La silueta más famosa del cine vuelve a la gran pantalla. Con Hitchcock, nos trasladamos a los años sesenta, al rodaje de una de las mayores obras de un genio del cine, "Psicosis". Para conocer, sobre todo, algo que muchos no sabrán que esta película estuvo a punto de arruinar la carrera del director pero también la personalidad obsesiva del cineasta británico que sólo encontró aliento en su esposa, Alma Reville. Eso sí, no se habla completamente del lado oscuro del maestro del suspense. Hopkins hablaba así del propio Hitchcock: "No era de los que obedecían órdenes, Alma le tenía a dieta de zanahoria y apio, por salud pero también para ahorrar. Hitchcock empeñó todo lo que tenía para poder hacer la pelicula". La transformación de Hopkins en Hitchcock es espectactacular, gracias a las dos horas de maquillaje diarias. "Nunca buscábamos una réplica exacta, queríamos a alquien que reprodujera la leyenda". Es lo que comenta el director de este proyecto. Se trata del casi desconocido Sacha Gervasi quien se enfrenta a todo un reto en su primera película de ficción, después de dirigir documentales.
La otra gran pieza de este puzle es Helen Mirren quien interpreta a Alma Reville. El problema surge cuando lo único que sabemos de la esposa de Hitchcock es a través de unas memorias escritas por Patricia Hitchcock, "Alma Hitchcock: The woman behind the man". Las otras mujeres que acompañan a Mirren son Scarlett Johanson, como Janet Leigh, y Toni Colette como Peggy Robertson, la secretaria de Hitchcock. Pero cobra importancia el personaje que fue a interpretar el mítico Norman Bates.
Desde la productora nos cuenta que el origen del proyecto se debe tanto al libro de Stephen Rebello "Alfred Hitchcock and the Making of Phycho" como una audición a los actores Anthony Hopkins como a James D´Arcy. Este segundo actor era un amigo del director Gervasi, que acudió a la prueba demostrando que podía ser el perfecto Anthony Perkins (Norman Bates en Psicosis).
Todo amante del cine puede decirse que es bastante mitómano y entre las curiosidades que más nos atraen del séptimo arte, quizás destaquemos las interioridades de nuestras peliculas favoritas. Y de hecho, ya son cada vez más los que se suman a este selecto club de los cineastas que "redirigieron" a cineastas de renombre. Clint Eastwood hizo lo propio con John Huston y "La reina de África" en "Cazador blanco, corazón negro"; Benjamin Ross nos trasladaba al rodaje de otro genio con carácter como Orson Welles y su indiscutible "Ciudadano Kane", en "RKO 281" y ahora viajamos a Hollywood de la mano de Gervasi con el Psicosis de Hitchcock.
Si quieren saber más deberán esperar para verlo en los cines o revisar ese clásico del maestro del suspense. Sin duda uno de los estrenos más esperados del 2013, año repleto de proyectos interesantes y de buen cine.
Lucas Vidal es uno de los jóvenes compositores instalados en Hollywood, como una de las grandes promesas, curtido en el mundo del cortometraje y el documental. Curiosamente Jaume Balagueró contó con él para la partitura de Mientras duermes, a pesar de que había trabajado con músicos tan reconocidos como Carles Cases o Roque Baños. Eso sí Vidal se desenvuelve bastante bien en el terreno del terror, con una partitura que genera tensión. De este modo, oscila entre una vertitente sinfónica con melodías al piano y sonidos muy originales que provocan angustia.
El problema de Lucas Vidal es que haciendo una música más destacada que muchos de sus colegas de Hollywood, lo cierto es que el compositor se ha dejado tentar demasiado por el sonido americano que impera hoy. También es verdad que es lo que le piden los directores con quienes trabaja, a pesar de que está perdiendo gran parte de la música que nos fascinaba cuando trabajaba en España. Uno de los handicaps de la música de cine "made in Hollywood" es que no existe una auténtica melodia para un cierto tipo de películas. Ruidos, música electrónica, sintetizadores o efectos electrónicos que sustituyen a lo que entendemos por música pura. El genial Vangelis imprimió un sello musical tan característicos que muchos cineastas buscan su estilo para aquellos films de ambientación futurista. En este campo encontramos la película La luz fría del día, cuya partitura se debe al compositor español. Podrían destacar el piano de "Back to boat" y el tema final, llena de ritmo que aparece titulado "Spain".
