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Travelling. Blog de cine.

O apostolo: la Galicia mágica en stopmotion.

O apostolo: la Galicia mágica en stopmotion.

La explosión  de la animación de gran formato  ha cobrado importancia gracias a los esfuerzos de Pixar, Dreamworks y de Disney, a una mayor distancia. Eso sí, este tipo de animación se esta convirtiendo en una industria clónica que aúna comercialidad y calidad, en donde los beneficios cuentan mucho más que el aspecto artístico; a parte de repetir los mismos esquemas, narrativas y estilos. E incluso llenando las parrillas de sagas y franquicias que se expanden hasta el infinito. Una de las rarezas en animación es la figura de Tim Burton, y no sólo porque se aleja de los universos infantiles, bienintencionados y comerciales de las citadas empresas, sino en la búsqueda de una mayor originilidad, por la temática de género y fantástico y por el empleo de técnicas de animación más artesanales como es el stopmotion. Que el 3D ha ganado la guerra a todas las demás técnicas posibles, es evidente; y que la piratería impide que prosperen cualquier proyecto que se salga un poco de la norma, es otra evidencia que domina este sector. Con excepciones, por supuesto, como vemos en Blancanieves, la gran triunfadora en los Goyas 2013.

                        

 Pero las grandes perdedoras en el mismo certamen  han sido también propuestas innovadoras, como es El artista y la modelo (Fernando Trueba) (cero de 13 nominaciones) y O apostolo (Fernando Cortizo). O apostolo ha contado con el aplauso de Tim Burton, pero aquí en España, el rechazo del público, distribuidores y de la Academia. Es verdad que la película contaba con varios handicaps. Suele ser conocida la animadversión española por el cine de animación patrio, con la excepción de Tadeo Jones. Pero el éxito de este título, de Enrique Gato, ha impedido que la primera película europeo rodada en stopmotion lograra triunfar. Al mismo tiempo, Lo imposible de J. A. Bayona irrumpía como un tsunami en la taquilla. 

Los distribuidores y el cine de género.

Me lo pregunto realmente: ¿qué ocurre con los distribuidores de nuestros país en cuanto al cine fantástico? ¿Por qué hay títulos que simplemente ni llegan a la semana en cartel, ni siquiera se estrenan y ni se ofrecen en formatos domésticos? Hablamos de películas muy destacadas del cine de género como Frontières, de Xabier Gans; Eden Lake, James Watkings; The Childrens, de Tom Shankland; Black Death, de Christopher Smith;  The Cabin in the woods, Drew Goddard y O apostolo, de Fernando Cortizo. 

O apostolo es toda una maravilla injustamente maltratada por los distribuidores. Se trata de la primera producción española en emplear la técnica del stopmotion, con una historia que nos lleva a la Galicia mágica con elementos del terror y humor. La película de Fernando Cortizo reivindica el poder de la animación stopmotion en un momento en el cual el desarrollo de la imagen digital lleva a esta compleja técnica a un segundo lugar.

 -La santa compaña es una mensajera de la muerte. 

Su trama se mueve entre el fantastique y el terror, nada que ver con el personaje "anticrisis" y el planteamiento infantil de ese Indiana Jones a la española, que presentaba Enrique Gato. La Galicia mágica, el Camino de Santigado, la figura del Diablo y  la Santa Compaña se dan cita en la película de Cortizo, con un delincuente de poca monta que llega a un pueblo gallego en busca de un botín, para terminar descubriendo que sus habitantes son unos adoradores del Diablo. Los peregrinos del Camino de Santiago son las víctimas de estos peculiares moradores, para una serie de sacrificios.

                   

Lo más curioso del filme es la conseguida técnica del "fotograma a fotograma", con los muñecos que recuerdan a una diversidad de guiños (desde el Nosferatu de Murnau a los propios dobladores que le dan vida a estos personajes). Entre ellos se destaca el personaje del Arcipreste (Paul Nashy) y el interpretado por Luis Tosar. Una de las curiosidades de O apostolo es que los actores no se limitaron a poner la voz de sus personajes, sino que también se movía como ellos, interpretándolos, para luego darles vida en formato de stopmotion. Aunque el filme está muy conseguido y atraerá el interés de los amantes del género, no es totalmente perfecto por arrastrar unos defectos como el exceso de verborrea. Eso sí, la película debió contar con un mayor apoyo y alzarse con el Goya, pues premiando a Tadeo Jones no hace otra cosa que aplaudir a un cierto estilo poco original e infantiloide, repitiendo Goya pues en la edición de 2012, había alcanzado este galardón con el formato de cortometraje. Un poco de deja vú. 

