Cine español.

Las brujas de Zugarramurdi: La guerra de sexos de Alex de la Iglesia.

-Estoy hasta los cojones de la pensión compensatoria, de los jueces y de las brujas de Zugarramurdi.

Ladrones de medio pelo, brujas del siglo XXI, guerra de sexos y un humor negro, negrísimo; todo esto y mucho más es la última comedia de Alex de la Iglesia. Las brujas de Zugarramurdi es cine palomitero, pero industrialmente necesario, en donde descubriremos que las mujeres son unas auténticas brujas. ¿De verdad sabemos cuándo hablamos del sexo débil?

Si el sueño de la razón creaba monstruos, según decía Goya, los que forman parte del particular imaginario del cineasta vasco resultan ácidos y desmedidos, con un humor negro y llenos de referencia. El propio Zugarramurdi y sus brujas; Goya y esa visión de la España más tremendista llena de particulares aquelarres y El día de la bestia: “Ese cura viajando de Deusto a Sestao para celebrar un gran aquelarre”: “No he pecado, pero voy a pecar. Voy a hacer todo el mal que pueda”.

Alex de la Iglesia vuelve a contar con su guionista habitual, Jorge Guerricacheverría, quién mantuvo una estrecha relación con el director, con dos únicas excepciones (La chispa de la vida y Balada triste de trompeta).

-Son como una secta, comparten información.

-A ver, a ver, a ver no empecemos con el rollito machista, por favor.

Un padre separado que quiere la custodia compartida, su hijo y un relaciones públicas de una discoteca protagonizan un atracado a una tienda de “compra venta” de oro de Sol. A quienes se unirán, en su alocada fuga a Francia, un taxista –tomado a punta de pistola- y su cliente, un hombre que pasaba por ahí y que sólo quería ir a Badajoz.

-Si vamos a ir a Francia, ¿puedo llamar a mi mujer para decirle que no voy a cenar?

Pero en la fuga, se sumarán otros personajes, la perturbada mujer, interpretada por Macarena Gómez y una pareja de policías, hasta llegar a un lugar recóndito.

-¿Cómo se llama?

-¿El qué?

-El pueblo.

-Zugarramurdi.

La película tiene todos esos ingredientes que suelen verse en las películas del cineasta: violencia, humor, terror, gore, algo de romanticismo y mucha mala leche. “Se encuentran un grupo de brujas que les harán la vida imposible hasta prácticamente matarles. Les hacen pagar todos sus pecados, pero en pleno sufrimiento descubren que la única manera de enfrentarse al sexo opuesto es precisamente eso, enfrentarse y en la confrontación encuentran el amor”. El deseo que sentirá el personaje de Carolina Bang por uno de ellos, será clave para evitar el Apocalipsys.

-¿A dónde vais?

-A impedir que tu madre destruya la civilización occidental. ¿Te parece bien?

Unas mirindas asesinas y veinte años haciendo cine.

El único cortometraje unió por primera vez al cineasta y a su guionista. La rutina en un bar de copas y de sus habituales parroquianos se transforma en una matanza de grandes dosis paródicas en Mirindas asesinas. Un coctel de violencia, terror y mucho humor negro definida por algunos elementos de futuras películas del director.

Desde entonces encontramos un poco de todo en su filmografía: comedias negras (La comunidad, Acción mutante, Crimen ferpecto), un road movie al estilo explotation con Javier Bardem y la participación del grandísimo actor James Galdonfini (Perdita Durango), un thriller en donde el director se puso serio (Los crímenes de Oxford), una ácida comedia sobre el Diablo (El día de la bestia) o una película ambientada en el mundo del circo y la Guerra Civil (Balada triste de trompeta).

-Si no fuera payaso, hubiera sido asesino.

