¿Hacemos una porno?: Kevin Smith persigue la fórmula Apatow.

El irreverente e iconoclasta Kevin Smith fija la mirada en uno de los protagonistas de Virgen a los cuarenta, para un papel hecho a su medida. Una comedia romántica, provocativa desde su título: ¿Hacemos una porno?, que -como su nombre sugiere-, se centra en una pareja de amigos, empleados de una cafetería con sueldos míseros, que buscan en la pornografía la forma de salir de sus problemas. Deciden hacer una película pornográfica doméstica para que les lluevan los millones.

- Tú te cachondearás, pero estas son las circunstancias por las cuales la gente suele ofrecer sexo por dinero o de hacer cine porno.

El mundo del porno vuelve a estar en el punto de mira de un cineasta independiente, en esta ocasión para poner de novedad tópicos de las relaciones entre parejas.

- Soy actor.

- ¡Anda ya! ¿En alguna que yo haya visto?

- He trabajado en películas con repartos sólo masculinos.

- ¿Sólo masculinos? ¿cómo Glen garry glenn ross?

- Como Glen y Kenny le maman la polla a Ross, y saborean sus huevos con su graciosa boca.

La industria de Hollywood ha fijado su interés en el cine X, como un negocio turbio y libidinoso, pero no en pocas ocasiones se ha hecho con humor. Por eso, el género que más se ha acercado a estas tramas sea la comedia: no hay mejor remedio para la crisis que hacer una porno, sobre todo si se trata de sexo con risa. El productor, las estrellas, el equipo de producción o los amaters, el cine ha repasado todas las claves del cine X para conocer el quién es quién de la profesión. Evidentemente esto no es cómo lo reflejó brillantemente Paul Thomas Anderson en Booghie Nights, ni tampoco la cinta de Kevin Smith es un drama que indaga en la vida turbia de algún actor porno, como hizo Milos Forman.

- En este caso, Larry, estamos ante una gilipollez de acusación, pero hay que tomarla muy en serio, porque posiblemente estamos hablando de siete a veinticinco años.

- ¿Veinticinco años? Sólo soy culpable de tener mal gusto.

                                  

Es una irreverente película que sigue los postulados de la fórmula Apatow. No es casualidad que la última comedia americana esté marcada por la misma combinación de humor disparatado, con alguna pincelada escatologica y cierto poso melancólico. La historia de este filme, de hecho, sirve como coito entre el propio Smith y la comedia de Judd Apatow, en donde todavía sigue siendo una asignatura pendiente la visión peterpanista de la clase media americana. Ese plano excesivo del pene tuneado de Jason Mewes o el característico humor, marca de la casa, son dos ejemplos de ello. Si a esto le sumamos que el protagonista, Seth Rogen, es el actor fetiche de Apatow, la relación termina estando servida.

- Hola me llamo Bragas de abuela y nadie me quiere follar. No hay nada más blanco que mi enorme culo.

- ¿De dónde lo has sacado? Este enorme culo ha sido lo último que he descargado de Internet y ha tenido

200.000 visitas en 3 horas.

Pero estamos hablando, por supuesto, de Kevin Smith, un cineasta obsesionado por el comic, la ciencia-ficción, Star Wars, y los frescos y soeces diálogos que giran entre las claves de toda una generación, como hiciese en esas obras de culto gamberras como Clerks, Dogma o Malrrats.

- Hasta las marujas hacen porno casero.

- Vale, pero yo no me veo en una peli porno.

- Fíjate en Paris Hilton, vende perfumes a chavales y no me dirás que esa chica no es retrasada.

                       

                             

Por eso no resulta extraño que entre su argumento, quisiera hacer una versión lúbrica de La Guerra de las Galaxias. Pero ya se sabe, el roce hace que entre Zack (Seth Rogen) –el director del filme- y Miri (Elisabeth Banks) –la estrella-, las cosas se compliquen. Un tema clásico de este tipo de comedias flota en toda la película: ¿es posible que dos amigos de toda la vida lleguen a enamorarse? Curiosamente el mensaje es absolutamente tradicional, el sexo debe ser expresión del amor y no se puede saltar por encima de la persona al practicarlo. Un mensaje conservador en un formato radical y provocador. Muy americano.