Que importan los premios, las selecciones en festivales de prestigio; que tenga en el equipo a prestigiosos técnicos, responsables de grandes películas como La novia cadáver o El señor de los anillos; tener un gran reparto de voces (Luis Tosar, Geraldine Chaplin, Jorge Sanz, Manuel Manquiña o el desaparecido Paul Naschy), o el fichaje de lujo de Philip Glass para la banda sonora. "O Apóstolo" es el último gran fracaso de nuestro cine: 5,2 millones de euros de presupuesto y 37,000 recaudado.  Pero no es el único fracasa, hemos conocido, grandes desastres cinematográficos: "El Dorado", de Carlos Saura, encabeza la lista de los grandes fiascos de nuestra industria, junto a la humillación de no llevarse ningún premio Goya de los nueve a los que estaba nominado. Lo cierto es que muchas películas de época han fracasado estrepitosamente en nuestro cine. "Sabotaje", una comedia napoleónica dirigida por los hermanos Ibarretxe, "Tirante el Blanco", "Los fantasmas de Goya", "Sangre de mayo", la desastrosa "Manolete" y la más sonada "Capitán Trueno", que casi acabó en las manos. 

En el caso de O Apostolo, Fernando Cortizo lo tiene claro: "Para el 31 de octubre teníamos firmadas 80 salas en toda España para que se estrenase, y nos encontramos con que, en realidad, solo se lanzó a 25. Además, con horarios absurdos, en cines alternativos o del extrarradio".




Las ventajas de ser un marginado: Volvemos al mundo de los institutos.

Las ventajas de ser un marginado: Volvemos al mundo de los institutos.

-Es el primer día de clase y este año quiero que las cosas sean distintas. 

El escritor Stephen Chbosky se pone tras las cámaras para dirigir a Emma Watson en "Las ventajas de ser un marginado"  (The perks of being a wallflower), la enésima representación de la vida en un instituto americano, dentro de los esquemas preestablecidos. La historia sucede en el último año de curso, hay un poco de alcohol y drogas, algo de rock and roll, el baile de fin curso y un profe de literatura. Todo gira en torno a un chico tímido, un looser que hace buenas migas con estudiantes más mayores que él, hasta encontrar un lugar entre estos "desclasados" de catálogo.

-Bueno, vamos, perdamos la cabeza.  

Dirige Stephen Chbosky el autor del libro homónimo en que se basa la película; una novela que es parte de la literatura recomendada por los instituos como fue Rebelde, en los años noventa. Vale, reconozco que la historia puede estar muy vista: el chaval que pierde a su mejor amigo y que desde entonces se queda solo, que tiene unos hermanos fuera de serie y que es un poco inadpato. Pero creo que está muy bien contada, que es un acierto (y muy arriesgado) que el propio autor haya decidido dirigirla y los actores son solventes y creíbles. Además, la película es bastante honesta como teen budy movie, nada que ver con la controvertida relación profesor-alumno de la francesa La casa, por poner un ejemplo reciente.

"Sigue la mente de tu maestro porque caminar con él, es avanzar", la película de François Ozon nos mostraba el lado oscuro de ese aprendizaje, que hemos querido destacar con una cita del escrito germano Goethe. En el nuevo film encontramos un estilo totalmente distinto, habría que entender que detrás de la propuesta se encuentran los productores de una buena parte del cine indie de los últimos años, de Juno o Young Adult (aunque sin la colaboración Jason Reitman y Diablo Cody). Juno narraba un proceso de madurez acelerado, mientras que Young Adult, recurría al proceso contrario, retratar la adolescencia perpetua a una generación incapaz de superar sus taras emocionales.

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En esta ocasión, "Las ventajas de ser un marginado" nos habla de un constante en el cine de institutos. Los personajes de esta película resultan ser extractos representativos de una generación de actores jóvenes en ascenso. Aunque algunos con carreras más afortunadas que otros, todo sea dicho de paso. 

-Bueno, tienen... ¿cómo los llamas? Un gusto adquirido. 

Entre los actores más afortunados está Ezra Miller, el coprotagonista de Tenemos que hablar de Kevin (We need to talk about Kevin) y Emma Wattson, compañera de correrías de Harry Potter. El menos interesante es Logan Lerman, precisamente el protagonista. En la película, recupera parte de la esencia de otros personajes célebres de instituo como aquel de Donnie Darko, el atormentado por una dolencia psicológica, interpretado por Jake Gyllenhaal.

-Salvaste a mi hermano, eso es lo que hicistes.

-Entonces, ¿no tienes miedo de mí?

-¡No!

