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Hollywood conoce a Hollywood

Centenario de la United Artist. Fabricando los sueños del Séptimo Arte.

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Cuatro grandes nombres de un Hollywood, aún embrionario, decidieron crear su propia empresa para defender sus intereses y así ejercer el control creativo: Douglas Fairbacks, Charles Chaplin, Mary Pickford y D. W. Griffith. La productora se llamaría United Artist.

En febrero de 1919, en Hollywood no habría límites para los sueños. Durante la guerra, no sólo el cine no se había detenido sino que surgieron unos optimistas y aventureros que empezaron a hacer planes para el futuro, en la soleada California. En esa época, la distribución y exhibición era un completo caos más allá de los exhibidores locales. No había garantías ni se hacían ningún tipo de controles y los directores (como sucedió a Griffith, con “El nacimiento de una nación”) debían arriesgarse al desastre. Por poner este ejemplo, la película habría costado diez mil dólares y logró recaudar 2 millones. Fue tal éxito que un hombre llamado Louis B. Meyer compró los derechos para exhibirla en Inglaterra y con sus beneficios ayudó a crear la MGM. El problema es que no había control de estos beneficios y los artistas que participaban en esas películas no veían un dólar.

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Una gran parte de la crema de Hollywood se unió para crear la United Artist. De esta forma, producirían sus puelículas, se preocuparían del markenting y controlarían los beneficios. En ninguna cabeza humana cabría esa posibilidad, producir las películas y administrarlas al mismo tiempo. En esa época,  encontraron críticas de todas partes, sobre todo de los grandes magnates del cine que verían peligrar su privilegiado coto privado. Y la verdad es que la United Artist tuvo una existencia difícil y unos comienzos muy precarios. Sin embargo, se hicieron fantásticas películas, las de Chaplin y las de Douglas Fairbacks y Mary Pickford. Griffith se vio obligado a renunciar a causa de una crisis en la empresa que fue frenada con la llegada de Joseph Schenck, quien empleó en la productora a un tal Buster Keaton, su cuñado.  Se empezaron a producir películas como “El maquinista de la General” y fueron incorporándose estrellas, como Gloria Swanson o se fueron asociando a productores independientes como Samuel Goldwyn. Fueron los años dorados.

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En los años 30, pasaron los mejores momentos de Fairbaks y Keaton, pero la UnitedArtist siguió floreciendo gracias al impulso de Chaplin (Tiempos modernos y Luces de la ciudad). Hubo nuevas incorporaciones como Alexander Korda y Howard Hawks, y se lograron algunos acuerdos con David O Selznick. Llegó 1939 y la UnitedArtist esperaba ganar su primer Oscar con “Lo que el viento se llevó”, pero Selznick la había vendido a la MGM, gracias a unas gestiones de Carl Gable, y el romance entre Selznick y la United Artist se fue desvaneciendo. Por fortuna, justo al año siguiente, Selznick volvió a ganar el Oscar con “Rebeca”, esta vez sí asociado con la United Artist. El primer Oscar a Mejor Película que recibió un film suyo, producido de forma independiente, sería “Marty” (Delbert Mann, 1955).

En los años cuarenta, sufrió bastante a causa de la guerra y la posguerra, pero se mantuvo como una productora independiente. En los años 50, siguieron compitiendo con los grandes estudios pero la independencia fue una marca bien apreciada en Hollywood y sus películas iban recibiendo elogios y Oscars. Hasta que llegó a la década de los 60 y lograron un gran éxito comercial gracias a la franquicia de James Bond, una serie de películas que no tuvieron rival tanto en longevidad como en rentabilidad.

En los años 70, se filmaron películas como “Rocky”, “Annie Hall” o “Alguien voló sobre el nido del cuco” e incluso las de Francis Ford Coppola (Apocalysis Now) y Martin Scorsese (Toro salvaje). Pero la crisis del viejo Hollywood estaba a punto de estallar y la United Artist se lanzó a un arriesgado proyecto que fue todo un desastre y que supuso el fin de una era: “Las puertas del cielo”, desde entonces, la productora pasaría de un propietario a otro, en el resto de su historia, hasta que de forma definitiva fuera comprada por la MGM. Inicialmente presupuestada en 6 M$, la película de Michael Cimino terminó costando cinco veces más y apenas recaudó 3 millones de dólares en taquilla.

