death".

                                       

¿Alguien habría imaginado qué sucedería si fusionaras el primer productor gastronómico del país con el terror? De esta manera surgió "Dead Sushi", un experimento cinematográfico en el cual un demente llega a fabricar un suero que permite convertir los peces crudos en unas mortíferas armas; el postre lo pone "Zombie Ass", un extraño film sobre unos muertos vivientes ocupados en una de las necesidades básicas del ser humano: defecar. 

Y la muerte lo seguía: Visita a Sitges 2012.

El rodaje y la posterior postproducción es una ardua tarea de meses de trabajos, de indecisiones y dudas, pero también de compañerismo y de un buen resultado final, conseguido por todos y cada uno de los que formaron parte de  este "dream team". Pero una vez finalizado, es ahora cuando comienza la gran andidura del proyecto, el western con aire sobrenatural que es "Y la muerte lo seguía". Se inicia entonces la promoción, los festivales, dar a conocer el cortometraje y revalorizar este intenso trabajo de meses. 

 Nuestra primera parada fue Sitges, el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Cataluña, que en su Edición 45º lo seleccionaba finalista para el presitigioso Melié de plata. Parece mentira que hubiera pasado un año, pero por estas mismas fechas regresábamos de este mismo festival tras estrenar "La última víctima". Una parte del equipo coincidió llendo por segundo año consecutivo, mientras otros lo hacían por primera vez, pero la impresión terminaba siendo la misma: la de deslumbrarnos por estar en un gran festival, participando con el proyecto y coincidiendo con algunos de los principales nombres del cine de género que nuevamente asistieron para dar lustre a la cita de Sitges. Por allí estaban Paco Plaza y Leticia Dolera, Jauma Balaguero, J. A. Bayona... y nosotros por supuesto, por que a fin de cuentas somos nosotros (el equipo) a quienes van dedicadas estas líneas, a los que aisistimos, pero también a las grandes ausencias de nuestro equipo, principalmente a nuestros actores. 
 

Después de Sitges vienen muchos, muchos estrenos y presentaciones del cortometraje. Madrid, del que ya tenemos fecha, para diciembre en la muestra "Cortos con ñ", Algeciras, Alicante y selecciones en muchos festivales... ¡un no parar!  

                      

              

                   

               

                  

                  

                        

Criando ratas: el cine quinqui regresa a Alicante.

"Macarras de pantalones ceñidos, pandilleros tatuados y suburbiales...", una canción de Sabina me refrescaba la memoria de un subgénero cinematográfico que convertía los descampados de extrarradio en templos de la épica delincuente. Un cine que presentaba a los marracas como al héroe del barrio, como unos trabajadores por cuenta propia que hacían de la delincuencia juvenil, un modo de vida: los quinquis. Desde siempre los bajos fondos han sido muy cinematográficos, los retratos de adolescentes, abandonados al flujo abigarrado de esta particular violencia. 

La violencia juvenil es uno de los baremos más cinematográficos para reconocer la realidad social en los barrios de extrarradio de cualquier gran ciudad del mundo. De hecho, el cine ha demostrado que la vida en los guettos es muy dura, a tiro de pistola o de navaja, entre jóvenes que conviven con las drogas y la muerte. Las películas reflejan el submundo del barrio neoyorquino del Bronx, de las favelas brasiñela ("Ciudad de Dios") o del extrarradio español del "cine quinqui" de los ochenta. Hubo una vez en que existió ese cine y unos personajes tan nuestros como la paella o los toros, los Seat trucados, las Bultaco Metralla o las barriadas periféricas donde convivían los pisos baratos y las chavolas. Carlos Salado hace regresar el fenómeno de la quinqui´explotation a las calles de la ciudad española de Alicante con "Criando ratas".   

El submundo creado en "Criando ratas" recupera todo eso y lo lleva a un contexto más reconocible por la juventud de hoy, donde continúan la violencia callejera y los ajustes de cuenta. Los encontramos en los códigos de una delincuencia juvenil que han pervivido hasta la actualidad de tal manera que el estereotipo del quinqui, continúa hoy en día ejerciendo una fascinación desenfrenada. Así vemos cómo en "Criando ratas", los personajes de Voltereta, Florín o Mauri, encabezados por "El Cristo", representan los iconos del cine quinqui, como El Lute, El Vaquilla o El Torete.  Encabezados por "El Cristo", son unos personajes surgidos de los propios barrios marginales; los nuevos "perros callejeros", interpretados por un centenar de alicantinos que representan los barrios bajos de la ciudad. La intención de su director fue conseguir el mayor realismo posible. Y en esta búsqueda, observamos a los actores no profesionales, la producción claramente independiente y conceptos prensentes en el cine de denuncia como son la prostitución, la exclusión social o el narcotráfico. 

