Por una cabeza: un tango de cine.

El séptimo arte se ha dejado seducir por grandes compositores como el conocido Cole Porter, gracias sobre todo a Woody Allen, pero el cine debe sentirse en deuda con otros tantos, gracias a los cuales este no sería como es hoy en día. El que se homenajea en este breve reportaje, se ha empleado en tantas películas que ya se ha convertido en un clásico.

                               

Todo el mundo le conoce, es Carlos Gardel, el compositor argentino que hizo del tango la música de varias generaciones allí, en su país, pero también en el celuloide. Además de cantante, trabajó en el cine y de hecho, fue en su debut en donde oímos por primera vez, “Por una cabeza”. Desde entonces, el séptimo arte y esta inolvidable canción han sido inseparables en multitud de formatos. Apareció en La lista de Shindler o sonaba de fondo en El amor en los tiempos del cólera.

-Vino para hacer los estudios de maestra superior.

E incluso se dejó bailar en Mentiras arriesgadas (James Cameron), luciéndose una pareja de espías de lo más peculiar, Arnold Swarseneger y Jamie Lee Curtis. Y fue Al Pacino en Esencia de mujer, quien, con más vista que nadie (su personaje es ciego en la película) supo definir la esencia del tango, mientras se oía esta pieza, símbolo de sexualidad y deseo.

-En el tango no pasa como en la vida, en el tango no hay errores.

                                     

El secreto de sus ojos: El mejor Campanella.

Juan José Campanella -el autor de un puñado de grandes títulos como El mismo amor, la misma lluvia; Luna de avellaneda o El hijo de la novia-, vuelve a crear una historia llena de sensibilidad que provoca enormes emociones. Ha contado con la interepretación de dos interpretes habituales, - su actor fetiche Ricardo Darín, y Soledad Villamil, para encabezar el reparto del film. 

Darín da vida a  Benjamín Esposito, un oficial judicial jubilado que después de una larga vida entre las paredes de un Juzgado bonaerense, está decidido a escribir una novela. Quería preparar una historia basada en un antiguo caso sin resolver, que marcó a fuego su vida.  Entre las páginas del relato policial, un crimen sucedido en el Buenos Aires de los años setenta, se suspende una historia de amor inconcluso; historia que parte de la novela La pregunta de sus ojos de Eduardo Sacheri, quien lo adaptaba al guión junto a Campanella. "El secreto de sus ojos" fue la seguna película argentina en lograr el Oscar a la Mejor película en Lengua no Inglesa y el Globo de Oro a la Mejor Película; la primera fue Historia oficial de Luis Puenzo. 

El actor fetiche de cineasta argentino interpeta al narrador de la historia, pero habría que destacar también a otros dos personajes. Uno es Irene, interpretada por Soledad Villamil, que acompaña a Benjamín y comparte con él los dilemas de un amor no confesado. 

- ¿Y qué vamos hacer acá? Nosotros, vos y yo. 

          

Por los despachos del Juzgado pulula Pablo Sandoval, a quien da vida el extraordinario  actor Guillermo Francella, decidido a ayudar a Espósito para esclarecer un caso que simplemento otros dan carpetazo. 

-De novia, de religión, de Dios, pero hay una cosa que no puede cambiar, Benjamín: no puede cambiar de pasión.

Una historia dramática, de suspense o de amor, que incluso puede servir de metáfora de la situación argentina actual. Pero si de algo estamos de acuerdo es que entra de lleno en la filmografía de uno de los más grandes. El cine de Campanella se inscribe en dos tendencias: una presenta un personaje psicópata, como el de su debut (El mediometraje "Prioridad nacional") o el asesino con facciones y físico de Javier Bodino en Secretos de sus ojos. 

-Si se preocupan el uno del otro, permanecerán juntos, puedes engordar, quedarte calvo o simplemente dejar de ser atractivo. Pero si me quiere de verdad, se quedará conmigo. 

              

En el otro extremo, Campanella ha desarrollado una obra obra cinematográfica en donde sobresale el "amor", su tema predilecto: el amor en sus más diversos puntos de vista, y sobre todo el romático. El amor entre amigos, el amor a través del tiempo, el amor no confesado, el amor a la familia o el amor al fútbol. Su gran pasión, que siempre suele aparecer en sus películas, incluída la de este reportaje. Pero en sus películas, no hay mojigatería, no hay amor embelesado, sin embargo, aflora en sus argumentos grandes dosis de humor e ironía. Un ejemplo lo encontramos en El hijo de la novia.