En los años 90 fue cuando una MGM en caída libre, compra la productora aunque tuvo que asociarse con la empresa dirigida por Tom Cruise y su socia comercial, Pamela Wagner, para mantenerse a flote.  No será la major más grande, ni con más Oscars, pero entre sus grandes éxitos están “Hign Noon” o “La reina de África”, “Con faldas y a lo loco”, “Novecento” o “Scarface”. En su nómina pasaron nombres tan célebres como Chaplin, John Ford, John Huston, Howard Hawks, Buster Keaton o Billy Wilder.

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Lo mejor de 2018.

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Llega el final del camino de 2018 y es hora de hacer balance de lo mejor que hemos visto, -desde nuestra perspectiva, por supuesto- en los cines, este año.

Lo último de Paul Schraeder, “El reverendo” es uno de esos films de los que tomar buena nota. Volvemos a los terrenos ya explorados por el director, el de sus particulares antihéroes como el de “American Gigollo” o “Taxi Driver” (como guionista), sin olvidarnos, por su puesto de su adorado Robert Bresson.

Schraeder nos traslada a Nueva York y sitúa en el centro de la historia, un actor monumental: EthanHawke quien encarna con gran firmeza al personaje central. Un sacerdote serio y disciplinado, procedente de una familia de fuertes convicciones militares. El cineasta hace destacar una composición de la imagen, sin adornos, a los que entrelaza unos primeros planos y a su vez, una voz en off. Fotografiada por Alexander Dynan y diseñada por Grace Yun, en una paleta tan contenida, formalmente el film –quizás la absoluta obra maestra de Schraeder- parece  un mueble Shaker (austero y de bellas líneas), con unos sutiles diseños de sonido y un guión, que permiten que el foco de la película recaiga en sus interpretaciones.

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“The Florida Proyect” nos llevaba al alegre corazón de un niño, protagonista de esta historia de Sean Baker sobre las personas que vivían al margen de la imagen de postal turística de Florida. En esta ocasión, el cineasta enfocaba con su cámara a los desheredados del “más feliz lugar del mundo”, Disneylandia, adoptando un estilo visual más coreografiado y evocando la sensación de asombro infantil, rodado tanto en formato digital como en 35 mm., y con Alexis Zabe como director de fotografía.

Cada año se habla de la mejor ópera prima, lo que parece recaer esta temporada en la belga “Girl” de Lukas Dhont, no por casualidad el representante de Bélgica en los Premios Oscar, tras un largo trasiego por los mejores festivales (San Sebastián, Cannes). Un film sobre la danza y la transexualidad que nos trae a uno de los mejores actores del año, VictorPolster, un debutante de 15 años que interpreta a Lara y que te hace olvidar que se trata de un actor. El espectador sigue el día a día del personaje, descubriéndole en los momentos más íntimos o en aquellos, en la escuela de danza, todo ello acompañado de los problemas de la edad de una chica de 15 años, es decir, de la adolescencia.

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En esta lista se han colado dos títulos asiáticos: Una es la monumental “Burning”, película surcoreana que convertía un relato de Murakami en una auténtica lección de cine. Lee Chand-dong, quien habría debutado con “Poesía” (2010) logra que cada plano y cada escena –completamente milimetrados- den un mayor impulso dramático a esta historia sobre un joven mensajero que un  día conoce a una chica de su vecindario y sobre todo a un joven misterioso que ella conoció durante un viaje a África. 

El otro film que hemos querido destacar viene de Japón; lo último de HirokazuKore-eda, quien engrandó su leyenda tras alzarse con la Palma de Oro en Cannes, por “Un asunto de familia”. Estableciéndose en el drama familiar  que lleva décadas revisando, nos traslada a un retrato de la clase media japonesa, junto a un reflejo nostálgico de su propio cine, a ese conmovedor clásico que fue “Afterlife”.