Lucas Vidal es también el responsable del soundtrack de The raven (El enigma del cuervo). James McTeigue confió en el compositor sin nisiquera conocerle, simplemente había leído que el español había trabajado a las órdenes de directores oscarizados. De hecho, el sello de Poe no aparece en ningún momento, uniéndose a otras producciones americanas que han buscado una película de época pero sin recurrir a la música de época. Piano y cuerdas, combinadas con sintetizadores y sonidos electrónicos.
Su último trabajo, que ha quedado fuera de la terna de nominados a los Goyas 2013, es el de la película Invasor (Daniel Calpasoro), que lo hace con la ayuda de la Orquesta Sinfónica de Galicia y del renocido ingeniero musical Steve Kempster.
Después de diez años volcado en el cine de animación, con films como Pollar Express y Beowulf, Robert Zemeckis dirige El vuelo un drama sobre la aviación, protagonizado por Denzel Washinton (Whip Whitaker), quién se pone a los mandos del aparato. Tiene un arranque similar al de Naufrago, como único punto en común con esa película en la que Tom Hanks sufría un accidente de avión, por el cual quedaba sólo en una isla desierta. Escrita por John Gattins, esta película -nominada al Oscar al Mejor Guión- está basada muy ligeramente en un hecho real, el aterrizaje forzoso sobre el río Hudson, del vuelo 1549.
-Hay un montón de periodistas enloquecidos ahí fuera, eres como una estrella del rock. No volverás a pagar una copa en toda tu vida.
En ambas ocasiones, la habilidad del piloto evita la catástrofe, convirtiéndose en un héroe de la noche a la mañana, porque se considera que el accidente ha podido deberse a un fallo técnico. Pero la polémica surge cuando una investigación, demuestra que el capitán Whitaker estaba bajo el influjo de sustancias tóxicas. A la misma velocidad, el héroe se convierte en villano.
-¿Recuerdas que te extrajeron sangre la noche del accidente? Te hallaron alcohol en el organismo. Si se demuestra que el alcohol fue la causa de la muerte de cuatro pasajeros, se enfrentan a cuatro casos de homocidio. Podría significar cadena perpetua.
Junto con el deseo de surcar el cielo, imitando a las aves, siempre hemos tenido miedo a volar. De hecho, el primer vuelo que aparecía recogido en la mitología griega, el de Ícaro, ya resultaba accidentado, pero la nueva tecnología surgida en el siglo XX dio motivos sobrados para alimentar una de las fobias preferidas, el temor ante un accidente. Una temática mil veces vista en la gran pantalla, pero la pelíocula de Zemeckis no es otra superproducción sobre catástrofes, centradas en el accidente. El vuelo bordea el melodrama al centrarse en el proceso al personaje central que es acusado de consumir drogas en la noche del vuelo.
En este sentido, el personaje interpretado por Denzel Washinton recuerda algo a ese Glenn Ford de Los pasos del destino(Ralph Nelson), también sobre un accidente de avión del que se intenta conocer las causas del desastre.
-Una vez descartadas todas las especificaciones naturales, eso pregunto yo. ¿Qué nos queda? Lo sobrenatural. Y ¿cómo llamar lo sobrenatural en este caso? El destino.
La película es algo irregular, porque la historia no termina de cuajar. ¿Lo mejor? El arranque y una conversación en el hospital, el debate sobre la verdadera naturaleza del héroe. Los otros personajes, Nicole (Kelly Reilly), una mujer ex adicta que conoció en el hospital, los que encarnan Jamess Bagde Dale y Don Cheadle y Harling Mays -el compañero de juergas del persona central- a cargo de un sensacional John Goodman, es parte del cast; para quién escribe, lo mejor de la película. Por supuesto, sin olvidarnos de Denzel Washinton, con una merecidísima nominación a los Oscars. ¿Y lo peor? El final.