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               Las ventajas de ser un marginado

No: Larrain nos trae la Dictadura de Pinochet en un film candidato al Oscar.

No: Larrain nos trae la Dictadura de Pinochet en un film candidato al Oscar.

Basado en una obra teatral de Antonio Skármeta, El pleisbicito, la primera película del chileno Pablo Larrain en estrenarse en España (la tercera de su filmografía), lleva como título el breve pero contundente "No". El film refleja los avatares de una guerra publicitaria, el enfrentamiento televisado entre Augusto Pinochet y la Comisión del NO, en el plesbitico que el dictador organizó y perdió en los años ochenta. Entre otras cosas, lo más importante fue que obligó la dimisión en el poder de Pinochet.

-Nosotros no pensamos que vayamos a ganar.

-Entonces, ¿para qué esta campaña?

-Para crear conciencia. 

Uno de los méritos de su director, Larrain, es rodar con viejas cámaras de la época con la idea de crear una sensación de documental o de realidad, más allá de los convencionalismos del cine comercial. Otro de los motivos es crear conciencia a través de las cuestiones a las numerosas líneas políticas, una de ellas es la duda que  le surgen a los demócratas cuando contratan al publicista para que les diriga la campaña del No. Les sugiere que abandone los antiguos lemas antifascistas por un estilo mucho más comercial. 

-Esto me parece comercial de Coca-Cola. 

-Estamos utilizando un lenguaje publicitario que es universal, familiar, atractivo y optimista. Eso sí, Larrain lo propone sin tomar, aparentemente, partido, con el objetivo de que el espectador por sí mismo sea quien tome su propia opinión. "No me interesaba -dice el director- hacer un cine de panfleto, sino un cine que muestre cómo deben ser las cosas, porque lo intento es crear conciencia y que no responda el espectador de una manera específica". 

La Dictadura de Pinochet y el cine.

Encabeza el reparto el actor el mexicano Gael García Bernal muy conocido aquí en España, junto a otros grandes actores que nos son más desconocidos, Alfredo Castro y Antonia Zelgre que ya trabajaron a las órdenes del cineasta en sus dos últimas películas. Santiago 73 post mortem y Toni Manero que configuran una trilogía junto con la película que analizamos.  Las tres películas coinciden en ambientar sus historias en la dictadura de Pinochet, como una crónica con diferentes líneas políticas. "Jamás pensé en realizar tres películas sobre el mismo tema", reconocía el director.

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Santiago 73 fija en un amargo trazos la vida de un hombre, empleado en una morgue, que se trastoca con la llegada de la dictadura a causa de la explosión de víctimas a raíz del golpe de Estado. Un ejemplo brillante de cómo van de la mano la tragedia particular y colectiva. La gran mayoría de películas centradas en la figura de Pinochet han profundizado sobre todo en la trágica represión que el general dictó para todos aquellos opositores del nuevo Gobierno que surgió del Golpe de Estado. Y cuando pensamos en las víctimas de la Dictadura, se hace inevitable pensar en la película de Costa-Gavras, Missing (Desaparecido). Jack Lemmon interpretaba a un padre coraje dispuesto a todo por encontrar a su hijo, perdido en el gran estupor del Chile de Pinochet.

- ¡Dios mío, le dieron tanto que no le soltarán hasta que esté en condiciones! No lo sé y no me importa. De veras no me importa, porque lo que está hecho, hecho está. Contacten con esa gente y díganle que me llevaré a mi hijo como esté. No armaré alboroto, no acudiré a la prensa. Redacté el documento que sea necesario y lo firmaré. Disculparé a cualquiera. Solo quiero llevarme a mi hijo. Es mi único hijo. 

             jack-lemmon-en-missing

Uno de los aspectos más interesantes y controvertidos del cineasta fue revelar la complicidad asesina de los Estados Unidos con el gobierno del dictador.  -No estamos implicados, nuestra postura es absolutamente neutral.

-Eso es mentira, señor embajador. ¿Cómo puede decirme eso cuando me consta que hay coroneles del ejército e ingenieros reunidos en Villa del Mar?

Mucho menos afortunada fue el retratro que hizo el danés Bille August en La casa de los espírtius, en cuyo tramo final nos mostraba la represión golpista. Por cierto, como sabrán, la novela homónima de la que parte la película es obra de Isabel Allende,  la hija del Presidente chileno derrocado por Pinochet.

 La película "No" trae las constantes políticas a un primer plano;  destacando eso sí, cóm el film del chileno Pablo Larraín y escrita por Pedro Peirano se convirtió en la primera cinta chilena candidata al Oscar a la "mejor película de extranjera".