-¿Música grabada o en vivo?

-Música grabada.

-Cuatrocientos pesos. ¿Monaguillos?

-¿Cuanto son?

-Doscientos.

-Dame dos.

Juan José Campanella vive en Estados Unidos, dirigiendo series norteamericanas como House o Ley y orden, mientras que -de tarde en tarde- regresa a su país para brindarnos puro cine con mayúsculas.   

             

           

              

Homenaje a Saul Bass: Los primeros minutos de un arte.

Hacemos un pequeño homenaje a Saul Bass, maestro en un pequeño arte con el que brillaban los títulos de créditos y las cartelerías de muchos de los grandes nombres del Hollywood dorado. Alfred Hitchock y otros cineastas, como Otto Preminguer, confiaron en este artesano que seguiría un estilo propio y que crearía escuela, pues es cierto que existen títulos de crédito de calidad más allá de Saul Bass. Hagamos un breve repaso a los más brillantes trabajos en esta línea.

A los que nos gustan las películas de Woody Allen también nos resulta interesante sus títulos de crédito, a pesar de que lleva décadas empleando el mismo esquema. Frente a esta idea, Saul Bass es uno de los diseañadores más creativos, pero también más políficos con once colaboraciones con Otto Preminguer (El hombre del brazo de oro, Anatomía de un asesinato) y otras tantas con Hitchock (Psicosis, Vértigo, Con la muerte en los talones), pero de destacar uno, señalemos su último trabajo, a las órdenes de Martín Scorsese, para la película Casino. En esta se ve al personaje de Robert de Niro, Sam “Ace” Rohtstein, arrancando su coche que estallaba a los pocos segundos, mientras sonaba la famosa La pasión de San Mateo, de Bach.

 Otro de los diseñores más clásicos, sería Stephen Frankfurt, a pesar de que su trabajo más conocido sea Superman; sin embargo, el más influyente es el que preparó para la película Matar a un ruiseñor (R. Mulligan), que se abre con una caja de puros en la que se guardan algunos de los “tesoros” del personaje Boo Bradley. La música de Berstein hacía el resto. Pero después de Bass, el más destacado sería Kyle Cooper, muy influido por Franfurt, sobre todo en su trabajo más conocido en Seven (David Fincher). Como en Matar a un ruiseñor, la película comieza con un gran despliege de objetos, desde papel a unas tijeras, que sirven para reflejar el subconsciente criminal del psicópata, como en la anterior película se mostraba el lado oscuro de una caja de puros. Otros títulos de crédito realizados por este diseñor fueron las dos primeras entregas de la saga de Spiderman (San Raimi), La isla de Doctor Morau (John Frankenheimer) y Zodiac, la última película de Fincher.

Desde mi gusto personal, uno de los más interesantes comienzos es el de Sleuth (La Huella, Joseph L. Mankiewitz), relacionado con la estructura teatral del film. 

¿Qué sería James Bond sin su Martini agitado, no removido? Seguramente sobreviriría, porque si le cambiaron su clásico Aston Martín por un BMW, es posible que se remuevan todos los arquetípicos más característicos de este galán espía. Pero lo que no cambia es el tradicional título de créditos, a pesar de que se introdujeron algunos nuevos, uno de ellos diseñado por el propio Salvador Dalí. Nos estamos refiriendo a las siluetas insinuantes del agente 007, a ritmo de John Barry, a través del cañón de una pistola. El responsable fue Maurice Binder, quién lo diseñó para la primera película de la serie, 007 contr el Dr. No. El mismo fue el encargado para otras tantas películas, de la que destaca Barbarella (Roger Vadim), interesante por presentar a la actriz protagonista, Jane Fonda, ingrávida, como una fantasía erótica espacial.

En la actualidad, las películas prefieren mostrarse con unos títulos de crétidos diseñados a base de la tecnología informática. Esto es lo que parece privar entre los cineastas, considerados como posmodernos, como David Fincher, con El club de la lucha o La habitación del pánico, o los hermanos Wachowsky, en Matrix, uno de los más destacados de los últimos años, con la casada digital, diseñada por Lynne Cartwright y Simon Witheley. Al final, ininteligible incluso para los yonquis de las pastillas rojas, como ocurre con la película.