Jean-Luc Godard podrá gustar más o menos, e incluso nada, eso depende de cada cuál. Pero con independencia de la opinión que cada uno tengamos, de lo que no cabe duda es de su importancia en el cine contemporáneo. No quería empezar parafraseando sin sentido, sino por una sencilla razón: todo el cine actual puede considerarse godardiano. El cine de Godard, sobre todo el que rodó durante las décadas de los sesenta y setenta, es esencia de cine hecho a base de cine o de retales de otras películas. Así, podemos comprobar cómo gran parte de la cinematografía actual (señalando un 90% me quedaría corto) es un cine hecho a base de retales.
En el caso de Quentin Tarantino, Godard debe estar arrancándose los rizos de la calva, porque en este nouvellevaguista cachondo prima la reivindicación de las formas pulp a lo DJ desbocado por encima de sus líneas argumentales.Tarantino copia, y eso no es una novedad, mezcla toda aquello que le gusta para que el resultado sea espectacular: violencia, explosiones o chicas guapas peligrosas, hasta crear su estilo. Quentin Tarantino es un cineasta que creó un estilo propio y único, combiando los estilos de sus géneros favoritos. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns. "Yo robo de todas partes, los grandes artistas roban, no hacen homenajes", dijo el propio Tarantino en el Festival de Cannes en donde ganó con Pulp Fiction.
Quentin Tarantino arrampló -esa es la palabra correcta- para cada una de sus películas, que podía haberlas proyectado en un Grindhouse, por la temática de su cine y el sabor que destila, desde el blackxplotetion, con Jackye Brown, hasta el cine de venganza de los setenta, con Kill Bill. No olvidemos tampoco al personaje interpretado por Christian Slater, Clarence Worley, en Amor a Quemarropa. Filme que fue dirigido por Tony Scott, pero escrita por Tarantino, que presenta su alter ego definitivo, un friki que pasa el tiempo libre en grindhouses viendo películas de kung-fu, el cine de las artes marciales o wuxia, y buscando el amor de prostitutas. Si nos detenemos en Kill Bill, hay en el cine muchas mujeres de armas tomar, justicieras buscando venganza, muy al gusto de Tarantino, como encontramos en el personaje de La Novia, Uma Thurman. Por citar algunos ejemplos, están Sissy Speack en Carrie, Brian de Palma; Sigurney Weaver en La Muerte y la Doncella (Roman Polanski) y Lee Yeong-ae, en Simpatías por Señora Venganza (Park Chan-Wook). Pero dos destacan fundamentalmente, Jeanne Moureau en La novia vestía de negro (François Trouffaut), quien decide vengarse de los hombres que mataron a su esposo en el día de la boda, y Junko Miyazono, protagonista de una trilogía hiperbólica, con una acción desenfrenada. Ésta narraba la historia de venganza de una joven japonesa, armada con katana y cadenas. ¿A qué os suena?
-Los que podáis caminar podéis iros, pero dejad vuestros miembros cercenados, ahora son míos.
¿La mejor escena de su filmografía? En Malditos bastardos, Tarantino supo sacar de Walzt una de las escenas más brillantes de su filmografía, aquella en la que se presentaba el cazador de judíos. Todo un subtexto de grandes quilates para mostrarnos una certera visión de la crueldad del terror nazi. Pero Tarantino fue mucho más que eso, un gran esteta de la violencia (sobre todo en ese doble episodio de Kill Bill), un amante de la cultura pulp y del cine Grindhouse, con una enorme erudición cinematográfica. Un director a quien no le importó incorporar en su argumento sus miedos y obsesiones (el gusto por el cine o el fetichismo de los pies, siempre están presentes en sus películas).
-Tocarle los pies a su mujer o darle lengüetazos en su sagrado agujero. No es el mismo juego, ¿comprendes? No es la misma liga, ni si quiera es el mismo deporte.