La verdad es que esperaba una nueva película de Álex de la Iglesia, aunque sus anteriores proyectos (Balada triste de trompeta y La chispa de la vida) me habían dejado bastante decepcionado, sobre todo por el posicionamiento del propio realizador ante la historia de la primera citada, una más sobre la Guerra Civil, aunque contada como nunca antes se había visto. Eso sí,  me sorprendió que fuera una película tan premiada; sólo podía explicarse el premio al Mejor Guión en el festival de Venecia en la presidencia del Jurado en Quentin Tarantino, amante de los excesos por el exceso.

Y la nueva película empezó a interesarme desde el momento que supe que algunos de los actores con los que había trabajado en un cortometraje, como co-coproductor, participaban en este nuevo proyecto: Me refiero a Manuel Tallafé (habitual del cineasta), Macarena Gómez y Javier Botet. Personajes secundarios que arropan a unos protagonistas que se estrenan con el director, los televisivos Hugo Silva y Mario Casas, junto a otros ya frecuentes como Terele Pávez, Carmen Maura o Santiago Segura.

La guerra de sexos y brujas.

Desde los títulos de crédito, mujeres de carácter (desde Ángela Merkel a Margaret Tatcher) toman el control de la película. Lo vemos en las esposas de las que intentan huir estos dos ladrones chapuceros, Macarena Gómez y Alexandra Jiménez, pero sobre todo en las brujas que dan título a la película con Terele Pávez y Carmen Maura, a la cabeza. No es la primera vez que aparecen las citadas brujas de Zugarramurdi en el cine; Pedro Olea dedicó al caso real un documental, Akelarre, protagonizado por Mary Carrillo.

-¿Sois brujas?

-A mí las brujas no me dan miedo, a mí lo que me dan miedo son esos hijos de puta.

                    

Planeta 51: animación española con tema americano.

- Señoras, ¿quién quiere conocer a un astronauta?

El capitán Chuck C. Baker, aterriza en un planeta desconocido y va a clavar la bandera en señal de colonización, cuando descubre toda una civilización. El arranque de la película es, sin duda uno, de esos momentos cumbres del filme: Esa llegada del astronauta a un planeta lejano en el que nada nos resulta desconocido. Unas secuencias a ritmo de 2001 y con guiños a Mars Attak!, rompen con la cotidianidad de una familia en plena barbacoa. Diríamos que se trata de un rápido apunte de algún filme de ciencia-ficción de los 50, si pasáramos por alto un detalle. El marciano es el humano.

El protagonista de la película es un astronauta –por supuesto norteamericano- procedente de un lejano planeta, la mítica Tierra, que reúne todas las virtudes y defectos que atribuimos a los yankis, gran sonrisa y pocas luces. Partiendo de esta base, se trata de una historia divertidísima, rodada en inglés, pero de factura española. ¿Qué pasaría si un astronauta aterriza en otro planeta y para los nativos verdes y con antenas, resulta ser lo que llamamos un alienígena? 

                                

La credibilidad de sus imágenes y la solvencia de la animación podrían pensar en una nueva entrega de Pixar, pero este filme no tiene nada que envidiar a los chicos de J. Lasseter. Los creadores del prestigioso videojuego, Commandos, han hecho posible una producción enteramente española que puede competir al más alto nivel. No en vano, ha contado con la participación de uno de los guionistas americanos, que cuenta entre sus trabajos, las dos primeras entregas de Schreck, apreciadas por la ironía de sus diálogos, hasta entonces inusuales en las películas de animación.

- Puedo respirar.

- Rendíos para conduciros a un centro de rehabilitación especial.

- No me digas, tú y cuantos más.

- Pero si hablas mi idioma.

- Es increíble, pero si hablas mi idioma.

- Si, es eso mismo lo que acabo de decir.

- Y yo, lo que acabo de decir. Dí algo más.

- ¿Cómo qué?

- ¡Como qué!