De los trabajos españoles, por lo menos uno merece la pena destacar, el de la película Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar), realizados por Juan Gatti, a pesar de que su trabajo está a medio camino entre los clásicos de Saul Bass y el que preparó Richard Avedon, para el filme de Stanley Donen, Una cara con ángel. Por mucho que algunos osaron compararle con Saul Bass, a mí me resulta una horterada muy al estilo de Almodóvar. Y por citar un trabajo de título de créditos en una serie televisiva, destaca el sobresaliente resultado de una de las mejores series de la historia, A dos metros bajo tierra, diseñados por Danny Young.

 

 

John Coffee: el personaje más recordado de Clarke Duncan.

-Intenté deshacer el mal, pero ya era tarde.

Clark Duncan, actor afroamericano, ha sido noticia por su fallecimiento; perdiendo el cine a una estrella más después del director Tony Scott y de los actores españoles Juan Luís Galiardo y Carlos Larrañaga. Hemos querido hacer un pequeño homenaje, recordando a uno de sus principales personajes por el que fue nominado a los Oscars y a los Globos de Oro, en su segunda participación cinematográfica.

Michael Clarke Duncan vivía como guardaespaldas de estrellas de Hollywood, mientras buscaba hacerse un hueco entre la televisión y la publicidad. Su primera aparición importante fue en Armagedon (Michael Bay), donde contó con la amistad de Bruce Willis, actor que le ayudaría para su siguiente papel, el personaje con el que fue más recordado: John Coffey. "John Coffey, como el café, pero se escribe diferente",  es uno de las principales bazas de La milla verde, todo un drama carcelario, a cargo de Frank Darabont, con un toque fantástico y sobrenatural. Jonh Coffey representa al hombre negro que tras una vida de cruel discriminación, destacaba por poseer un prodigioso don.

Si quiere conocer una crítica de la película de Frank Darabont, escuche este archivo de audio, procedente de "Secretos del rodaje", programa de Radio 5 (RNE).

                                                        

Coffey es un enorme preso negro acusado de asesinar brutalmente a dos hermanas y sentenciado, por ello, "a cabalgar sobre el rayo" en La Vieja Chispas, la silla eléctrica del penal de Cold Mountain, en el estado de Luisiana, durante los años treinta.  Todo parecería normal si no fuese porque su personaje muestra una personalidad algo extraña: un enorme tamaño, a pesar de mostrar el carácter de un niño pequeño, que teme a la oscuridad y que cumple su único deseo de ver una película. 

- Las mató con el amor que ellas se tenían. Y eso sucede cada día. Y sucede por todo el mundo.

Cercano al estereotipo del "gigantón ingenuo", se trata de un personaje presente en la obra de Stephen King. El escritor lo suele incorporar en sus historias, con el ejemplo de Tom Cullen, "The Stand", interpretado por Bill Fagerbakke, en la versión para la televisión de Mick Garris. Sin embargo, la capacidad milagrera del personaje lo lleva a asemejar con la mesianidad y espiritualidad, propia de Jesucristo, tema recurrente en el cine fantástico (desde Matrix a Superman) y en la obra de Stephen King. Se trata de la pasión y muerte de un hombre inocente, con bondad y una capacidad sobrenatural, pero que también sufre por el mal del mundo, absorbiendo la maldad. 

- Tengo ganas de que acabe todo esto de verdad, estoy cansado jefe, cansado de recorrer el mundo solo como un gorrión bajo la lluvia, cansado de no tener un amigo con quien estar, que me diga donde vamos, con quien venimos y por qué. Cansado de las personas que son feas con las otras, estoy cansado del dolor que siento yo y oigo por el mundo cada día, hay demasiado dolor, son como trozos de cristal por mi cabeza, que no puedo quitarme, ¿Puedes entenderlo? 

                              

                 

        

Vértigo: De entre los muertos.