La parte de los Ángeles: problemas sociales en plan de comedia.

-No jodas, Sonrisas y lágrimas.

-¡Eh, Albert! Perdón, hermanas, no hay quien controle a estos protestantes. Ya saben.

Es cierto que Ken Loach nos tiene acostumbrado a un tono más serio cuando se refiere a los problemas sociales de su querida Inglaterra, pero el director inglés y su guionista habitual Paul Laverty aprovechan la situación actual de unos jóvenes sin oficio ni beneficios, para una correcta y socarrona comedia.

"Es un escritor magnífico y compartimos la manera de ver el mundo". Así se refiere Loach cuando habla de quien es, sin duda, su colaborador más inseparable, el guionista de origen hindú y pareja sentimental de la española Icíar Bollaín. Laverty le ha acompañado en una docena de títulos, comprobándolo por ejemplo, en una serie de ideas que suelen aparecen en su cine. Haciendo hincapié a los aspectos destacados de este film, sobresaldría la figura de los jóvenes, que aparecen en sus películas como víctimas colaterales de la realidad social que retrata. Kes, Lloviendo piedras; Ladybird, ladybird, Felices dieciséis o la que nos centra, son los ejemplos más interesantes en este sentido.

-Hay una reacción sutil entre la madera y el licor, porque la madera es lo que le da sabor y color al licor.

Lo cierto es que el aire british que destila la película, nos lleva a situarla a medio camino entre La ciudad de los muchachos (Norman Taurog) y las comedias producidas por la casa Ealing, como si se tratase de una versión hooligan y etílica. La imnportancia etílica ya aparece referencia en el propio título, pues la "parte de los ángeles" es la porción del alcohol que desaparece por evaporación en el proceso de la elaboración del whisky en la barrica. Un título que les sirve como metáfora para esta fábula sobre las segundas oportunidades de cuatro jóvenes sin futuro.

-Vengo a presentarme al trabajo comunitario.

-¿Y te llamas?

-Albert.

-Llegas dos días tarde.

-Debería estar en la lista, seguro.

-Vamos a ver, si me dices en que año estamos te dejo venir.

-¿En que año estamos? Me siento como si estuviera en ¿Quieres ser millonario? ¿Puedo usar el comodín de la llamada?

En el punto de partida de la historia, un tribunal de Glasgow condena a cuatro jóvenes marginales a trabajo comunitario, acabando ante un educador social, trasunto de mentor para estos perdedores.

Loach y Laverty consigen que sintamos simpatía por unos personajes, y sobre todo por uno que se pasa la mitad del tiempo delinquiendo a otros jóvenes con su mismo historial vital, y la otra mitad, apoyándose en el whisky escocés. Toda una sátira para aquellos que se consideran expertos en licores esquisitos. Pero los personajes creados por Loach y Laverty son cazurros de buen corazón e ingeniosas frases, capaces de provocar adhesión a su causa entre el espectador.

Holy Motors: un extraño viaje en limusina de un hombre con mil rostros.

La flamante ganadora del Melié de Oro, en el reciente festival de Sitges 2012, es una soberbia coproducción europea, definida perfectamente por el diálogo que indicamos a continuación.

-¿Por qué sigues en esto?

 -Por la belleza del gesto.

-Pero la belleza está en el ojo que mira.

 -¿Y si nadie mira?

Como vemos, es una película que se disfruta viendo, sobre todo con el personaje de Oscar (Dennis Lavant), un trasunto del Hombre con mayúsculas, el mejor personaje de esta temporada, que se pasa la película encerrado en una limusina dispuesto a afrontar nueve prosibles representaciones. He aquí la esencia de la película. Lo vemos en los créditos, los experimentos primitivos llevados a cabo por el francés Étienne-Jules Marey, cuando se entendía el cine junto al concepto del movimiento. En este caso, del movimiento de un cuerpo en plena transformación, referida en esta película a la transformación de la identidad. Oscar es una especie de muñeca rusa que va construyendo diferentes identidades como si se tratase de un summum de lo que consideramos como hombre, desfilando por la pantalla desde la figura del padre preocupado, del asesino a la del amante despechado, con una sensacional secuencia con Kylie Minogue, quizás lo mejor de la película.