También suele repetir bastante en sus películas el plano imposible desde el maletero de un coche, aunque a veces el mismo plano lo encontramos en otro contexto, como hizo en Malditos bastardos. El último elemento común que destacamos en Tarantino es el reflejar la catarsis de sus protagonistas en cada película, sobre todo desde Kill Bill. En sus historias, sus personajes sufren pero al final viven una experiencia catártica, lo que vemos en esa Novia dispuesta a vengarse, quién luchaba en realidad por su hija perdida, sin saberlo.
-Tu has visto mi coche y yo he visto he visto tus piernas. No he estoy diciendo que esté acosando, pero tampoco soy un corderito.
Death Proof era una versión de la historia de caperucita roja, con una vuelta de tuerca al mito con la mujer restituyendo su propio honor. Pero su catarsis más espectacular de su filmografía lo logra en Malditos bastardos, al ofrecer un final del nazismo que muchos hubieran deseado en la realidad.
- Marcel, querido, vamos a hacer una película especialmente para nazis.
- ¿Sargento Hugo Stiltzit? Soy el teniente Aldo Raine, ellos son los Bastardos. Somos unos admiradores de su trabajo, en lo de matar nazis ha demostrado talento, y yo me precio de tener buen ojo para ello.
Tarantino cambia un par de letras del título en inglés del filme de Enzo G. Castellari El asalto al tren blindado (Inglorious bastardes), como excusa para esta recreación ficticia de la Segunda Guerra Mundial, una especie de spaghetti-western nazi. Los bastardos es una unidad del ejército americano, compuesta por soldados judíos, que opera en la Francia ocupada. Los dirige, un violento y desgarbado Brad Pitt, el teniente Aldo Raine, un salvaje cazanazis. Y junto a él, podemos reconocer a algunos compinches de Tarantino, como Eli Roth, y secundarios como Mike Myers. Sin embargo, el personaje mejor presentado del filme -y el más tarantiniano- es el Coronel Landa, interpretado por Christopher Waltz.
- ¿Usted es el caza judíos?
- ¡Esto es un bingo! ¿No lo decís así?
- Solo bingo.
Ver al personaje del caza-judíos comparando las ratas con las ardillas o con esos diálogos, ya te pone en preaviso de que no vas a ver una película de guerra normal.
- Verás, si pudiera definir qué atributo comparte el pueblo alemán, diría que el instinto depredador de una ardilla. Pero si me preguntan por los judíos, diría que los judíos comparten los atributos de la rata.
Sin embargo, es la trama lo que haría a un espectador riguroso clamar como si se tratase del propio Hitler: “¡nein! ¡nein! ¡nein! ¡nein!”. Gira en torno a un plan aliado para hacer saltar por los aires una sala de cine parisina donde líderes nazis –incluido Hitler- asistirán al estreno de una película propagandística del Tercer Reich. Claro, el filme es puro entretenimiento.
- Entraremos sobre Francia, vestido de civiles, con un solo objetivo, ni uno más, matar nazis. Cada hombre bajo mi mando me traerá diez cabelleras nazis. ¡Y quiero mis cabelleras!
Más que una película sobre la Segunda Guerra Mundial, trata sobre los filmes que la han abordado. Se ha hablado mucho de la conexión con Doce del patíbulo, pero apenas hay referencias de esa película y sí de Sergio Leone y Sam Peckimpah. El estilo de Tarantino es muy spaghetti western: sus escenas son destendidas hasta que estalla la violencia, de repente. De nuevo, su cinefilia se apodera de la historia, pero además de las referencias desbocadas, hay una reivindicación del poder del cine, que Tarantino despliega con unas peripecias argumentales.
El cine se ve como arma, sueño colectivo o propaganda. Toda la misión está diseñada para intervenir en el estreno del filme Soltz der Nation; el Teniente Hicox es requerido por sus conocimientos cinematográficos, y el juego que tiene lugar en el café está lleno de referencias cinematográficas, empezando por King Kong. En este sentido, destaca Sohanna, interpretada por Melaniè Laurent, que comparte con otros personajes tarantinianos, el sentido de venganza.