Acaba de ser noticia, por subir hasta el primer puesto de las grandes películas, lugar que ocupaba la merecidísima Ciudadano Kane, durante más de cuarenta años. De este modo, rendimos homenaje a Hitchcock, con esta celebrada y personal aportación al género que le daría más fama, como también a la conocida música orquestada por su compositor fetiche, Bernard Hermamm, en esta película atormentada, romántica, algo siniestra y enfermizamente bella, Vértigo. Incomprendida en el momento de su estreno, reivindicada más tarde e imitada hasta la saciedad, Vértigo o De entre los muertos, como gusten llamarla, sigue estando cincuenta años desupés en la cima del Olimpo cinematográfico. El propio Alfred Hitchcock la consideraba su obra más personal, y es que de un thriller que partía de la novela homónima, la película transcendía el género del suspense y se erige como una evocación onírica del amor románticos con tintes necrofílicos, que abarca muchas lecturas y subyuga al espectador con una poderosa puesta de escena y un depurado estilo visual.

El punto de partida de Vértigo tiene su origen en la atracción del director británico por la ciudad de San Francisco, en donde el maestro del suspense quiso buscar una historia adecuada para esa capital llena de cuestas y pendientes, junto con un inequívoco sabor europeo. Y la encontró en la novela francesa de Entre los muertos, con la que Alfred Hitchcock contruyó una film a base de círculos narrativos y tour de forces que se puede saborear a diversos niveles. El que tuviese oportunidad de leer la novela, comprobaría que la historia no tiene nada que ver con la película. En esta última, James Steward interpreta a Scott Fergunson, un detective retirado tras sufrir acrofobia, a raiz de un desafortunado suceso, con el que se inicia el filme.

- Deseo que sigas a mi mujer,... no, no es eso.

- ¿Entonces?

- Creo que alguien está siguiendo a mi mujer.

- ¿Alguien?

- Alguien que murió.

Un tiempo después es requerido por un antiguo compañero de Universidad para que siga a su mujer, un personaje enigmático. Scottie, el personaje de Steward se enamora de un mujer fantaseada,  parece rodeada por un áura de fatalidad y misterio. La mujer, aparentemente enajenada por el pasado, poseída por una dama que la mira desde su retrato decimonónico, le conduce a un campanario, en donde se repite la historia. Debido a su vértigo, no puede salvarla. Postrado y oscurecido, Scottie Fergunson deambula por las calles de San Francisco en busca de un fantasma. Y lo encuentra, encuentra a Judi, una mujer que le recuerda a la desaparecida Madelaine. En un atrevido giro inexperado, a mitad de película Hitchcock nos descubre la verdad, todo ha sido una represantación ideada por el marido de Madeleine, para asesinar a su esposa, la verdadera Madeleine. Judith es una mujer sin futuro que se prestó a establecer ese papel para que el personaje interpretado por James Steward fuese testigo involuntario de su falsa muerte. A partir de ese momento empieza otra historia, de ecos turbadores. La obsesión del detective retirado por resucitar a Madeleine en la persona de Judith, mientras que los mimbres oníricos no descuidan la resolución de la trama.

- Tenemos que subir al campanario.

- No puedes, tienes miedo. 

- Lo veremos, esta es mi segunda oportunidad.

Scottie descubre que ha sido engañado a través del broche que luce Judith, el mismo de Madeleine, y la empuja a acudir de nuevo al campanario, para resolver el caso y también su propio trauma, sin terminar de renunciar a un amor más allá de la muerte. Con unos de los finales más turbadores e inexperados que se recuerda, Judith cae está vez por el campanario y Scottie, en un plano final de una fuerza sobrecogedora, vence su vértigo a un precio que sólo la imaginación del espectador puede concebir.

                                     

 Melodrama y thriller se unen en una película inclasificlable que sólo un genio podía hacer para un gran estudio. la brillante interpretación de James Steward, un actor con quien el espectador medio rápidamente se identifica, se veía complementada por la de Kim Novak. Actriz que se unió tarde al reparto, por el papel prinicpal iba dirigido, en un primer momento, a Vera Miles. Junto a ellos, el filme cobra importancia por la espléndida fotografía con una intensidad cromática de profunda resonancia de esa sensación de vértigo que sufre el protagonista, junto con el simbólico empleo del color rojo; o el trávelling en retroceso con un zoom avanti, montado en el llamado "dolly", de una de las escenas cumbres de la película. Sin embargo, la genialidad de Vértigo radica, en parte, en el hecho de que ese miedo a las alturas aparece reflejada también en la música de Bernard Hermann, cuyos acordes son tan intensos y conocidos como los que este mismo compositor realizase para otras obras de Hitchock como Psicosis o Con la muerte en los talones; o los títulos de créditos del gran Saul Bass. Lo que conforma un trabajo conjunto de una serie de artistas en estado de gracia.