Una propuesta diferente, con un argumento inclasificable pero genial. Empieza con un personaje que aparece en una sala de cine y continúa con otro que viaja por París en una limusina. Un personaje que comienza pareciendo un hombre de negocios, camino al trabajo, aunque en cada parada se trasmuta en otros tantos roles: una vieja pedigüeña, un asesino a sueldo o un hombre virtual, mientras que la película pasa del drama social al terror, junto al cine negro, la ciencia-ficción o incluso el musical con una secuencia que puede recordar al clásico "Los paraguas de Cherburgo".

                

Carax responde a uno de esos autores que se alejan de propuestas comerciales, que no discurren con argumentos lineales, apostando por proyectos más arriesgados y experimentales. Autores que no ganan la simpatía de un público general, lo que explica unos provocativos comentarios como los que señaló en el festival de Cannes: "No sé quien es el público y no me importan que entiendan la película". Su director, Leos Carax -enfant terrible del cine francés- llegaba a Sitges después de salir con las manos vacías de Cannes. Pero en el Festival de cine fantástico de Cataluña lograría todos los honores posibles con esta película genial, inclasificable y poliédrica. Una historia que no es fácil de describir, como tampoco despojarnos del misterio que fluye en sus imágenes.

 Seguramente la película no guste a todos ni llegue a todos los públicos, es una propuesta extraña e imaginativa, a cargo de quien firmase otra peculiar película, pero sugerente, Pola X, su anterior trabajo. Con un punto en común en todas ellas, un romanticismo un tanto peculiar en el que subyace tanto el amor como el desamor; desde Chico conoce a chica o Mala sangre a Los amante de Ponte Neuf o la propia Holy Motors. Esta película comparte algo más que un director y una temática con la llamada "Trilogía de Alex", denominada así por el personaje principal común en los tres títulos. Hablamos de Denis Lavant, el actor fetiche del cineasta francés y esos extraños personajes que ha encarnado como alter ego del propio Carax. De hecho, en Holy Motors repite personaje el "Señor Mierda" de ese trabajo llevado a tres manos que fue Tokio!. Un vagabundo que a pesar de su aspecto sucio y ruín atrae la atención de una modelo con el rostro de Eva Mendes: "La belleza está en el ojo que mira".

 Habría que citar también a la novia del director, Edith Scob, coprotagonista del film, fallecida recientemente o a la hija de ambos, quién también hace una breve aparición en la película.

                 

        

La búsqueda del mal y la infancia, representaciones del miedo en Jaume Balagueró.

El cuerpo mutilado de una niña de seis años, identificada con Ángela, es el inicio de una de las películas españolas del cine de horror más interesantes de los últimos y nuestro  punto  de arranque del reportaje. 

 -Ven a buscarme, mamá.

 Normal, que cuando reciba una llamada telefónica de alguien que afirma ser su hija, ponga su mundo patas por hombro. Ayudada por un periodista experto en temas de ocultismo, la madre busca desesperadamente la aterradora verdad que ha permanecido oculta hasta el momento: un grupo de gente que se esconde, que rechaza su propio nombre, que conoce la ciencia empírica del mal, casas abandonadas y aisladas que esconden secretos: una trampa de una maldad abominable.

                        

El mal ha sido una de las obsesiones temáticas del director. Ya aparecía en Los sin nombres, en su sorprendente debut: “Se puede aislar el mal científicamente, despojarlo de todos sus prejuicios, destruir la cáscara de humanidad que lo pervierte”. Hay un detalle, en este inserto de un diálogo, que volverá a aparecer en otros films del cineasta catalán; en [Rec] (codirigida con Paco Plaza).

 -He conseguido aislar la enzima, el problema es su inestabilidad. El contacto con el oxígeno lo deteriora rápidamente. 

 O en el personaje interpretado por Giancarlo Gianini en Darkness.

 -Estamos casi listos.

-¿De qué estás hablando?

-De la auténtica oscuridad, del mal en su estado más perfecto.

Otra forma de presentar el "mal"la desarrolló Balagueró en "Mientras duermes". Se aleja del ritmo y los movimientos de cámara acelerados de [Rec] para contarnos una historia que puede pasarnos a cualquiera de nosotros. Y que por eso mismo resulta tan aterradora. Un solitario y amargado Luís Tosar (César) es un conserje en un inmueble de Barcelona,  con un ansia enfermiza de trasmitir su infelicidad a los demás, golpeándole donde más les duele.  