- Marcel, querido, vamos a hacer una película especialmente para nazis.
Pero además, el propio Tarantino se reinventa. Una prueba de esto son los cinco capítulos en que divide la película, culminadas con una escena violenta, que son precedidas por larguísimas secuencias de personajes hablando entre sí, y en cuatro idiomas. Hay, sin embargo, diferencias entre el texto y el ritmo de Reservoir Dogs, Pulp Fiction y esta. Viene apoyada por una introducción de cuentos de hadas en los títulos de crédito: “Érase una vez, en la Francia ocupada…”, con una escena inicial que es una pequeña joyita a cargo de Tarantino. El coronel Landa visita una granja francesa donde, presuntamente, se ocultan judíos. La escena, repleta de diálogo, es para el director una cumbre personal de su carrera, después de la “siciliana” introducción que abría Amor a quemarropa, su primer guión.
Pero se trata de una película irregular. ¿Los mejores momentos? El inicio, al más puro spaghetti western, la escena del café y el coronel Landa. Lo peor, los personajes que se enfundan en los malditos bastardos. Película que puede llevar a engaño, porque la caza de los nazis por ellos, apenas supone veinte minutos de metraje, sin duda lo más flojo del filme.
Desde que D. W. Griffith estrenara El nacimiento de una nación, el cine hollywoodiense ha estado mezclando política y espectáculo de forma continuada. Ya sea con fines reflexivos o puramente demagógicos, excitados por discursos propagandísticos, una buena parte del barniz ideológico con el que ha adornado su entretenimiento resulta muy sensible a esta política norteamericana. Una política en la que siempre ha estado presente un moralismo, una fe e incluso un sentido particular del patriotismo, sobre todo cuando la realidad del mundo se transforma a su antojo, y si es necesario, por la fuerza.
-Dadnos valor para hacer lo que es justo y si eso implica la guerra civil, adelante con ella y cuando eso ocurra que sea por fin la última batalla de la Revolución Americana.
Spielberg había tratado el problema de la esclavitud en su película Amistad, un drama con una fuerte carga de cine judicial. Curiosamente, el personaje que defiende a los acusados, John Quincy Adams, y el que abogaba por la postura esclavista en la misma película, John C. Calhoun, fueron Presidente y Vicepresidente durante una legislatura.
- Y lo afirmo que es una idea polémica, pero propia de todo hombre: la libertad.
La semilla del odio racial aparece, en la película, desde las primeras escenas, introduciéndonos en un campo de batalla entre los soldados de la Unión y los de los Estados Confederados. Una batalla brutal, entre hombres blancos y negros. Sin embargo,Lincoln es un biopic dirigido a exalzar la grandeza del presidente, entrando de lleno en la mitificación como personaje histórico, tal y como ya hicieran otras tantas versiones en la gran pantalla. Aquí está interpretado magistralmente por Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores de su generación: Pero han sido muchos los intépretes que han jurado el cargo en el celuloide. Lincoln –que aparecía en El nacimiento de una nación, de Griffith, y del que Ford había hecho un retrato idealizado de su juventud (El joven Lincoln)- es uno de los mejores tratados en el cine.
-Caballeros, señoras y señores y imagino que sabéis quién soy, Abraham Lincoln.
De forma reciente, recordamos otra película que recuperaba la figura de Lincoln, la magnífica La conspiración de Robert Reford (por supuesto, sin tener en cuenta la estrafalaria Abraham Lincol, Vampir hunter). Film de Reford que podría formar perfectamente un díptico con Lincoln, porque La conspiración empieza en el momento en que concluye la película de Spielberg.
-No es justicia, lo que ustedes buscan, sino venganza.