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              No película chilena

                  

Un puente lejano: Un clásico del cine bélico con un reparto estelar.

Un puente lejano: Un clásico del cine bélico con un reparto estelar.

-El plan es muy sencillo, llegar en avión durante 500 km a 35000 hombres y lanzarlos tras las líneas enemigas. 

El veterano actor y cineasta británico Richard Attemborought nos trae un gran clásico del cine bélico de todos los tiempos, Un puente lejano (A Bridge Too Far). Refleja una de las operaciones militares más arriesgadas de la Segunda Guerra Mundial y quizás la mayor derrota aliada de todo el conflicto. Preveía enviar a 35.000 paracaidistas aerotrasportados, a 500 km de distancia desde las bases aliadas en el Reino Unido, y dejarlos caer 100 km detrás de las líneas enemigas, creado así una "alfombra de tropas aerotransportadas". La incursión fue conocida como  Operación Market Garden.

-Market es el elemento aéreo y Garden, el de tierra, o sea, nosotros. 

Después de la gran victoria de Normandía, el prestigio de Bernard Montgomery  permitió que se dirigiera un ambicioso propósito: a través del mayor despliegue aerotransportado de la historia, se tomarían una serie de puentes, en Holanda, claves para su conexión con el Rhin y la principalo zona industrial de Alemania (la región de Rhur). Un intento, una vez más, de acelerar el final de la guerra. La Segunda Guerra Mundial es el conflicto bélico más veces representado en el celuloide y son muchas las ocasiones en las que nos hemos encontrado con una operación militar dirigida con el objetivo de poner su punto final. La verdad es que la gran mayoría proceden de Hollywood y suelen tener un marcado maniqueísmo; en esta ocasión, los alemanes aparecen de forma neutra sin un apreciable signo ideológico. 

                   

Esta imagen refleja algunos de los grandes mandos aliados que participaron en la batalla. De izquierda a derecha, Dirk Bogarde Teniente General Frederick Browning, Edward Fox Teniente General Brian Horrocks, Sean Connery General de Brigada Roy Urquhart, Ryan O’Neal General de Brigada James M. Gavin y Gene Hackman General de Brigada  Stanislaw Sosabowski.

Lo más relevante de esta superproducción, a parte de la fidelidad a los hechos y sus escenarios, fue un reparto estelar que supuso la mayor presencia de estrellas en un rodaje: uno de los logros de sus productor Joseph E. Levine. Robert Refort, Michael Caine, Dirck Bogarde, Sean Connery, James Caan o Ryan O´Neill son solos algunos de los actores que forman parte del reparto, a los que habría que sumar los alemanes que interpretaban a los grandes mariscales del Tercer Reich, en este conflicto, como Hardy Kruger o Maximilam Schell (SS-Obergruppenführer Wilhelm Bittrich), quien refleja las profundas inquietudes del ejército alemán en este episodio de la guerra. 

-La fuerza aérea es mínima.

-¿Municiones?

-También son mínimas.

-¿Tanques, tropas, refuerzos? ¿Moral?...No existe. 

Si hubo inquietud entre los alemanes, también habría dudas entre los aliados. Las principales voces de disención lo representaron el General de Brigada James M. Gavin, de la 82ª División Aerotransportada (Ryan O’Neal), preocupado por tener que saltar a la luz del día, y el General polaco Stanislaw Sosabowski (Gene Hackman) que  estalla, expresando sus dudas sobre el plan. Al final la operación no tuvo los resultados esperados y supuso un saldo humano, entre los aliados, superior incluso al desembarco de Normandía. La batalla más cruenta se produjo en Arnhem, punto de alto valor estratégico.

- Siempre creí que intentábamos tomar un puente demasiado lejano.

                A Bridge Too Far

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Psicosis: Claves de un clásico del maestro del suspense.

Psicosis: Claves de un clásico del maestro del suspense.

La película más aterradora de su filmografía está adaptada de  una novela de Robert Bloch al guión, por Joseph Stephano, pero también con algunas pinceladas de un suceso real, del primer gran asesino en serie de los EEUU, Ed Gein, que inspiró a esta y otras muchas películas. El personaje de Buffallo Bill, El silencio de los corderos (Jonathan Demme) o el violento matarife de La matanza de Texas, recuerdan a este psicópata. Un thriller rodado con muy bajo presupuesto, en la que utiliza excepcionalmente a dos rubias protagonistas, aunque una de ellas sufriera la famosa escena de la ducha. No recuerdo muchas películas en donde el actor principal muriese antes de tiempo. Por ejemplo, en 55 días en Pekín, filme que fue rodado en España, Ava Gadner moría  a los cuarenta primeros minutos. No era por exigencia dle guión, sino porque su director, Nicolas Ray, estaba hardo de la actriz que llegaba todas las mañanas borracha de las juergas nocturnas madrileñas. 