-¿Feliz? Ese es mi problema que yo no puedo ser feliz.

El otro referente es el "niño", personaje que va cobrando protagonismo en el cine de género y sobre todo en el nuestro. El propio Balagueró expuso su punto de vista, explicándolo: "El niño tiene esa ambigüedad tan extraña entre la inocencia absoluta y la maldad absoluta porque todavía no esta contaminado ni para un extremo ni para el otro. Creo que el niño da mucho juego, inocencia y crueldad pura, es muy receptivo y de algún modo me resulta muy útil pero tampoco se muy bien porqué. Creo que es muy sano que a una persona le atraiga las historias de miedo y cuando me encuentro a una persona que no le atraen pienso que tiene problemas, que ha crecido mal".

Los fantasmas de Darkness, la hija desaparecida de Los sin nombres o la niña-fantasma que aterroriza en Frágiles.

-Quiero que todo el mundo sufra como sufrió ella, por eso rompe cosas. Es la rabia y ahora está volviendo a pasar.

E incluso el personaje de Úrsula, interpretada por Iris Almeida en Mientras duermes, está relacionada con los niños perversos recurrentes en la filmografía de Jaume Balagueró. Una cría que pone en peligro el plan de César.

La crítica ha querido bautizar como “el efecto Balagueró” la forma de representar el "mal" en pantalla. Un efecto utilizado en momentos “siniestros” con los que logra recrear una atmósfera  desasosegante. El propio Balagueró señaló en una entrevista que era "un simple experimento con el operador, no tiene que ver con algún efecto especial, todo es cámara y montaje. Como está pasando en el cine americano actual, no transmite ningún concepto, sólo imágenes. Esas pelis de acción en las que te preguntas: ¿Qué ha pasado?". 

                          

                                        

                      

                                 

 

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[Rec] Rompiendo las normas del género de terror.

Mientras duermes (2011)

[Rec] Rompiendo las normas del género de terror.

Las dos primeras películas codirigidas entre Jaume Balagueró y Paco Plaza, el remake de John Erik Dowle y la siguiente entrega de la saga, con Paco Plaza en solitario, tienen algo en común. La obsesión por mirar, la obstinación de la sociedad actual por registrar cada detalle, las críticas a una cierta televisión, el formato de falso documental que desemboca en una odisea de terror y sangre, con el punto de vista del espectador centrado en esa cámara que todo lo que ve. Estos filmes, también otorgaban una atmósfera de terror a sus historia y exprimían su condición de residencia laberíntica. Los creadores de la saga Rec hicieron algo más que orquestar un carrusel de imágenes y sonidos, siempre al máximo nivel de adrenalina. La primera entrega propone una postura original que rompe con las estructuras clásicas del cine de terror. Eso sí, no se decide ni por el mainstream ni por la serie B salpicada de pus, es puro pan y circo para los amantes del género. 

-Se han oído gritos, Mari Carmen del primero ha llamado a los bomberos.

Una de las ideas de la primera película era el concepto de telerealidad, salido del mundo de la televisión, de los programas que -cámara en mano- muestran todo tipo de reportajes. De hecho, seguimos la pista de una reportera y su cámara, viviendo un día con el cuerpo de bomberos que acudirá a un edificio para responder a una rutinaria llamada de emergencia. Ahí empezará la pesadilla, con vecinos y zombies de por medio. 

En Rec 2, la acción transcurre unos minutos más tarde, en el mismo edificio del Example barcelonés. Un comando de los GEOS responde a la situación de emergencia de lo que parece una epidemia vírica.

-Se trata de un virus altamente contagioso, se ha puesto el edificio en cuarentena y nos hemos puesto en contacto con el interior.

                       

El propio Paco Plaza comentaba que la saga de Rec se inició con ninguna intención de continiudad, sino como experimento entre amigos. "Rec es una película de horror pura, con Rec 2 intentamos girar a elementos de acción, un poquito más de comedia. Lo que queríamos, sobre todo, cuando ya vimos que iba haber cuatro películas, es distinguirlas claramente las cuatro". Pero encontramos con algunas señas de identidad, como la "Niña de Madeiros", el costumbrismo -del que desprende un sutil humor negro- , su carácter revisionista del subgénero zombie y el contexto de fanatismo religioso.