-No sé si es justicia o vengaza, pero por garantizar la supervivencia de la nación haría lo que fuera. Mary Surrat participó en el crimen más grave de la nación y la situación requiere una sentencia rápida, firme y severa. Yo también considero sagrados esos derechos, abogado, pero no tendrán ningún valor si nuestra nación deja de existir.
Redford prefiere tratar este episodio de la historia norteamericana a través del asesinato de Lincoln, mientras que Spielberg eligió los últimos años de vida del Presidente, para terminar contándonos el magnicidio tal y como lo supieron la gran mayoría del país.
-Soy un presidente, investido de un poder inmenso, van a procurarme esos votos.
Ese es él, Lincoln o si lo prefieren Daniel Day-Lewis en una de sus mejores interpretaciones. Durante las dos horas y media del metraje, en la historia encontramos las luchas entre facciones en la Cámara de los representantes, con un presidente que dispuesto a todo, aunque sea lícito, por cumplir sus objetivos.
-Los diputados salen baratos, dos mil pavos y compras los que quieras.
-Al presidente no le complacería que le hicieran eso.
-¿Acaso le complacería perder?
De hecho, Lincoln deberá enfrentarse a varios dilemas, el primero si debe prolongar la guerra hasta la abolición de la esclavitud, el segundo si debe cumplir los deseos de su hijo por alistarse y el tercero radica en su esposa Mary Todd, interpretada por Sally Field. Una mujer de armas tomar. La propia actriz había comentado de su personaje: "Ella no se lo pone fácil, no representa la esposa dulce y complaciente. Es un persone con una personalidad muy fuerte y lo manifiesta cuando no está de acuerdo con lo que sucede".
-Si no consigues los votos necesarios, deberás responder ante mí.
Tras doce años de preproducción, Steven Spielberg busca el retrato humano en el conflicto de la guerra civil que aparece en pantalla de forma tangencial. El propio realizador había explicado esta opción, que entendemos acertada: "Yo probé con un guión en la que salía la Guerra Civil, pero no funcionaba en absoluto porque tenía demasiadas escenas de batallas que te hacían olvidar cual era la postura del presidente a la hora de querer terminar la guerra".
Quizás la película no guste mucho a quienes vayan al cine pensando que Lincoln es del estilo de la saga de Indiana Jones, su Tiburón o The war horse. No hay la acción suya característica y, a pesar de citarse -y mucho- la Guerra Civil no hay escenas bélicas espectaculares que han destacado en algunas de sus películas precedentes. Es un film de reflexión, sobre los lodos del poder, sobre las estrategias políticas -los sobornos-, la Enmienda XIII de la Proclama de Emancimación, etc...
Teniendo en cuenta todo esto, el resultado de Spielberg es sobresaliente a pesar de los excesos de glucosa, con la cual el cineasta suele teñir algunas escenas, y las alusiones historiográficas de dudosa veracidad.
Apunte final: ¿Cine o historia?
La película Lincoln (Steven Spielberg) , parece haber despertado un debate sobre el uso de la Historia en el cine. ¿Está obligado el séptimo arte a reproducir fielmente las etapas históricas y sus personajes? Por supuesto, están en lo cierto todos aquellos que opinan que la versión de Spielberg es partidista, destaca unos aspectos y olvida otros; pero esto sucede con todas las producciones audiovisuales de época. Desde la antigua Roma a la II Guerra Mundial, desde Kenedy a Colón, la Revolución Francesa o Jesucristo, toda película que centre a un personaje o acontecimiento histórico es una recreación, suceptible de licencias. A parte, los historiadores somos también partidistas, desde el momento en que se recoge una fuente, la estudias y escribes sobre ella, tomas partido, por tu formación, por la metodología o lo historiografía que usas.
Quisiera destacar el artículo Lo que la película ‘Lincoln’ no dice sobre Lincoln (Vincent Navarro), a pesar de no coincidir en todas sus conclusiones: el cine y la historia son dos campos diferentes, que comparten características, pero no sus reglas. En este sentido, el cine es arte, por supuesto, es una representación de una historia que aspira a la veracidad, pero también es industria. Existe una ley no escrita: La historia de verdad no vende. Hay que recordar que para esos menesteres están los documentales, que el cine -incluso el histórico- es ficción.