                    

                   

 

Manolito Motosierra: Entrevista por el largometraje Jodidos Kabrones.

Manolito Motosierra es como se conoce al cineasta alicantino, responsable del film de puro gore descerebrado y underground "Jodidos kabrones", una película en plan de comedia pero con violencia y sangre a raudales que hará las delicias del amante del género. En el rodaje le acompañan actores de su tierra, la música del pianista menorquino David Prats y  la solvencia de algunas empresas audiovisuales como la distribuidora Tyrannosaurus Entertainment. Las redes sociales son las culpables de este contacto, a través de su actriz protagonista, Míriam Larragay, quienes nos contaron algunas de las impresiones y claves de su película. 

De los videoclubs de barrio al largometraje. 

Manolo Motosierra:  Yo empecé, como todos los de mi generación, viendo las pelis cutres de  monstruos, de los videoclubs de barrio. Cientos de pelis, a cual más impresionante. Por lo que mi afición sobre el género nace así.  No fue hasta finales de los 80, cuando cogí la cámara de super-8 de mi padre, y comencé a realizar cortos casposos y sangrientos. A medida que ha ido pasando el tiempo, me he juntado con gente que quería salpicar al personal, así que, en el 2007, y después de montones de cortos gore, hechos con la única intención de reírnos y pasarlo bien, me decido a rodar mi primer cortometraje profesional “Awakening Zombies”. Tres años después, dejé el corto de lado para probar con trabajos de más duración, entre ellos “Syndrome 501” (2010) y “Jodidos Kabrones” (2012).

                      

¿De dónde salió "Jodidos kabrones"? La historia detrás de las cámaras.

Manolito Motosierra: La historia es sencilla. Richy y Lucia, dos peregrinos, van camino de Santiago cuando un pequeño accidente les obliga a detenerse en un albergue. Lo que ocurre es que ese albergue, es regentado por una familia de descerebrados. Hemos tenido en cuenta el cine Slasher de los 80, llevándolo a la España profunda y de paletos-asesinos-caníbales. Básicamente hacemos gore porque es lo que nos ha gustado toda la vida. Y ese género lo mezclamos con situaciones divertidas y personajes locos. Como suelo decir, lo que hacemos no es más que cine gamberro.

Miriam Larragay:  Uno de los compañeros del filme, el actor Jose Antonio (quien interpreta a al hermano mayor de los hermanos Gutiérrez), me llamó para ofrecerme hablar, con Manolo. El primer contacto fue muy rápido, el director me pasó el guión y aunque ya habia participado en un corto de terror con Ángel Gómez, nunca pensé hacer algo tan gore.  La verdad fue que me inquietó, pero  no dudé en decir que sí.

Lucia, mi personaje, es una chica joven como yo que está ilusionada por hacer el Camino de Santiago con su novio. Una chica valiente y un poco mandona, por eso no duda en escapar. Al final creo que hace que la historia mantenga el suspense.

                    

Durante el rodaje. 

Manolo Motosierra: Nosotros hacemos cine guerrilla, o sea, sin mucha gente ni grandes planificaciones. Eso no quiere decir que no nos preparemos los deberes, si no que solemos ser muy rápidos en rodaje. Cuanto más gente haya en plató, más lento vas a ir. Por eso, las escenas con más acción y coreografía son las más complicadas de rodar. Por ejemplo, en “Jodidos kabrones” tal vez fuese la escena en la que los descerebrados torturan a Richy y Lucia, cada uno por su cuenta y al mismo tiempo. Otra característica de nuestro rodaje fue la música. Solemos romper los moldes del estatus del terror y poner música divertida donde no la requiere, eso le da un toque distinto y característico. Así comprobamos que este género no tiene reglas. Puedes hacer lo que quieras, cuanto más sangre metas mejor. Puedes hacerlas divertidas o serias. Si técnicamente la cuidas, pues mejor, sino tampoco es esencial. ¡Aquí vale todo!