Este subgénero de los años setenta y ochenta respondía a un cine de urgencia, ante la marginalidad que la situación económica, política y social se destacaba sobre todo en los barrios de extrarradio. De ahí, que la crisis actual permite hablar de un nuevo resurgir del cine quinqui. 

               

                  

                     

                      

Somos la noche: una versión feminista del mito vampírico.

Es una atractiva puesta al día de algunas de las mejores esencias del género, que comienza con una curiosa secuencia. Un pequeño avión recorre un océano de nubes a la luz de la luna, advertimos que el aparato operan en la función de piloto automático y un suave travelling nos muestra la mano muerta del piloto. Entonces comprobamos cómo los selectos pasajeros aparecen muertos, con los cuellos desgarrados y con la sangre salpicando por todas partes. En este prólogo encontramos referencias del género clásico; la llegada de Drácula a Inglaterra a bordo del "Démeter" en la novela de Bram Stoker -o del conde Orlock a Varna, en la versión del Nosferatu de Murnau-, o el viaje de los protagonistas vampíricos de Anne Rice (Entrevista con el vampiro).

Puede que los vampiros del siglo XXI no viajen en lujosos bergantines, sino en aviones privados, pero mantienen el mismo comportamiento como no muerto: siguen viendo al humano como  ganado. De este modo, encontramos en este secuencia inicial una tripulación convertida en una suculenta cena de tres hermosas vampiresas: Nora y Charlotte, lideradas por Louise, que completa el ágape con una copa de champagne. Las referencias se multiplican en estas escenas, con la película El cielo sobre Berlín de Win Wenders, aunque en esta ocasión no se trata de ángeles, sino de demonios con formas de atractivas mujeres; e incluso vemos alusiones a una versión vampírica poco conocida, la obra literaria "Carmilla" (Sheridan Le Fanu) con una niña vampira como protagonista. En el fim de Dennis Gansel, el personaje de Louse recuerda en flashbacks sus escarceos adolescentes. Sin embargo, Gansel busca un punto intermedio entre lo clásico y lo moderno, sobre todo, gracias al género de los ochenta: Noche de miedo y la versión adolescente de Jóvenes ocultos (Joel Shumaher). Pero le interesa sobre todo la búsqueda de la frivolidad, no la presencia de los vampiros como metáfora de las enfermedades de transmisión sexual: la década de los ochenta fue la gran época del Sida. 

Jennifer Ulrich (Charlotte, en "Somos la noche") nos explicaba parte de la historia: "La película muestra la frivolidad, la falta de medida que hay en el mundo moderno, lo que se ajusta en el caso de Berlín. Allí todo es posible cuando cae la noche. Mi personaje es una actriz en el Berlín de entreguerra, que no tenía mucho éxito, se encontró con Loise y le prometió todo lo que podía desear. Se dejó convertir en vampira, pero con el correr de los años se ve astiada, defraudada".

                         

En ese camino por la frivolidad, las vampiresas de esta película no reflejan un mensaje inocente. Destacan dos ideas que enlazan el tema universal de los vampiros con el actual de la crisis y del feminismo. El personaje de Louise es una vampiresa clásica, representante de la aristocracia, como eran también Drácula o la célebre  Erzebeth de Bathory que ataca cuando ve amenazada sus privilegios. En la película hay guiños del pensamiento capitalista, aquel que nos ha sumido en la crisis. En "Somos la noche", recorremos las calles de Berlín acompañando a un trío de vampiresas (luego serían cuatro) a través de discotecas de moda,  fiestas, suites de hotel de lujo e incluso con la reveladora secuencia por un centro comercial desierto, cargadas de bolsas. Karl Marx en su obra "El Capital" puede leerse lo siguiente: "El capital es trabajo muerto que solo revive como los vampiros, chupando trabajo vivo, y vive tanto más cuanto más trabajo vivo chupe".

El personaje de Louise representa a la aristocracia decadente del siglo XVIII -en los títulos iniciales vemos un lienzo de época, en la que reconocemos una imagen de ella, en un palaciego salón-. Una vampiresa que se muestra agresiva cada vez que ve amenazados sus privilegios o contra la figura del hombre. A esto se le suma el feminismo. Los personajes de este film representarían la versión gótica del feminismo radical de Valerie Solanas, autora del Manifiesto de la Organización por el Exterminio del Hombre ("Society for Cuting Up Men Manifiesto"). En un momento, Louise le dice a Lena (una indiente rescatada por el grupo y recién convertida) que no hay vampiros masculinos, puesto que eran brutales y egocéntricos, y todos morían con la promesa de convertir a uno de ellos en un no-muerto.  De los clásicos personajes de la Universal y de la Hammer hay versiones para todos públicos posibles,  temáticas universales que no pasan de moda, porque logran adaptarse a los gustos más actuales. Eso sí, recupera la concepción "sadiana" del personaje, pues estas vampiresas están vacías en su aspecto moral, durante sus correrías nocturnas, aunque se alejen de la animalización del vampiro de otras versiones modernas como "30 Days of Nigth" (David Slade).
                   