La familia de esta película tiene una particular forma de salir adelante, a través de pequeños robos y de estafas de poco calado, hasta que una cría se interpone en su camino. Quizás lo más llamativo sea el despedirse de una de sus actrices fetiches, la inmensa KirinKiki quien interpretaba a la abuela de esta familia japonesa.

También ha habido terror con mayúsculas en este 2018. Ari Aster debutaba en el largometraje con una magnífica Toni Collette, una genuina y aterradora película que nos traslada a un nuevo tipo de horror: “Hereditary”. Annie Graham es una artista que lidia con la muerte de su madre, una persona muy reservada que practicaba rituales privados, unos herméticos ritos que –escena tras escena- tendrán que soportar los miembros de aquella familia que guarda bajo llaves sus secretos más ocultos. Hay una violencia impactante (cuerpos mutilados y quemados) y comportamientos extraños, pero además, un daño  psicológico que van sufriendo los Graham. Pero lo realmente llamativo es que es una película de terror poco convencional, que presta mucha atención al mundo real, a la forma en que las personas sufren un trauma.

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Del terror a la animación, también de gran calidad, como “Isla de perros”, un retrato de la posmoderna japonesidad a través de un fantástico stop-motion. El último film de Anderson es un placer divertido, conmovedor y muy, muy perruno.Está claro que Wes Anderson es el gran fabulador de nuestros tiempos. Con imágenes impresionantes y un buen ojo para retratar el comportamiento canino, transpone el encanto de los niños “TheIncreibleJourney” con los paisajes posapocalípticos de Mad Max, a través del cine japonés de JasujiroOzu, Seijun Suzuki, AkiraKurosawa y sobre todo Hayao Miyazaki.

De Rusia, viene un film con mayúsculas: “Sin amor”. La ganadora del Premio del Jurado en Cannes y la representante a los Oscar, por Rusia, es la nueva película de AndreyZvyagintsev, quien se ha inspirado en “Secretos del matrimonio” de Ingmar Bergman para su último trabajo. Boris y Zhenya se odian mutuamente y su virulencia se derrama sobre su hijo de doce años, como la lava.  En este contexto, el crío toma la decisión de marcharse de casa cuando observa que es un estorbo para las expectativas personales de sus padres.Es una historia descarnada, con un cierto poso espiritual y una intensidad hipnótica que atrapa al espectador, de principio a fin. Una lección de cine donde unos padres en pleno divorcio, deberán unir sus fuerzas para encontrar a su hijo desaparecido.

Y terminamos con “Roma”. Inevitablemente debemos recuperar uno de los mejores films de los últimos años, aunque -paradójicamente- no se haya estrenado en cines sino a través de Netflix. El mexicano demostraba su inmensa capacidad cinematográfica con un retrato de su infancia a través de la mirada de una familia de una criada, Cleo, que reside en el barrio de Ciudad de México que toma el título de la película. Una pequeña maravilla rodada en blanco y negro, que pasará a la historia del cine con mayúsculas.

 

 

Las grandes decepciones de 2016.

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Esto es lo más flojo que hemos visto del panorama cinematográfico de este 2016. Es curioso que entre las películas más irregulares del año se sitúen algunas ambientadas en el mundo de los superhéroes; a lo mejor, empieza sobrar tanta testosterona superheroica desbocada.

Hay películas que están predestinadas a llevarse los palos de la crítica y “Warcraft: El origen” es una de ellas. Primero está el adaptar un videojuego, partiendo del hecho de que han sido pocas las adaptaciones que hayan resultado interesantes; y luego, otro aspecto que chirría es su director. Se trata de un proyecto alejado de lo que nos tenía acostumbrado tras dos películas muy personales encuadradas en la ciencia-ficción: Moon y Código fuente; hablamos de Duncan Jones.