Miriam Larragay:  Cuando llegué al proyecto,  llevaban dos meses rodando. Comencé en septiembre y terminé el 15 de diciembre de 2011. Las localizaciones fueron en Alcoy y madrugábamos mucho. El lugar era rústico muy similar a los parajes asturianos. Lo mejor de todo fue el disfrutar del campo, pues nos salieron todos los dias soleados y el dueño del hostal nos daba muy buenos embutidos para almorzar. Lo pasé genial.

El filme en sus expectativas. 

Manolito Motosierra: Hacemos el cine que nos gusta para nosotros y nuestros amigos. Si sale adelante, pues mejor. Con “JK” hemos tenido la suerte de que la distribuidora Tyrannosaurus Entertainment se interesara por ella, y actualmente está disponible en Filmin y ha sido seleccionada para ser exhibida en varios festivales nacionales e internacionales.

El asesino profesional, un actioner en el cine.

- ¿Le interesa ganar unos veinte mil marcos por matar a un hombre o a dos?

- No sé dónde le han dicho que yo soy un pistolero, debe confundirse con otra persona. 

El amigo americano. Win Wenders.

Existe una serie de personajes que han sabido aprovechar una habilidad especial para una profesión muy cinematográfica: matar. El asesino, a sueldo o movido por motivos profesionales o por intereses personales, ha curtido la carrera de muchos cineastas y de algunos actores que lo han aprovechado para redondear los registros de sus personajes. Así lo debió entender, por ejemplo, Tom Hanks quien se enfundaba el desconocido rol de asesino en Camino a la Perdición.

De hecho, el cine ha sentido un gran interés por reflejarlos desde todos los puntos de vista posibles. El asesino interpretado por Tom Cruise en Collateral (Michael Mann), enfrentado a un taxista, que hará lo imposible por acabar con sus planes criminales.

- ¿Eres socio de Amnistía Internacional? ¿de Salvar a las Ballenas? ¿de Greenpeace?

- No.

- Me cargo a un tio gordo y te cabreas.

                         

                

Otros con referencias pop y citas bíblicas, como el personaje de Samuel L. Jackson en Pulp Fiction (Quentin Tarantino).

- ¡Y tú sabrás que mi nombre es Javeh cuando caiga mi venganza sobre ti!

O tiernos, como Leon, el profesional (Luc Besson), que como "canguro superduro" busca proteger a una menor, que a su vez deja las barbies por las armas: Mathilde, la Lolita liquidadora Natalie Portman.  

 - ¿A qué te dedicas exactamente?

- Soy limpiador.

- ¿Quieres decir, asesino a sueldo?

- Sí.

- Guay.

 En algunas ocasiones, el personaje del liquidador, del asesino profesional se inspira en personajes reales. Esto sucede con el ejemplo del sicario conocido con el apodo de Carlos, El Chacal, quien tuvo una multitud de representaciones en el cine, como la versión mainstream protagonizada por Bruce Willis.

              

              

-Puedo darte las matrículas de los seis coches aparcados fuera, puedo decirte que la camarera es zurda y que el hombre del rincón pesa 98 kilos y sabe defenderse. Sé que el mejor sitio para buscar un arma es la cabina del camión gris, de allí; y que a esta altitud puedo hacer un spring de 800 m. sin que después me tiemblen las piernas. ¿Cómo puedo saber eso y no quién soy?

Hay asesinos con problemas de memoria: El mito de Bourne. Y encuentros tan estimulantes como el enfrentamiento de dos aseninos, cuanto más interesantes al comprobar que entre ellos existe una relación de amor-odio al ser marido y mujer, como Mr. y Ms. Smith. 

-Cariño, creo que disparas tan mal como cocinas, y me estoy quedando corto.

              

                 

Pero Angelina Jolie no está sola en el cine, le acompañan una multitud de mujeres liquidadoras, todo un subgénero, con  la destacada "La novia", una pletórica Uma Thurman en Kill Bill o la Mallory de Indomable (Steven Sorderberg). Hay otros con licencia para matar con placa de policía. Marion "Cobra" Cobretti, no se quitaba ni las gafas de sol ni el palillo de los labios, mientras liquidaba el solito a una secta de satánicos. En la película Cobra, el brazo fuerte de la ley (Georges P. Cosmatos) Stallone no dejaba vivo ni al apuntador. 

-¿El crimen es una plaga? Yo soy la solución.

                                          

Sin embargo, nuestro policía liquidador de todo buen cinéfilo es Harry Callahan. El sabía cómo alegrar el día, protegiendo las calles de San Francisco, con su Magmum 44 al ristre. 