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Llegamos a la gran fiesta del cine español, los Goyas 2013, unos Goyas, huelga decirlo, marcados por la crisis, pero también por un año raro para nuestro cine. Tres películas se han demarcado de la situación general vivida por nuestra cinematografía, demostrando que apostamos por proyectos arriesgados y nos sobra talento, más allá de las cifras o del raquítico interés del público español por su propio cine. En este sentido, destacamos Blancanieves, Lo Imposible y O apostolo, la primera película europea en utilizar la técnica del stopmotion.
De todas ellas, destaca Blancanieves (la apuesta de Pablo Berger) con dieciocho nominaciones, entre Mejor Película, Director, Guión, Actor y Actriz protagonista. Le siguen Grupo 7, finalista en 16 categorías; la historia de la familia que sobrevivió al tsunami (Lo Imposible) y la búsqueda de la creación artística (El artista y la modelo), formando parte del destacado cuarteto de salida.
Un cuento infantil universal, la búsqueda de la creación, una historia sobre policías dispuestos a todo y una tragedia de dimensiones colosales; las cuatro películas más nominadas en los Goyas 2013, son apuestas por la diversidad. En aquel diciembre de 2004 marcó para muchos, la gran tragedia del tsunami que azotó buena parte del Pacífico asiático. Este suceso sirvió de inspiración para la película de J. Bayona, Lo Imposible.
Pero la inspiración puede ser también una fotografía. Por ejemplo, la de Cristina García Rodero, la fotógrafa de esta particular imagen, enlazada con el cine a través de la versión de un cuento muy especial. Este 2012 ha conocido versiones muy diferentes de la historia de Blancanieves, pero ninguna tan arriesgada como la que nos propone Pablo Bergel.
Una película que sigue la estela de la gran triunfadora de este año, The artist , rodada en blanco y negro y silente. No nos alejamos mucho de Sevilla para la siguiente película, porque esta tierra andaluza también fue el escenario de Grupo 7, el film sobre un grupo policial dispuesto a todo por acabar con la delincuencia y la droga. Una historia que ha apudado al actor malagueño Antonio de La Torre que cuenta con dos nominaciones en estos Goyas (la otra, por la película Invasor ).
-¿Cómo habéis sido el grupo de la policía con más número de intervenciones?
Cuatro policías de paisanos imponen su propia ley para limpiar las calles de Sevilla, dirigido por Alberto Rodríguez, que vuelve a tomar la ciudad hispalense como escenario de su última película. Esta vez, dirige su mirada a los años previos a la Expo del 92, un evento que cambió la fisonomía de la ciudad.
-El año que viene hemos acabado con la droga de esta ciudad.
Grupo 7 refleja cómo la ciudad va transformándose al compas que el comportamiento de sus protagonistas, un grupo de policías dispuestos a acabar con el menudeo y los pequeños capos de la droga que residían en pleno centro. La última de las grandes películas es La artista y la modelo, un homenaje al proceso de creación y a la relación entre el creador y su modelo. De por medio encontramos una historia ambientada en la Resistencia durante la ocupación alemana en Francia.
-Conozco las montañas y los caminos. Ayudo a pasar a la gente.
-¡Yo solo quería estar tranquilo y trabajar! ¡Ahora solo tengo a un par de clandestinos!
¿Una ceremonia con acento andaluz?. Además de las dos películas citadas y de la doble nominación del malagueño Antonio de la Torre, encontramos en la parrilla la producción andaluza Carmina o revienta. Pero también es una ceremonia con la que recordaremos dos proyectos muy interesantes en el campo de la animación: Tadeo Jones y O apostolo. Animados por el Goya al cortometraje de Tadeo Jones: el sótano maldito, no pretendía otra cosa que producir un largometraje, con el famoso personaje como protagonista.
-Los arqueólogos acaban de llegar a la excavación.
-¿Qué, Tadeo, has encontrado algún tesoro?