El film arranca con unas hordas de orcos atravesando un portal que le conducen de sus reinos –un mundo terrible- al de los humanos, un vergel formado por pacíficos prados, que intentarán invadir. Se podría rastrear en la película de Duncan Jones, ideas de El señor de los anillos y de la serie televisiva Juegos de Trono: la música la compone Ramin Djawadi. Lo que sucede con Warcraft es el exceso de los CGI, un sistema que arranca de Avatar (James Cameron) pero que cada se encuentra más presente en el cine.

-Los habitantes de este planeta siempre hemos buscando un salvador.

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Hay pocas culturas como la americana que crean tanto en la redención, en la venganza y por qué no, en el superhéroe; normal que todos quieran sumarse a esta fiebre por el traje de licra y la gomina superheroica. “Batman vs Superman: el origen de la justicia” (Zack Snyder) es un sofrito de personajes ya muy vistos que en plan crossower, sólo tiene una razón de ser: hacer caja de los réditos de uno y otro. Lex Luther está dispuesto a vengarse de su archienemigo Superman, enfrentándolo a otro superhéroe de cómic, el hombre murciélago, Batman. Pero si este destilado remix no parecía suficiente, llega también la versión femenina de los superhéroes, Wonder –woman para confirmar que ellas también son guerreras. Todo esto, además, con el característico estilo hiperacelerado y croma de su director.

-El mundo necesita a los X-Men.

A lo mejor, el mundo, el cine no. En un momento de la película, se dice justo esto mismo que podría sonar a frase publicitaria, pero lo cierto es que esta sexta entrega de los X-Men, es un auténtico bodrio. Bryan Singer vuelve  con una entrega con vocación de definitiva, un blockbuster con un perfume de los años 90 que reflexiona sobre el mainstream que prevalece en el Hollywood actual.

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Por lo visto, en Egipto surgió un Dios primordial llamado Apocalipsis que, después del largo sueño de los tiempos, despierta en los años 80. Aparece en un momento en el que sucede todo aquello que tememos a nuestro alrededor: la lucha de clases o las guerras, por lo que ese mal primigenio parecerá estar en su salsa. Pero él no vendrá solo, le acompañan uno de los grandes referentes de la cultura, auténtica representación del Mal: los cuatro jinetes del Apocalipsis. Sin embargo, la película pone un mayor interés en la relación entre los propio X-Men, más allá del caos que alude al título.  

Otro de los grandes descalabros de la temporada nos devuelve a aquellos años 80, que bien visto ya no nos resulta ser la peor década para el cine. "Tortugas ninjas 2: Fuera de las sombras" (David Green) se presentó como una secuela, que superaba a la original -que no habría dejado a nadie satisfecho-, aunque tampoco sea una maravilla. Lo mejor, sin duda, esos dos malos:  Bebop y Rocksteady.

                      Bebop Rocksteady Ninja Turtles Fuera De Las Sombras

Terminamos con cine palomitero, de evasión veraniega: la secuela de Independence Day, aquella invasión extraterrestre que Roland Emmerich concibió allá por 1996, para mayor gloria de Will Smith. Inverosimilitud con mensaje político y algunas sorpresas como la destrucción de la Casa Blanca. Algo fallaba en la secuela - Independence Day: Contraataque- cuando su principal estrella había desertado del reparto.  Veinte años después, los extraterrestres vuelven a atacar la Tierra y aunque la humanidad parece haber tomado nota –con un complejo sistema defensivo global, adaptado de las naves- el Apocalipsis parece ser inevitable, por lo que se requerirá de inventiva de y la unión, para repeler la nueva invasión.

Muchos que hayan llegado a esta altura del artículo, pensará que la elección de estas películas no resulta gratuita. Seguramente habrá otro tipo de cine que haya decepcionado este año 2016, me vendrían algunos otros títulos a la mente, pero esta ha sido nuestra selección de lo más flojito de la temporada. ¿Estáis de acuerdo con nosotros? ¿Habríais destacado otras películas?