-¡La jodimos, este es un cura!

-Vamos a grabar un poquito a mi primo Koldo, que está un poquito nervioso. 

Rec 3 se subtitula "Génesis" porque se mantinene al principio de la historia, pero también porque desde la primera parte de la saga de Rec han jugado con la iconografía religiosa.

-Aún no, aún no puede estar pasando. 

- ¿El qué?

- El Génesis. Los ángeles abandonaron su propia morada, donde el Señor los guardó en prisiones eternas en donde soportarán el castigo divino y no podrán regresar hasta el Juicio Final.  Es una vuelta al foco de la infección, como nos dice el título añadido de Génesis.

La aventura americana es un pragmático remake al estilo hollywood. Los cambios en esta versión son mínimos: se adelanta la información sobre las causas de los ataques caníbales, se aprecia más exterior del edificio y se muestra el rostro del cámara, perdiéndose así el efecto narrativo de ese personaje, visto como una extensión del propio ojo del espectador. La frase final de Rec, resumía el espíritu de la saga: "¡Grábalo todo, por tu puta madre!".

                           

                                 

Lo más llamativo de la saga REC era la cámara subjetiva, pero vaya por delante que  no soy de aquellos que se entusiasmaron con esta propuesta terrorífica. Entiendo que haya mucha gente que disfrutara de un film que destacaba precisamente por desnudar al género de sus convencionalismos, de sus trucos habituales. Surgió una saga, demasiada condicionada por su propio éxito, de ahí que se termine creando una serie de mecanismos repetitivos, que provocan cierta familiaridad con el espectador fiel.

Quizás Paco Plaza empezó a darse cuenta que el formato subjetivo limitaba las opciones narrativas y sobre todo, impedía que su historia tuviera flexibilidad. Rec 3: Génesis supone una ruptura argumental y estética. "Si el primer filme rompía las normas del género, esta se carga las de la saga", decía Paco Plaza en una entrevista. "Queríamos que el cambio se notara muchísimo". Lo más llamativo es el cambio de escenario: nos alejamos del Example barcelonés, para trasladarnos a una boda. Y la primera parte de la tercera entrega, mantiene la esencia de la saga. "Todo el mundo tiene una cámara, por eso aparecen cinco o seis formatos de video. Pero en la segunda parte, queríamos que fuera todo lo antiRec posible o todo lo más cinematográfico posible. Usamos muchos travellings, muchísimas grúas".

                  

                   

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Con la cámara al hombro: grabando el terror.

Los otros: conviviendo los vivos con los muertos.

Los otros arranca presentándonos a una mujer que se despierta angustiada.  Grace (Nicole Kidman) vive encerrada en una mansión victoriana a causa de la alergia que sufren sus dos hijos pequeños, cuando la guerra la deja sola, tras la marcha de su marido al frente, junto a tres criados que se presentan en la casa. Tras el éxito cosechado por "Abre los ojos", Alejandro Amenábar se pone al frente de un film de terror, producido por Tom Cruise y los hermanos Weisenstein. 

 Se trata de una película de fantasmas, pero completamente original. Decía Stanley Kubrick, "Cualquier historia de fantasma es inherentemente un consuelo porque te muestra una vida después de la muerte".  El cine los mostrado desde todos los puntos de vista posibles  e incluso no ha escatimado a mostrar los tópicos, como hace Amenábar: "¿Fantasmas? ¿Por qué no van con sábanas y cadenas?".

 
 Sus apariciones fantasmales recuerdan a uno de los títulos clave del cine de terror: ‘Suspense’ (Jack Clayton) adaptación de la famosa novela de Henry James "Otra vuelta de tuerca". Pero, detrás de Los otros, hay una historia trágica que iremos descubriendo junto a Grace y los demás habitantes de la casa. El director, incorpora a la historia una extraña melancolía, casi existencial, que comparte con algunas películas del cine de terror español (Darkness, El orfanato), encontrando similitudes de decorados y atrezzo. Una película de plástica sugerente en la que no se exageran texturas ni los ambientes, pero llena de ruidos extraños, susurros, el crepitar de la madera, puertas que se cierran solas. La atmósfera se consigue gracias al claroscuro, logrado por el prestigioso director de fotografía: Javier Aguirresarobe: “Jugamos con luces graduales, fluorescentes, para simular la luz de la vela y la escasa claridad que entra en las estancias donde están los niños”.