-Sé lo que estás pensando, si disparé las seis balas o solo cinco. La verdad es que con todo este ajetreo, incluso yo he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, la mejor arma del mundo, capaz de volarte los sesos de un tiro, ¿no deberías pensar que eres afortunado?

Indomable: Mallory actioner al servicio de Sorderberg.

Steven Sorderberg autor de culto, aboga por la acción en estado puro en Indomable, película con la que quiere terminar su carrera cinematográfica. Con aire de comic y pura acción, Malory parece seguir la estela de Jason Bourne como una agente y asesina que termina siendo traicionada. Tras una misión para rescatar a un rehén en Barcelona, le despachan rápidamente a otra misión, uniéndose a otro agente, el elagante y retirado Paul. Cuando la operación se va al traste y descubre que le han traicionado tiene que valerse de todas sus habilidades para escapar de una operación internacional, regresar a los Estados Unidos, proteger a su familia, y vengarse de todos los que le han traicionado. Con este pequeño esbozo, vemos que la trama arranca como cualquier película de espías: tras una operación rutinaria,la protagonista es traicionada, intentan matarla, pero escapa con vida. En adelante tendrá que descubrir quién y por qué.

-Es la agente perfecta, entonces, ¿por qué la traicionaron?

Lo mejor es su reparto: Ian McGregor, Michael Fasbender, Antonio Banderas y Micahel Douglas, entre otros. El envoltorio corre a cargo de un director tan creativo y solvente como siempre, capaz de salir airoso con recursos visuales allí donde otros buscan los trucos de posproducción. El propio Antonio Banderas alababa su forma de rodaje: "A mi lo que me sorprendió es la seguridad con la que rueda, porque no cubre nada, va a tiro hecho". Indomable cuenta con unas meritorias secuencias de acción, en las que pule cualquier intrusión efectista, sin música ni ruidos extridentes, sino una coreografíada serie de golpes. Ayuda que Sorderberg contara con Gina Carano como protagonista, una auténtica campeona de artes marciales, famosa por sus numerosas victorias y por participar en el programa de televisión Gladiadores americanos. 

 

                                    

Interpreta a una Mallory Cane parca en palabras, pero inteligente, una dura agente en cubierto, cuyo jefe se encarga de ofrecer sus servicios a distantas entidades globales para llevar a cabo trabajos que los gobiernos no pueden autorizar y que los jefes de Estado preferirían no saber nada. A pesar de su aspecto y juventud, Mayory, tiene unas habilidades por las que es muy solicitada. La continuación lógica de una serie de heroínas made in Sorderberg. Cane está en un punto intermedio entre sus dos personajes femeninos más interesantes; con algo del atrevimiento de Erin Brocovich.

-A veces te odio a muerte, ¿lo sabes?

-No, usted me adora. 

Pero también con algo de la sensualidad de Chelsey, la prostitua de The Girlfriend Experience. Sin olvidarnos, por su puesto, del caracter de Helena Ayala (Katherine Zeta Jones) en Traficc. 

                 

-Deseo que el principal testigo contra mi marido, Eduardo Ruíz, muera. 

 Pero el personaje de Sorderberg recuerda también a todo ese repertorio de mujeres asesinas o guerreras, presentes en la historia del cine moderno, más allá del talento de Tarantino. Podríamos citar, por ejemplo, a un personaje muy poco conocido, que surje en las páginas de un cómic y que saltó a la pantalla con la película inglesa Modesty Blayse, con Monica Vitty como protagonista. Era la reina del robo al servicio del Mi6 británico. Blase y Cane comparten una gran habilidad acrobática y una fuerza contenida, pero además de un personaje masculino como fiel amigo incondicional; un enamorado compañero de batallas, en caso de Modesty Blayse, y su padre, en el de Mallory Cane. 

-Papá no digas nada, que se ponga Paul.

-Tú, ten cuidado.

La principal diferencia reside es que la protagonista del filme de Sorderberg se siente más cómoda en chándal que vestida de "Catty pussy", elegante.

-¿Eso me propones? ¿Quieres que sea un florero? ¿Eso es lo que quiere el MI6?-Tu misión es supervisar. -No se me da bien ese papel, no llevo vestidos. ¡Que se lo ponga, Paul!