Lo más destacado del cine de 2016

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Hay películas que nos han llamado más la atención que otras, grandes sorpresas y aciertos, pero también inmensas decepciones, aunque sea difícil de situar en el mismo espectro de títulos, los dramas o el cine de género, la comedia o el género bélico. He aquí mi personal top eight de aquellos films que me ha hecho emocionar en pantalla.

“La habitación” (Room,  Lenny Abrahamson), una sórdida película capaz de crear un microcosmos en torno a una madre y su hijo, protagonistas de una historia que a muchos les recordarán al suceso del llamado “monstruo de Amstetten”, el austriaco que violó a su hija y la mantuvo cautiva durante más de veinte años.

Al frente de la película, el irlandés Lenny Abrahamson que sorprendió hace dos años con esa maravillosa rareza que fue “Frank” (2014), film -inédito en salas- que se atrevía a colocar a Michael Fassbender bajo una gigante máscara de cartón.

-¿Qué hemos venido a hacer en este país? Cuando dejamos atrás nuestras familias, nuestro país, las casas de nuestros padres.

“La bruja”, un film de terror, alejado de los convencionalismos, una ópera prima de Robert Eggers, de tendencia indie. Con una producción modesta, apenas rodada en 25 días, el debutante nos  sitúa en Nueva Inglaterra, en el año 1630. Un granjero y su familia se deciden instalar en un inhóspito bosque; de forma que nos adentramos en el mundo colonial del siglo XVII, en cuyo contexto existiría todo un brote de puritanismo que marcará sus vidas y sus miedos. Lo que permite al diretor echar mano de un folclore propio del tiempo histórico que describe en imágenes, junto con el aspecto sexual que estos personajes despiertan en los espectadores, con una primera referencia: las brujas de Salem.

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Este año, también nos ha gustado mucho “Carol”,  una propuesta que obliga a plantear, por enésima vez, esa impertinencia por poner cotos a las pasiones, vengan de donde vengan. Reconozcámoslo, la transexualidad y el lesbianismo siguen siendo los dos grandes tabúes de nuestra sociedad occidental –por supuestos temas prohibidos en otras culturas-. Desde estos parámetros, nos encontramos con una esta  película valiente, surgida de la adaptación –atípica- de un relato de Patricia Highmish. Lo dirige Todd Haynes, especializado en dramas con conflictos amorosos, de fondo, y está protagonizada por Cate Blanchett y Roonie Mara. “Carol” es un film que se sostiene en las miradas y en los pequeños gestos, en una turbación que apenas necesita de grandes aspavientos.

Una película española se cuela en lo más destacado de 2016, “Tarde para la ira”, la mejor ópera prima de los últimos años, parece haberse reservado a un actor con gran carisma y proyección en nuestra cinematografía como es Raúl Arévalo. Y lo hace desde terrenos que conoce sobradamente desde la interpretación, de ahí que parezca moverse como pez en el agua, tras las cámaras. Un hombre (Eduard Fernández), recién salido de la cárcel, descubrirá que le aún le queda una cuenta pendiente, esta vez con el personaje que interpreta Antonio de la Torre.

“Historia de una pasión”, es un biopic de la poetisa norteamericana Emily Dickinson, alejado de los cánones comerciales, a cargo del singular cineasta británico: Terence Davies. Davies es un auténtico espíritu libre dentro de tanta modernidad impostada, capaz de sacar lo mejor de una actriz como Cintia Nixon, en un personaje alejado del interpretado en “Sexo en Nueva York”. También de Davies son sus impresionantes transiciones temporales, como los que aparecen en esta película.

-Mientras los demás arrebatan vidas, yo las salvaré, será mi forma de servir en esta guerra.

Encontramos un film bélico entre lo mejor de este año, el regreso de un gran cineasta-actor como Mel Gibson, con “Hasta el último hombre”. Estamos ante un peculiar héroe, un soldado que en vez de matar, ejerce su servicio a la patria, salvando vidas. Basada en una historia real, su protagonista se enfrentó al ejército de los Estados Unido, superó un consejo de guerra y, finalmente, consiguió que le enviaran a la sangrienta batalla de Okinawa, donde realizó una actuación ejemplar y heroica, sin usar un arma en ningún momento, y que luego sería recordada por todos, gracias a las 75 vidas que logró salvar. A causa de ello, sería el primer objetor de conciencia en ser laureado con la Medalla de Honor del Congreso.