                   

El IRA en el cine.

No hay rincón en el globo que no haya sufrido la lacra del terrorismo ni cinematografía que no haya incidido en este tipo de conflictos con mayor o menor interés. Recordamos el 11S y las guerras que dirigió George Bush en Afganistán e Irak, el conflicto sin fin que árabes e israelíes mantienen durante décadas en el Próximo Oriente o la que nos debería preocuparnos más de ETA, con algunas sobresalientes producciones como la de Jaime Rosales (Tiro en la cabeza). El terror al servicio de una ideología ha marcado Europa y la cinematografía del Viejo Continente. La Alemania de los años 70 vivió la lucha de la Baader-Meinhof (RAF, Facción del Ejército Rojo, Uli Edel), Italia quedó marcada por la mafia, las figuras de Aldo Moro y Giullio Andreotti o las llamadas Brigadas Rojas (Buenos días, noche, Marco Bellocchio). Pero es el IRA, el grupo terrorista que pedía la Independencia de Irlanda, el más cinematográfico de todos estos conflictos. El cine británico ha dedicado al IRA una extensa filmografíaa con algunos títulos muy significativos. De hecho, aportó su granito de arena para la reconciliación del conflicto en Irlanda del Norte.

                                  

En Requiem por los que van a morir, Mike Hodge trató el complejo mundo de Martin Fallon -interpretado por Mickey Rouney- un antiguo terrorista que en plena crisis de conciencia, era ayudado por un sacerdote para encontrar la paz interior. 

 -¡Así es cómo surge el fascismo! ¿Qué opina, ahora, de la legislación británica?

-No es terrorismo.

-¿Qué es entonces?

-¡Es política!

También de ficción fue la película que Ken Loach dedicó a esta temática, "Agenda oculta"; como La hija de Ryan, en la que David Lean hacía referencias al conflicto irlandés-inglés, demostrando que el conflicto venía de lejos.

-Utilizaban cañones como los del frente contra los alemanes. 

Sin embargo, el séptimo arte se ha destacado sobre todo por las películas centradas en sucesos reales. Así fue Bloody Sunday, rodado casi en el formato de un docudrama por el cineasta británico Paul Greengrass, con la trágica manifestación, duramente reprimida por el ejército inglés. 

-¿De verdad le gustaría matar a civiles inocentes?

-Está muy claro que los paracaidistas fueron atacados y respondieron al fuego.

                                    

También estaba basado en hechos reales, el biopic de unos de los míticos líderes del IRA, Michael Collins, interpretado emotivamente por Liam Neeson. Podríamos concluír este pequeño repaso con las más grandes producciones sobre este conflicto, las dedicadas por el director irlandés Jim Sheridam, junto con su actor fetiche Daniel Day-Lewis. Nos referimos a The boxer, pero sobre todo a En el nombre del padre. Nos acercaba a la historia trágica de una familia irlandesa, acusada erróneamente de un atentado y de pertenencia al IRA. Los amigos y familiares del personaje interpratado por Day-Lewis fueron detenidos, encarcelados y sometidos a un duro interrogatorio, pero fue su padre quien murió en la cárcel, sin poder limpiar su buen nombre. Como señaló el propio Sheridam, "el caso real de los cuatro inocentes encarcelados me sirvió para hablar de las relaciones teñidas de paternalismo entre Gran Bretaña e Irlanda".

-Soy un hombre inocente, me he pasado 15 años en la cárcel por algo que no cometí. Vi morir a mi padre, por algo que no cometió. 

                                    

                               

Total Recall: ¿El remake o el original?

-Si estás viendo esto significa que se ha jodido todo, estoy hablando conmigo mismo y tu tienes la cabeza envuelta en una toalla mojada. Sea cual sea tu nombre, prepárate para una sorpresa. Tú no eres tú, eres yo.

 Total Recall es la adaptación cinematográfica del cuento de Phillip K. Dick "Podemos recordar por usted al por mayor", adoptando el título en castellano de Desafío total. El filme de Paul Verhoeven estaba protagonizado por un fornido Arnold Swarzeneger y tenía un decidido sabor a Serie B, una estética retro y un cierto humor que pierde la nueva versión. 