Principios seguidos por el director.

Psicosis es un resumen de los principios seguidos por el director, el "cine según Hitchcock", como recuerda la famosa entrevista que mantuvo con el también cineasta François Truffaut. Al principio de la cineta es cais un ritual solemne que el espectador divise al director en los camos que hace en sus películas, aquí en concreto se pasea por la calle junto al despacho de Janet Leigh. Aparece incluso su hija, que había trabajado en Extraños en un tren. Esta es una de las ideas fundamentales de su cine, se preocupa mucho por los detalles, que al seguir con la cámara al ojo del espectador, este se convierte en una parte del proceso creativo de la película. Vemos por ejemplo, como en Sabotaje, nos quiere destacar el paquete-bomba que lleva un niño en le autobús, cambiando de plano cada vez que lo enfocaba la cámara para que resaltase el suspense de su contenido, efecto que no se lograría si empleaba un mismo plano. Esto está relacionado con una invención suya, el McGuffin, un recurso del director para engañar al espectador.

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El McGuffin de la película sería el dinero, el detalle que Hitchcock empleó para que el espectador se confundiera con la historia.

También es interesante cómo los edificios de la ciudad de Phoenix parecen auténicos escenarios de cartón piedra y no reales construcciones, algo que había empleado en la anterior La ventana indiscreta. Y otra cosa, deudora de este film es el carácter mirón del personaje de Anthony Perkins: del voauer perfecto (James Stewart) pasa al mirón por excelencia, recreando una de las obsesiones del propio director. En una entrevista para la televisión, confesó que le gustaba mirar a las mujeres, lo mismo que hace Norman Bates (Anthony Perkins) con Marion Crane (Janet Leigh) desde su despacho.

 La escena de la ducha.

Empleó la dolly, para colocar la cámara en la barandilla, en la escena de la muerte del inspector Arbogas. Este mismo artilugio lo había utilizado en la película Vértigo, para reflejar la sensación de miedo del personaje de James Stewart en el campanario. En Con la muerte en los talones, cuando empiezan a atacar a Cary Grant, utiliza planos que se conocen como "cerrados", para destacar la violencia, mientras que en la escena cumbre  de su filmografía, la muerte de la chica en la ducha, utiliza planos distintos para cada cuchillada, entre los acordes de la famosa música de Bernard Herrmann. Una banda sonora a base de chirriar violines, violas y violonchelos.

                                     

Esta siguió la planificación ideada por Saul Bass, autor de los títulos de créditos y cárteles de Hitchcock y otros, aunque el cineasta se opuso a darle la autoría de esta emblemática escena. En una filmografía con unos instantes mificados (la secuencia del avión en el maizal persiguiendo a Cary Grant, en Con la muerte en los talones, o la del monte Rushmore, en la misma película; o cualquiera con los pájaros en Birds), esta secuencia es de las más recordadas del director, y sin embargo un ejemplo como el cine -en general- y Hitchcock -en particular- emplea numerosos trucos para llevarla a cabo. La genialidad del cineasta para enforcar una ducha sin que se mojase la cámara se consiguió colocando la alcachofa en el suelo, dirigiendo el chorro del agua de abajo a arriba. La sangre sería otra particularidad de esta escena, que llegaría hasta el fundido del desague. En este detalle podemos encontrar la explicación del rodaje en blanco y negro, porque empleó como sustituto de la sangre, chocolate. 

La escena "transcurre en 3 minutos e incluye 50 planos." La mayoría de las tomas son acercamientos, excepto en los planos que se dirigen a la ducha justo antes y después del asesinato. La combinación de las tomas cercanas con su duración corta hacen que la secuencia resulte más subjetiva que la que hubiese sido si las imágenes fuesen presentadas solas o en un ángulo más amplio, lo cual las hace un ejemplo de la técnica a la que Hitchcock describió como "transferir la amenaza desde la pantalla a la mente del público". 

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El "primer thriller psicoanalítico".

-No, he dicho que no. No me gusta que traigas muchachas extrañas a casa, y menos aun que cenéis en la intimidad como dos enamorados al estilo estúpido de la gente romántica.

 -Madre, por favor... 