                    

Una de ciencia-ficción: “La llegada” (Dennis Villenueve). Un impactante thriller, sobre un primer contacto con los extraterrestres. Un film con voluntad intelectual, aunque envuelta en los fastos de un Hollywood más o menos espectacular, en donde destacaría las atmósferas visuales y sonoras características del director. Se trata de un envoltorio muy atractivo para una premisa de lo más sencilla, con una espectacular interpretación de Amy Adams.

Cerramos nuestra valoración personal de lo mejor de este año 2016 con  “Elle”, una fascinante provocación en el regreso de Paul Verhoeven. Le echábamos de menos y la verdad es que nos ha maravillado esa historia, avalada por la Palma de Oro en el festival de Cannes, sobre la violación de una mujer, interpretada magistralmente por la francesa Isabelle Hupper.

-Tengo algo que contaros, quería decíroslo de una forma natural, pero no he encontrado la manera. Me han agredido, en mi casa, me parece que me han violado.

Lo curioso de la película será la actitud del personaje protagonista quién, tras la violación, no actuará como Hollywood suele mostrarnos este tipo de argumentos, de hecho, podría tratarse incluso de una “comedia” sobre el abuso sexual. En vez de la esperada venganza, Paul Verhoeven propone una historia en donde su personaje de Michelle, sentirá una atracción por el violador.

The red drum getaway, el arte de los mash-up.

The red drum getaway, el arte de los mash-up.

"Jimmy empezaba un hermoso día hasta que se encontró con Jack y las cosas se pusieron raras." En The red drum getaway, el parisino Gump Studio ha insertado perfectamente a personajes de Kubrick en películas de Alfred Hitchcock como a James Steward en las de Kubrick encabezando esta breve historia,  el propio Stewart y Jack Torrance (Jack Nicholson). El resultado es un sugerente corto de terror surrealista.

Todo amante del cine adora este tipo de juegos cinematográficos (los mash-up) en donde la creatividad permite unir varios mundos cinéfilos en uno solo, con el fin de reconocer las múltiples referencias que allí encontramos. La verdad es que el uso de programas como el Photoshop y la facilidad de acceso en plataformas como Vimeo o Youtube, han permitido que todos estos videomontajes desarrollasen la imaginación de cinéfilos muy creativos. Entre secuencias de El hombre que sabía demasiado, Vértigo y La ventana indiscreta, se mueven a sus anchas, personajes de Kubrick como Jack (The Shining, El resplandor), el astronauta Dave Bowman de 2001, una odisea en el espacio; los drugos de La naranja mecánica o personajes de Eyes wide shut, Barry Lyndon o La chaqueta metálica.

                               

                      

De hecho parece que nuestros vecinos franceses se hayan especializado en estos imaginativos cortos, pues de Francia procede también otra maravilla que hará las delicias de los cinéfilos, Hell’s Club, a cargo de Antonio María Da Silva, fundador de AMDS Films, empresa encargada en realizar todo tipo de efectos especiales. En esta ocasión, nos adentramos en una discoteca en donde reconocemos a diferentes personajes del cine de Hollywood, como Tom Cruise en sus roles de Collateral y Cocktail, Anakin Skywalker, Obi-Wan Kenobi, Darth Vader, Neo, Austin Powers o Pinhead.

 

El Lenguaje cinematográfico: El montaje.

El montaje consiste en ir uniendo las tomas rodadas con el fin de dar una unidad cinematográfica que permitiriá una película con personalidad propia. Es en las mesas de montaje donde se prepara la puesta a punto de un film, lo que salvará a un director gracias a la magia de un arte que está en manos de los montadores. Por supuesto, el sentido del montaje ha variado a lo largo de la historia. Veamos algunos hitos que permitieron revolucionar el cine. 