Los otros es puro cine de terror, aunque no recurre a elementos gores o exageradas puestas de escenas. Pero evidentemente conoce los códigos del género y presenta una estructura típica de estos filmes. Parte de una situación cotidiana que se dirige paulatinamente hacia una presencia amenazadora. En esto cobra importancia tema de la casa encantada, ese espacio cotidiano que se vuelve cada vez más aterrador e inhóspito.  

La historia se desarrolla en una enorme mansión en la isla inglesa de Jersey, en el Canal de la Mancha, al final de la II Guerra Mundial. La idea del asilamiento es una de las principales referencias al terror en la película, con una mansión victoriana (en realidad es el Palacio de los Hornillos, en Las Fraguas, Cantabria) con la presencia de la niebla. Nadie entra en esa casa, a excepción de los criados, y nadie sale de ella, salvo en una breve secuencia en la que Grace se encuentra con su marido, una entidad que resulta de lo más extraña. 

De hecho, el aislamiento es parte de la historia: Los niños sufren una extraña enfermedad: no pueden recibir directamente la luz del día. El encierro parece ser consecuencia de la necesidad de proteger a sus dos hijos de la grave alergia a la luz que sufren, al mismo tiempo que se ufana al revelar aspectos como la orgullosa afirmación de su resistencia contra la ocupación nazi.

En Los otros encontramos un maridaje entre feminidad y locura, propio de la novela gótica más tradicional. Al fin y al cabo es un cuento de horror gótico, con aire y factura clásica, que consigue crear una atmósfera inquietante.  

Sinister: otra vuelta de tuerca a R. M. James.

De Sitges ’12, el gran evento del cine de terror al que asistimos este pasado octubre, recuperamos una película que vimos acompañado nada menos que de su realizador, Scott Derrinkson. Los productores de Paranormal Activity e Insidius nos traen la gran experiencia de terror de la temporada.

-Voy a escribir el mejor libro que se haya leído, tengo el presentimiento.

Un excelente Ethan Hawke es un autor especialista en escribir sobre crímenes reales, yéndose a investigar a los mismos escenarios. Una especie de Truman Capote, en busca de una inspiración perdida, que desea lograr un éxito al estilo de A sangre fría, o al menos repetir el triunfo que cosechó con su primera novela. Un personaje al que bien le valdrían las palabras de un artículo de Anthony Burgues (La naranja mecánica): "Soy novelista de profesión, creo que es un oficio inofensivo aunque no en todas partes se considera respetable".

-Yo no quería venir aquí.

-Ya no podíamos vivir en nuestra antigua casa, además mi nueva historia sucede aquí.

Para ese propósito, viaja con su mujer e hijos por todo Estados Unidos a la caza de algún suceso sin resolver, instalándose en el escenario de un horrible crimen del que había tenido alguna pista: "Se conocen los detalles del crimen de una familia cometido esta semana". Un apacible hogar en apariencia en el que comienzan a suceder cosas inquietantes cuando descubre una caja con antiguas películas de super 8 en el desván.

                 

                       

-No me lo puedo creer, "La familia se divierte", "Barbacoa año 69".

En las cintas que encuentra no solo se visualizan el crimen de esa familia, sino de otras, también sin resolver.

-¿Crees que son asesinatos en serie?

-No lo sé, los primeros que encontré son de los años sesenta.

Por lo que inicia una investigación con el fin de descubrir la conexión entre todas esas películas caseras y sus crímenes; una investigación que le llevará a obsesionarse, a alejarle de su familia y a encerrarse en casa (nunca se le ve saliendo de ella, hasta el final, que no desvelaremos). Por el camino, encuentra un aliado en el ayundante del sheriff y en un profesor de parapsiciología, relacionando los brutales crímenes con ritos y simbologías ocultistas.

-El símbolo se asocia a una deidad pagana que consume las almas de los niños.