                       


De esta forma fue definida la película por el documental "The Pervertido’s Guide to Cinema", (Slavoj Zizek) en el que  señala que la mansión de Bates tiene tres pisos, en paralelo a los tres niveles que el psicoanálisis atribuye a la mente humana: la primera planta sería el SuperEgo, Bates, donde la madre le da vida; la planta baja es Ego, donde funciona como un ser humano aparentemente normal y, por último, el sótano, interpreta el cadáver de su madre como un símbolo de la profunda relación que establece entre el psicoanálisis y SuperEgo. Si en los aspectos técnicos, Hitchcock recurrió a trucos y efectos que le resultaban familiares, en el aspecto narrativo, el cineasta británico despliega todo un arsenal que volverá a aparecer en toda su filmografía. El protagonismo de actrices rubias, por supuesto, pero también encontramos similitudes con el personaje de Norman Bates. La principal es la relación que mantienen este tipo de personajes con sus madres, todas ellas, obsesivas. De hecho, Psicosis sería el ejemplo en donde el rol de madre obsesivo alcanza su novena potencia.

 -Es muy triste que una madre tenga que declarar contra su propio hijo. Pero no podía permitir que creyeran que el crimen lo cometí yo. 

 

Coriolanus: Shakespeare en tiempos modernos.

Coriolanus: Shakespeare en tiempos modernos.

Uno de los dramas más oscuros y menos conocidos de Shakespeare ha sido llevado a la gran pantalla por Ralph Fiennes, con la curiosidad de estrenarse en las salas, al mismo tiempo que en la televisión de pago e Internet. Este debut como director nos conduce a una pesimista reflexión sobre el poder político a cargo del dramaturgo inglés, que traslada su argumento a la época reciente, aunque conservando parte del texto original. Eso sí, reservándose el papel principal, el general expulsado de Roma por sus tendencias autoritarias y que se une con el enemigo para reconquistar el poder perdido. 

Todo el mundo conoce Otelo, Hamlet, El mercader de Venecia, Julio César y sobre todo Romeo y Julieta; pero existen un puñado de obras maestras que son menos conocidas entre el gran público. Una de ellas es esta Corielanus, otra podría ser Tito Andrónico, con la que mantiene algunas similitudes. Ambas nos dirigen por la senda del poder tomando como escenario la Antigua Roma, ambas cuentan con un general romano como principales protagonistas y las dos han servido para unas películas con destacados actores como ganchos. Corielanus con Ralph Fiennes y Vanesa Redgrave, mientras que Titus (Julie Taymor) con Anthony Hopkings y Jessica Lange. Como sucedía con Titus, la apuesta de Fiennes traslada la acción al presente (aunque es verdad que la película de Taymor entrelazaba la antigua Roma con la moderna), contextualizando el conflicto -aunque de un modo difuso- en los Balcanes.

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Eso es lo que hace grande a Shakespeare, que se puedan recrear sus textos o su esencia en cualquier época y lugar, sin convertir sus ideas en un collage surrealista. A Shakespeare lo encontramos en el Japón de los samuráis de Kurosawa (Trono de sangre), el universo de las artes marciales (Romeo debe morir) o  la Guerra de los Balcanes, con Coriolanus. Shakespeare trasmite un mensaje universal. Vanesa Redgrave explicaba el enorme interés que suscitan sus obras, situándose como el literato más adaptado de la historia: "Shakespeare es accesible en todo momento, trata temas morales y domésticos, miedos,  logros y política. Escribe de la gente corriente como de las maquinaciones de los que ostentan el poder".

Redgrave interpreta en la película uno de los papeles centrales para comprender la historia, la madre del personaje principal; acompañada de un reparto solvente en el que destacamos a Gerlard Butler, en un papel secundario. E incluso, nos encontramos con una de las actrices de la temporada, Jessica Chastain.

 -¡Yo soy Caius Marcio Coriolano!

                           Ralph Fiennes

La verdad es que Ralph Fiennes lo borda, porque ya conocía al personaje al interpretarlo en el teatro. El actor británico es uno de los grandes nombres de la interpretación, con un puñado de destacados personajes como el comandante nazi Amon Göth en la película La lista de Schindler, dirigida por Steven Spielberg; el villano Lord Voldemort en la saga de Harry Potter, o el cartógrafo húngaro, el conde László Almásy en El paciente inglés (Anthony Minghella). En Coriolanus, nos cuenta la historia de un general romano Caius Marcio, personaje real de la Roma del siglo V a. C,  para describirnos los temas clásicos del dramaturgo inglés: la hipocresia de la política, la ira y la venganza. Caius Marcio es un soldado brutal que desprecia la falsedad de la política e incluso al pueblo. Fiennes lo retrata como el Aquiles de Troya (Wolfgam Petersem), con derroche de tetosterona y despreciando lo "innoble" en todo aquello que defiende. Al final la película resulta algo irregular, aunque haya que reconocer que el asalto a la dirección se haga con un merecido respeto. 