Los hermanos Lumière, padres de la cinematografía, asentaban una cámara en el suelo y simplemente dejaban rodar con un sentido de la continuidad. Otro efecto importante es  de la profundidad, logrado en la película de 1895 (La llegada al tren de la Ciotat) gracias a un travelling inverso. Eso sí, los propios Lumière observaron la necesidad de un cambio en el montaje, porque entonces el cine –aún embrionario- no tendría futuro.

Ese cambio lo aportó Edwin S. Porter, en la película "Vida de un bombero americano". En la famosa escena del rescate, en un incendio, rodó las tomas tanto del exterior como del interior pero no mezcló los fragmentos de ambas tomas sino que los mostró de forma consecutiva. El espectador veía dos veces la misma acción.

D.W. Griffith estableció las reglas del montaje clásico que permitieron el concepto de montaje transparente. La idea era pasar desapercibido, es decir, que  el público no se diera cuenta de que la película estuviese montada, dando una sensación de continuidad cercana a la realidad. El montaje invisible sería el clásico del cine americano.

El siguiente paso en  esta pequeña historia del cine lo supuso el formalismo soviético que revolucionaría en el montaje. Uno de los representantes de la revolución, Ziga Vertov –cuyo apellido significa “peonza”-  aplicó el montaje cinematográfico con un sentido marxista. Rodó una sinfonía urbana en la que iba combinando los principios del cine según el materialismo histórico y los del movimiento vanguardista a través de composiciones angulares y movimientos acelerados. “El hombre de la cámara” de Ziga Vertov, sin  embargo, no fue más que una muesca dentro de la gran maquinaria de lo que aún debería llegar. Hablamos de Sergei Eisenstein.

Las innovaciones de Eisenstein se basaron en el montaje narrativo de Griffith, en “el efecto Kuleshov” –a través de una función asociativa, el poder no residía en las imágenes sino cómo las percibía el espectador- y en los pictogramas japoneses –la yuxtaposición de dos ideas podían crear un nuevo concepto (ave + boca = canto).

Un ejemplo lo encontramos en estas imágenes de El acorazado Potemkin. Se yuxtapone el avance ordenado de las tropas zaristas con la huida desordenada de la gente. Eisentein le pidió a este chico, que era portero de fútbol en la vida real, que se tirase. Su madre descubre que a su hijo lo han abatido y queda horrorizada. Luego, viene una toma terrible, en la huida pisan al niño y terminamos con un plano extraño. La madre recoge al hijo y se abre paso entre los cuerpos caídos, dirigiéndose hacia los soldados.

Un montaje radical lo encontramos en Jean Luc Godard en su película Al Final de la escapada.  Desde "Ciudadano Kane" en 1942, ninguna otra ópera prima ha sido tan influyente en el cine, destacando un tipo de montaje entrecortado que se llama jump-cut, basado en introducir cortes en un determinado plano eliminando algunos fotogramas.

Godard utiliza los cortes jump-cut - dentro del movimiento continuo de una secuencia o un diálogo, sin ningún intento para hacer que coincidan.  Se trata de estilo de corte irregular, muy influyente en el cine de acción.

La técnica añade encanto a una serie de  escenas como aquella en la que la pareja protagonista viaja en un coche robado por las calles de París.  En esta huida se cuela una escena directamente tomada de "Bonnie and Clyde" (Arthur Penn). Tanto Godard y Truffaut estuvieron a punto de dirigirla.


El último gran referente que hemos querido destacar es el meritorio trabajo de Dede Allen (una de las montadoras más respetadas), quien muestra en la escena final de Bonnie & Clyde (Arthur Penn)  toda una revolución al utilizar el montaje para llevar al extremo el impacto, utilizando cámara lenta y una multitud de cortes al ritmo de una metralleta: Una lluvia de balas que cambió la forma de representar la violencia.