                   

El director Scott Derrinkson nos entusiasma con esta película, al contrario que en sus dos trabajos anteriores (El exorcismo de Emily Rose y el remake de Ultimatum a la Tierra), auténticos deja vú; y aunque Sinister se llena de iconos y lugares comunes muy reconocibles, si logra captar una atmósfera de terror y es muy hábil dosificando la información y planteando los sustos. Ya en el prólogo, no tardará ni cinco minutos en darnos el primer escalofrío, actuaizando las convenciones de la gosth story y sirviéndose de la película doméstica el instrumento del horror. Sobresale, en este sentido, la interacción entre el mundo real y el diabólico, a través de una película casera (The ring, el círculo) o las referencias del snuff movie, las leyendas urbanas sobre grabaciones de asesinatos reales. En estas películas caseras encontramos guiños al medio analógico en plena era digital (el WHS, el super 8) o de la desaparecida Eastman Kodak. También se sublima algo del personaje del escritor de The shining, aunque Derrinkson no alcanza a rodar con el aplomo del maestro Kubrick.

Una historia de fantasmas. 

Este año estamos de enhorabuena los amantes de género de terror, con una nueva efeméride, celebrada con el film Sinister (Scott Derrinkson). 2012 supone el 150 aniversasario del nacimiento de R. M. James, uno de los creadores del esquema de la gosht story clásica, vista por última vez en la película citada. De hecho, el cine no ha hecho otra cosa que repetir unas claves y estructuras de un escritor que vivió en el siglo XIX, seguidor de la obra de Le Shanu (otro célebre autor de terror) y citado constamente por Lovecraft.  Películas como Darkness (Jaume Bakaguero), La morada del miedo, El ente, e incluso The ring, son ejemplos de películas que cuentan con las claves de este autor. 

Los fantasmas del film no se quieren redimir ni siquiera comunicarse, como ocurría con El sexto sentido, por citar un ejemplo; son entidades agresivas que buscan aterrorizar y que tienen una especie de "existencia parasitaria", como vemos en ese demonio que va tomando las almas de los niños. Esta idea ya la vimos en Insidius (James Wan) e incluso en Paranormal Activity, no por casualidad uno de los productores de Sinister es el mismo de las citadas películas. Pero encontramos multitud de elementos que la relacionan con la anterior cinta de James Wan. Se introduce el habitual experto paranormal (Vincent Donofrio), también la presencia maligna sigue a donde vayan los humanos elegidos como objetivo, dejando a un lado la posibilidad de escape, como sucedía en Insidius o la influyente El ente. El retrato de la familia protagonista es alejado de otra de las referencias del film: Polstergeis, donde se destacaba el modelo de familia feliz, con perro, viviendo en una urbanización aparentemente tranquila.

                      

                     

Derrinkson opta por el retrato de una familia triste (los hijos están descontentos por el traslado a la nueva casa, el niño sufre una enfermedad rara e inquietante), e incluso se muestran tensas las relaciones entre el padre y la madre. En este desarrollo del género, Sinister mantiene una estructura similar que la de Insidius y Paranormal Activity (aunque alejado del carácter mocknumentary de la segunda), con una película llena de momentos inquietantes, que provoca miedo por la sugerencia a través de un cuidado diseño de imágenes y sonido. Podría señalar la escena en la que Elliot vaga por la casa a oscuras y descubre a su hijo dentro de una caja, en uno de los ataques de su particular enfermedad. Pero el éxito de Sinister es demostrar que el cine de terror de culto, puro y contundente, no está obligadamente ligado al despliegue de escenas sangrientas y obscenas. Que existe el fuera de campo y que otro cine es posible.

El mensajero del miedo: Cincuenta años de un clásico de la 'conspiranoia'.

- Un hombre noble, valiente y generoso de cuantos he conocido en mi vida, e incluso ahora siguo pensando lo mismo, aunque en el fondo de mi mente algo me dice que no es verdad. No es verdad. 

Han transcurrido cincuenta años de una película controvertida que sería uno de los embriones del subgénero conocido como "conspiranoia", adaptación de una novela de Richard Condon, a cargo del cineasta John Frankenheimer. Un clásico que no ha perdido su vigencia. La historia gira en torno a dos supervivientes de la Guerra de Corea,  el sargento Raymond Shaw (Laurence Harvey) y el comandante Benett Marco (Frank Sinatra), capturados en el frente. Como prisioneros fueron sometidos a una serie de experimentos, un lavado de cerebro que los convertirá en una eficazca arma.