-Aún no.
-¡Bah! Nunca encuentra nada.
Es un proyecto de animación cien por cien española que cuenta con unos personajes simpáticos y unas correctas dosis de acción. De hecho, Tadeo Jones es una especie de antihéroe, albañil de profesión y arqueólogo por vocación.
-No eres más que un obrero, no un arqueólogo.
La otra película a destacar, O apostolo, es toda una maravilla injustamente maltratada por los distribuidores. Se trata de la primera producción española en emplear la técnica del stopmotion, con una historia que nos lleva a la Galicia mágica con elementos del terror y humor. La película de Fernando Cortizo reivindica el poder de la animación stopmotion en un momento en el cual el desarrollo de la imagen digital lleva a esta compleja técnica a un segundo lugar.
-Yo soy un cineasta por eso nunca haré una película en video.
Booghy Nights.
Sus primeras películas, todas ellas sobresalientes, respondían a una identidad creativa propia, aunque fue Pozos de ambición (There will be blood) la que nos descubriera una nueva faceta en el director. Había alcanzado el pulso de los grandes cineastas y una madurez en su estilo cinematográfico, tanto que parte de la crítica empezó a relacionarle con el mismísimo maestro Stanley Kubrick (Días de cine). El espléndido equipo de críticos comparaban su soberbia puesta de escena, los cinco años entre película y película (al igual que Kubrick), e incluso el protagonismo de Tom Cruise en una de sus mejores interpretaciones (en Magnolia con P. T. Anderson y Eyes wide shut con Kubrick).
Eso sí, The master y Pozos de ambición cuentan con elementos comunes, que comparte con el resto de su filmografía. Dirige la mirada al pasado de los Estados Unidos para reflexionar sobre el Sueño Americano. Interpretado por Daniel Day-Lewis, su personaje en Pozos de ambición era un pobre hombre de finales del siglo XIX que alcanza una gran fortuna a través de su esfuerzo, gracias al petroleo.
-Me bebo la sangre del cordero de los Bandy, ¿entiendes?
En The master, el protagonista -Freddy (Joaquin Phoneix)- es un ex-combatiente en la II Guerra Mundial, uno de los muchos que regresaron a casa con la mente trastornada y que fueron marginados por la sociedad y por la prensa triunfalista de la época.
-No deberías trabajar en tu estado.
-No, puedo trabajar.
-Eres un desviado.
-No lo soy.
-¿Sabes lo que significa eso?
"Esos dos actores comparten rasgos oscuros, cuando se enfrentan a su trabajo parece como si estuvieran sacando la cabeza de debajo del agua, con cierta angustia y la búsqueda de oxígeno". Sus personajes, -no solo estos si no del resto de su filmografía- están inmersos en un caos psicológico. Así sucede con Eddie "Dirk Diggler" Adams (Mark Wahlberg), en Boogy Nights o Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) en Pozos de Ambición.
-Me he apartado del camino correcto, ¿verdad?
El personaje de Freddy se encuentra con el interpretado por Phillip Seymor Hoffman, alter ego de Lafayette Ronald Hubbard fundador de la Cienciología.
-Soy escritor, médico, físico nuclear, teórico de la filosofía y por encima de todo soy un hombre.
Entre ellos se mantiene una relación paternofilial, otra de las constantes en la carrera del director. Las películas de Anderson suelen contar con repartos corales e historias entrelazadas, un realizador que forma parte de la llamada generación de los "directores del videocassette", como Quentin Tarantino y Kevin Smith que crecieron viendo muchísimas películas y con un saber casi enciclopédico.
Otro aspecto en Anderson es su costumbre de repetir ciertos actores. Philip Seymour Hoffman ha aparecido en todas las producciones de Anderson excepto There Will Be Blood. Otros actores con múltiples apariciones en sus películas son Philip Baker Hall, John C. Reilly, Luis Guzmán, Ricky Jay, Julianne Moore o William H. Macy. Además, Robert Elswit ha sido director de fotografía de todas sus películas.