-Nena, ojalá tuviera yo también tres manos.

-Creo que te apañas muy bien con dos.

En la adaptación de Len Wiseman,  una impresionante puesta de escena nos apabulla, un diseño que recuerda a la estética del género de la sci-fi. Es esta ambientación del mundo futuro la que establece las bases de una alegoría con proyecciones políticas y económicas. La segregación ya estaba presente en la versión de Paul Verhoeven, con esa población mutante de Marte; que desaparece (al igual que en el cuento original), para profundizar en las diferencias sociales, ricos y pobres, separados en zonas geográficas distantes por una obra de ingeniería llamada la Catarata. 

                      

El relato original "Podemos recordarlo por usted al por mayor", es uno de los cuentos más famosos de su autor. La fábula de un obrero de la construcción que, tras desear ir a Marte, descubre gracias a los implantes de memoria que había sido un espía. El título original "We Can Remember It for You Wholesale" es un homenaje del musical de los años 60 "I can get it for you whosale", interesante porque supuso el debut en Broadway de Barbra Streisand.  A parte de estas dos películas, el relato de K. Dick tuvo una adaptación televisiva ("Total Recall 2070"), de producción canadiense y a cargo de un solvente realizador del género Mario Azzopardi. 

 Así el relato de Phillip K. Dick muestra un retrato de la humanidad desde varios niveles, con el  marco de lucha de poder, el de siempre, la resistencia contra la dictadura, la colonia contra el imperio. Pero también se muestra próximas a grandes cuestiones, con la filosofía de fondo, con la identidad, la noción de realidad, la memoria o la manipulación del individuo a través de implantes de  recuerdos.

 -Su memoria se ha borrado, en tu mente se ha implantado la que tu crees que has vivido.

De hecho, el título "Total Recall" alude a la memoria eidética, más conocida como memoria fotográfica, y a la relación memoria-identidad,  temática absolutamente propia en la obra de Phillip K. Dick. Sólo habría que recordar el "Total Recall" original con ese personaje de Quato. 

-¿Qué es lo que quiere, señor Quaid?

-Lo mismo que usted, recordar.

-¿Y por qué?

-Para recuperar mi identidad. 

                                     

El film originial tenía su encanto, un look retro ochentero, el personaje de Sharon Stone  o esos mutantes a cargo de Rob Bottin (que había sido colaborador de Paul Verhoeven en RoboCop). Dan O’Bannon, guionista en Alien, el octavo pasajero, fue el reponsable del guión y se pensó en la dirección a David Cronemberg y a William Hurt como protagonista. Cuando Carolco se hizo cargo como productora, nombró a Verhoeven como director (aunque sobreviendo los mutantes de la historia original) y a Arnold Swarzeneger, como el actor principal. 

Uno de los grandes atractivos de la película original era su banda sonora, compuesta por Jerry Goldsmith.  El tema principal seguía un esquema de sonidos de tambores metálicos inspirados por la música de Conan el Bárbaro. 

                               

Pero "Total Recall" -en la versión de Len Wiseman - sufre, al menos, dos grandes males de Hollywood. Uno es la capacidad casi infinita de los Grandes Estudios por el reciclaje, desde todos los géneros posibles, pero especialmente, en la ciencia-ficción. La máquina de hacer fotocopias en Hollywood sigue funcionando y la sci-fi aparece en la cumbre, remake a remake: desde El últimatum a la Tierra (Rober Wise) a La cosa (John Carpenter). El segundo problema es levantar grandes expectativas, para al final acabar en lo de siempre.  Uno de los titulares de la prensa norteamericana, el New York Times, lo define perfectamente: "ir en la línea del máximo ruido y del mínimo sentido". Las dos películas hacen suya la máxima del cine de acción: "la adrenalina por decreto", obviando en el camino todo lo bueno que la literatura del autor podía ofrecer. 

 De hecho, la forma de plantear sus novelas en la gran pantalla, convierte las historias de Dick en unas Space operas con persecuciones y acción. En Minorty Report (Steven Spielberg), Anderton emprende una huida para demostrar la inocencia de un crimen aún por cometer; mientras que Paycheck (el filme de John Woo) discurre con un despliegue de acción (a veces gratuita, pero moderada en términos del director) para terminar en un deshilvanado happy end, inusual en Dick. En el caso de Total Recall, después de la batalla reivindicativa en plan aventurilla -que parece ser toda la película-, llega un happy end que nos lleva a la mayor perplejidad: ¿Y si es un sueño? Le dice Quaid a Melina. 

Al final, una pregunta casi obligada para todos aquellos que hayais visto las dos versiones, ¿con cuál de las dos te quedarías? ¿El Remake o el original?