-Dispare contra Bobby, Ray. En la frente.

-Sí, señor.

                        

                       

                      

 Uno de ellos, es acogido como un heroe de la nación, mientras que el otro (Frank Sinatra) quedará obsesionado por unas pesadillas recurrentes, mientras  recibe órdenes para asesinar a un candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Este es uno de los aspectos más interesantes y controvertidos de la cinta, porque presenta al enemigo en el propio seno del país. Equidistantemente ambigua, se dirige el guión tanto a los soviéticos como a los sectores más conservadores del poder norteamericano, unos sectores obsesionados con la amenaza comunista.  

-La reina de diamantes es una representación clarísima, para Raymond de su odiama y amada madre, y es el segundo resorte que mueve el mecanismo para otro cometido. 

En este sentido, Raymond Shaw cae preso de las tramas políticas de su madre (Angela Lansbury) y su padrastro, el senador John Yerkes (James Gregory), personaje que presenta un discurso al más puro estilo del senador  McCarthy. A fin de cuentas se trata de un thriller político ambientado en la Guerra Fría y con la "Caza de Brujas" como telón de fondo.

 -Senador, quisiera verificar esas cifras, ¿cuántos comunistas dijo?

-Cien, mayor, tengo pruebas fehacientes de que exáctamente hay ciento cuatro comunistas con carnet en el Departamento de Defensa.

La película no fue estrenada durante años. Existió la leyenda negra sobre la retirada de la distribución debido a las similitudes del complot que provocó el asesinato del presidente John Fitzgerald Kennedy. Sin embargo, también pesó en esta decisión los enfrentamientos entre la Union Artist y John Frankenheimer con Frank Sinatra. El actor exigió a la productora un aumento de sus emolumentos, mientras que también crearía un aire de crispación las diferencias que  mantuvo con el director,  a causa del personaje femenino principal, la madre de Raymond Shaw. Al final el papel recayó en la opción propuesta por Frankenheimer, Angela Lansbury, quién será conocida por muchos por su personaje de Jessica Flechert en la popular serie televisiva "Se ha escrito un crimen". De hecho, su brillante interpretación le valió su nominación a los Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

                         

 Como en el resto de su filmografía, vemos en la película un reconocible estilo visual en el que destacaban la tensión narrativa o los encuades desequilibrados, pero también una recurrente temática, como la alienación de unos individuos, decepcionados por el sistema. Con este tipo de películas a medio camino entre el thriller y la intriga con elementos del cine de acción, Frankenheimer lograría una de las grandes cimas de su carrera. Algunas ideas aportadas en esta película, las supo desarrollar en otros films. La conspiración en un entorno militar aparecía en Siete días de mayo, sobre un intento de golpe de estado con el fin de evitar un acuerdo de un desarme nuclear entre los americanos y los soviéticos.

-No lo olvide Cassell, somos muchos los que apoyamos a nuestro general y desde hace muchos días todos estamos en estado de alerta. Especialmente el domingo.

Y la reflexión del Sueño Americano convertido en una pesilla, lo veíamos en Plan diabólico: 

-¿Sabes lo que hicieron?

-No puedo aclararte nada, pero...

-¡Quédate ahí!

-Es de la CIA, Nora.

-Nora no es de la CIA, ella trabaja para la Compañía.

El mensajero del miedo sigue vigente cincuenta años después, como observamos en un remake a cargo de Johnathan Demme que supo recuperar la atmósfera del original en un contexto completamente distinto.

-Escucha, te habla Marco, ¿me entiendes? 

                          

En cualquier caso, ambas películas tratan muy de cerca aspectos relacionados con los miedos de la sociedad norteamericana en cada uno de los contextos en los que se sitúa la trama: Los peligros del comunismo y del terrorismo. Pero también saben canalizarlos para que les beneficie, usándose de los medios de comunicación, especialmente de la televisión. E incluso la serie televisiva Homeland se apoya en el mismo proceso documental, ahora con el tema del terrorismo de Al-Qaeda, en el punto de mira. 

-Creará un clima histérico en millones y millones de televidentes que te empujarán a la Casa Blanca con poderes absolutos para manejar la nación.