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El paciente inglés: Una amarga melodía cargada de épica y romance.

El paciente inglés: Una amarga melodía cargada de épica y romance.

Anthony Minghella, con una formación en el teatro y en la televisión británicos, y con tan sólo dos películas en su haber, dirigió una obra maestra indiscutible, una película llena de épica, drama, romance y momentos maravillosos. Hablamos de El paciente inglés, un film que no sólo alcanzó una calidad extraordinaria sino que además se alzó con el Oscar a la mejor película y con otras tantas estatuillas más. 

La novela original de Michael Ondaatje cautivó hasta tal punto a Minghella, que no pudo evitar, según sus propias palabras, hacer una película con esa historia. La película está ambientada en la Segunda Guerra Mundial y cuenta la historia de un hombre gravemente quemado, conocido como «el paciente inglés», y atendido por Hana (Juliette Binoche). El paciente es reacio a revelar información personal, y sólo a través de una serie de flashbacks se puede tener acceso a su pasado. Poco a poco se revela que él es en realidad un cartógrafo húngaro, el conde László Almásy (Ralph Fiennes), que estaba haciendo un mapa del desierto del Sáhara, y cuyo romance con una mujer casada, Katharine Clifton (Kristin Scott Thomas), le llevó a su situación actual. Otros personajes secundarios  con gran entidad, son David Caravaggio (Willem Dafoe),  Kaip (Naveen Andrews), un zapador indio de origen sij en el ejército británico, y  Geoffrey (Colin Firth), marido de Katherine.

                                 

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 Una de las escenas más destacadas sitúa a Hana iluminando mediante una antorcha unos frescos de una capilla. Aparece un ciclo de frescos de  La leyenda de la cruz, pintados por Piero de la Francesca.

  -Amor mío, te sigo esperando, cuanto dura un día en la oscuridad. El fuego se ha apagado. Empiezo a sentir un frío espantoso, debería arrastrarme al exterior pero entonces me abrasaría el Sol. Temo malgastar la luz mirando las pinturas y escribiendo estas palabras. Morimos, morimos, morimos ricos en amantes y tribus y sabores que degustamos en cuerpos en los que nos sumergimos como si nadáramos en un río, miedos en los que nos escondimos como esta triste gruta. Quiero todas esas marcas en mi cuerpo, nosotros somos los países auténticos, no las fronteras trazadas en los mapas con nombres de hombres poderosos. Se que vendrás y me llevarás al palacio de los vientos. Sólo eso he deseado, recorrer un lugar como ese contigo, con nuestros amigos, una tierra sin mapas. La lámpara se ha apagado... y estoy escribiendo a oscuras...

 Puede ser "El paciente inglés" una del las películas con más flash-backs en muchos años.  Los viajes al pasado, al interior de la memoria de un moribundo, el conde Laszlo de Almásy. Así descurren las distintas tramas, el romance entre Kaip y Hanna o el más intenso, el amor pretérito entre el personaje de Fiennes con el de Kristin Scott Thomas, que acaba de forma drámatica. Una curiosidad: el personaje que interpreta Ralph Fiennes, existió realmente -aunque se tomasen algunas licencias-, por ejemplo, el verdadero conde Laszlo sobrevivió a la guerra. Otra curiosidad es el llamado "Bosforo de Almasy". En realidad, ese hueco que se forma bajo el cuello de la mujer se conoce con el prosaico nombre de "escotadura supraesternal", pero en la película cobra un valor lírico y romático. 

-¡Quiero este lugar, me encanta este hueco!

-¿Cómo se llamará? 

- Pediré al rey que esta maravilla se llame el Bósforo de Almasy.

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Y para los más cinéfilos, ese punto anatómico de la mujer también fue abordado en una película de Alfred Hitchcock, "Sospecha" . En la escena, Johnnie Aysgarth (Cary Grant) , un tipo mujeriego y caradura, coquetea con Lina McLaidlaw (Joanne Fontaine). McLaidlaw intenta abrocharse el último botón de la camisa, pero Johnnie se lo prohíbe, es un pecado tapar ese hoyuelo que queda entre el final del esternón y el principio del cuello.… 

 Montaje y música. 