La película de  Arthur Penn  influyó a "Badlands", "Días del cielo", "Thelma y Louise”,  "Drugstore Cowboy "," Natural Born Killers "y una infinidad de films en donde sus personajes se convertían en leyenda,  gracias a una violencia repentina. Pero de señalar una, podríamos ver cómo el montaje de la escena citada sirvió para una escena legendaria de El padrino (Francis Ford Coppola), la muerte a balazos en el retén de Sonny Corleone, el personaje interpretado por Jamen Caan. 



Los años 20. Hollywood y las vanguardias.

Los años 20. Hollywood y las vanguardias.

Después del homenaje que hemos dedicado a los orígenes del cine , continuamos en la historia del celuloide viajando a la década de los años 20. Había finalizado la Primera Guerra Mundial y con el regreso del mundo a la normalidad, llegaba un cine marcado por la evasión y el puro entretenimiento. Historias de ambientes exóticos, el género de aventuras y la figura del heroe romántico, llenó las pantallas de Hollywood, pero al mismo tiempo fueron surgiendo algunas prospuestas a contracorrientes para desmarcarse de este cine comercial. Vamos a hacer un homenaje a todos ellos que valientemente se atrevieron a innovar con los conceptos, los ritmos e incluso las formas cinematográficas, aunque muchos de ellos pagaron el precio de convertirse en artistas malditos. 

Nuestro viaje a los años veinte lo haremos en seis episodios. 

Uno, nos introducirá en el cine de Hollywood y en las vanguardias de aquella época.

               

                         

                   El montaje de Serguei Eisenstein.

                       (El acorazado Potemkin)

                   

                    El surrealismo.

                                        (El perro andaluz, Luis Buñuel)

El orden será el siguiente.

Episodio 1. Avaricia. Erich von Stroheim.
Episodio 2. ...Y el mundo marcha. King Vidor.
Episodio 3. La cinematografía rusa.
Episodio 4. Dreyer. La pasión de Juana de Arco.
Episodio 5. Abel Gance.

Los dos siguientes episodios fueron dos respuestas en el propio seno de los Estados Unidos. La primera, a cargo de un cineasta emigrante europeo, Von Stroheim, Avaricia (Greed) y la segunda propuesta, Y el mundo marcha (King Vidor). Dos películas que coincidieron también por la major que la produjo, la Metro Goldwyn Mayer.        

     

                             

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Homenaje al cine mudo en el ciento veinte aniversario del cine.

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A muchos nos fascina la magia de las imágenes en movimiento, generadas por el cinematógrafo, invento patentado por unos hermanos criados en Lyon, Auguste Marie Louis Nicolas LumièreLouis Jean Lumière, que un día como hoy hace ciento veinte años estrenaron unos cortometrajes en el Salon indien du Grand Café del Boulevard des Capucines. Ese 22 de marzo de 1895 se proyectaron La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir),  Llegada de un tren a la estación de la Ciotat y El regador regado.

 En los inicios del siglo XXI el cine ha suscitado todo tipo de reflexiones y ha dado pie a otras tantas revoluciones tecnológicas, sociales o económicas que los llamados padres del cinematógrafo poco podrían reconocer de ese primitivo invento que nació hace cien años. Pero es verdad que el cine, en su esencia, no ha cambiado. Los mismos conceptos que surgieron con esos primeros cortos mudos (el primer plano, el travelling, los efectos especiales, la regla de los 180º o el “trayecto fantasma”) fueron ideas que nacieron en estos primeros compases del séptimo arte.  

Pero los hermanos Lumière no estuvieron solos. George Meliè, Charles Chaplin, Edwin S. Porter, Louis Garnier, George Albert Smith, Segundo de Chomon, Griffith e incluso destacaron algunas mujeres entre las pioneras del cine. Fueron muchos, muchísimos los que hicieron grande el cine desde sus pequeñas aportaciones. 

                       

                                       

                                         George Meliès, director e inventor.

Segundo de Chomón, director.

                                       

                               George Albert Smith. Director y fotógrafo.

            5.Annex-Gish-Lillian

      Frances Marion, guionista.             Lilian Gish, actriz.                         

 

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                                                 Anita Loos, guionista.

                                     

                                           D. W· Griffith. Director.