Ví por primera vez esta película hace muchos años, casi quince, y desde entonces me seducen  sus imágenes y su meliodiosa música. El montaje es a cargo del oscarizado Walter Murch, uno de los más grandes editores de su generación, junto con Thelma Schoonmaker, montadora habitual de Martin Scorsese. Su estilo como montador aparece recogido en diversos libros, entre ellos, destacaría "En el momento del parpadeo" (Ocho y medio) y "El arte del montaje" (Plot ediciones), interesante por que se trata de unas entrevistas con el escritor Ondaatje. "Montar es como una especie de baile que implica el movimiento del cuerpo, en consonancia con el ritmo de la película", decía el propio Murch. Con El paciente inglés fue doblemente oscarizado, por el mejor montaje y por el mejor diseño de sonido. 

                           

En la nota musical , el reto del compositor libanés Gabriel Yared era condensar en la banda sonora no sólo los  años de la guerra, sino reflejar también la identidad cultural de todos los personajes que aparecen  e incluso de los países que visitan, desde Italia al Norte de África. Así, nos encontramos ante una composición en la que abundan las melodías húngaras, cantadas por Márta Sébestyén (Szelrelem Szerelem), o algunos solos de piano como el aria de las "Variaciones Goldberg" de J.S.Bach. También encontramos una selección de melodías y canciones de la época,  el "Cheek to cheek", de Fred Astaire o el "One o’clock jump" de Benny Goodman. Sin embargo, lo que más me conmueve es el tema  I’ll be Back.

-Las traiciones durante la guerra resultan infantiles comparadas con nuestras traiciones en tiempos de paz. Los amantes, primero se muestran nerviosos y tiernos hasta que lo hacen todo añicos, porque el corazón es un órgano de fuego.

                                  

Nota final. 

Al final estamos ante la historia de una derrota: la del romance y la de su vida. Su final nos hiere hasta lo más profundo, pero ritmo, su lírica musicalidad nos libera. El éxito de esta película permitió que en su siguiente trabajo, el romance, la historia y la guerra volviesen a cruzarse en lo que prometía ser otro film memorable.  A las similitudes temáticas añadió Minghella la colaboración de prácticamente todo el equipo de esta aventura –la fotografía de John Seale, el montaje de Walter Murch o la sensibilidad musical de Gabriel Yared– o el diseño de producción de un valor seguro como Dante Ferretti. La película, Cold Mountaint, no pudo alcanzar la gran cima de English Patient, toda una obra maestra. 

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El cuarteto: Dustin Hoffman se estrena con una comedia british.

El cuarteto: Dustin Hoffman se estrena con una comedia british.

-¿Quiere que cantemos?

-El cuarteto de Rigoletto.

 Dos célebres actores, Dustin Hoffman y Ralph Fiennes se estrenan en la dirección con dos peliculas muy diferentes. Si Fiennes traslada a Shakespeare al conflicto de los Balcanes, en Coriolanus, Hoffman ha trabajado un libreto de Ronald Harwood, autor del guión de El pianista, un dato que nos permite comprender mejor las dos películas.  En ambos filmes, la música tiene un componente fundamental en sus personajes. Polanski ejecutaba en El pianista un triste adaggio de piano, la partitura de El cuarteto permite interpretar un divertido sherzo

-No sé ni lo que estabas cantando, ¿empezamos de nuevo, por favor?

La película parte de una reflexión inicial: ¿Conservamos el genio del artista, pese a la vejez? El nuevo realizador parece querer decirnos que hay que saber hacerse mayor, y aceptar las limitaciones propias de la edad, pero sin convertirse en muertos en vida. Tratándose de una película sobre la vejez, Hoffman propone el divertimento en El cuarteto, reposando la historia en un  gran reparto  que interpreta con solvencia y credibilidad sus personajes, apoyados en un buen guión y en la dirección de Hoffman. El veterano actor confesaba la fórmula del éxito: "Creo que como director debes permitir que el actor se equivoque y la mayoría de los directores no lo hacen. Creo que los grandes actores se dirigen así mismo". 

-Me enamoré de ti, oyéndote cantar eso. 

-Por eso no volví a cantar. 

Como mencionamos anteriormente, el reparto es excepcional, están magníficos Maggie Smith y Tom Courtenay, un matrimonio que se rompe; un travieso y mujeriego Bill Connolly, y una ingenua Pauline Collins. Una comedia con cuatro personajes, antiguos compañeros de un antiguo grupo  coral, tres de los cuales pasan sus últimos años en una residencia para músicos retirados, la casa Beecham. Pero la llegada a la casa de la última componente de este cuarteto revolucionará la tranquila convivencia. Años atrás su insoportable lirismo rompió la amistad de sus compañeros y por el camino se quedó un matrimonio con uno de ellos.

-No quiero cantar con Reggie, otra vez.

-Estuvieron casados, pero no acabaron nada mal. Eran dos personas diferentes, entonces. 

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                Dustin Hoffman