Después de la única parte de la película que no entiendo (el hecho de que hablen el mismo idioma) se pasa a un rápido apunte de los personajes, para luego entrar en materia: la llegada del astronauta hace cundir el pánico (el ejército entra en acción) y se pone en marcha la historia. Una aventura en dos tiempos: por una parte, es una especie de ET al revés, en donde Chuck es el alienígena que quiere volver a la Tierra; y por otra parte, es la amistad intergaláctica entre unos personajes tan curiosos como reconocibles por el espectador.

- Es claramente escritura alienígena, dice: “Rendíos o morir”.

- Diabólico.

Chuck C. Baker será perseguido por los implacables militares del general Grounch, y ayudado por Lem un joven aspirante a astrónomo y por su amigo Skip, un pirado de los cómics de ciencia-ficción que se hace íntimo amigo de Robert, la curiosa mascota que había sido envidada hace años desde la Tierra al llamado Planeta 51. El robot, Robert, -convertido en una especie de perro- es ese clásico personaje salido de los estudios Pixar, el de una máquina con alma. De hecho, recuerda mucho a esa genialidad que fue Wall-e. Planet 51 aparece repleta de referencias, homenajes y guiños cinematográficos a todo un género de la ciencia-ficción perfectamente reconocibles para el espectador de a pié. Desde los filmes rodados en los 50, pasando por Alien a los blocksbuster de Spielberg, Encuentros en la Tercera Fase a ET, El extraterrestre.

- ¡En la boquita o el monstruo malvado te llevará!

                         

Pero sobre todo, se trata de una imaginativa recreación de un mundo alienígena, con la estética de los Estados Unidos en los años 50, con un impresionante despliegue de detalles, y no solo cinematográficos, que podría requerir más de un visionado de la película para captar todos y cada unos de ellos. Algunos detalles son muy curiosos, como ese coche escarabajo de los ecologistas o la mascota familiar, un divertido “alien” que no ve con buenos “ladridos” la llegada del astronauta. No es la primera vez que se han tomado los años 50 para un contexto ajeno, en la conocidísima serie Los Picapiedras se trasladaba esa época a la Edad de Piedra e incuso un entrometido visitante del futuro irrumpía en aquella década, en Regreso al futuro. En esta ocasión, es una civilización espejo de esos Estados Unidos inmersos en la Guerra Fría en donde se creía ver comunistas/aliens hasta en la sopa. Una sociedad que vivía en una paranoia que sugería vigilar los cielos en previsión de invasores extraterrestres.

- Todos cuantos me escuchéis en estos momentos, decidle a todos, decidle al mundo entero, desde donde quieran que estéis: vigilad el cielo.

En la animación, la tecnología se ha puesto cada vez más accesible, lo que vemos en un repunte de la animación española (Tadeo Jones, O Apostol). Lo que va ha hacer que estos filmes funcionen, será la calidad de sus historias, pero algunas veces, el éxito de taquilla y crítica no coincide con estos principios. Ahora bien, ¿por qué para triunfar tiene que tener tema y forma hollywoodiense?

 

                        

El quién es quién de la Guerra Civil.

El conflicto de la Guerra Civil española tiene sus propios personajes e idiosincrasia:

La disidencia, que murió defendiendo sus ideales, representa al primer personaje del friso de esta guerra civil. Destaca la figura del poeta Lorca, interpretado por Andy García, en Muerte en Granada (Marcos Zuriaga), cuyo fusilamiento quedaría como símbolo de la falta de libertad y de la sinrazón. Quienes murieron por enfrentarse al horror se ensalzaban con honor en su propio bando y con menosprecio en el contrario.

En la zona republicana uno de los grupos más interesantes lo formaron muchas mujeres libertarias, que defendiendo los logros sociales y políticos, tomaron armas al servicio de la República. Los personajes de Ana Belén, Ariadna Gil o Victoria Abril, representaban en Libertarias (Vicente Aranda) la lucha por la libertad y el alto precio que pagaron con su vida. 

- No entendemos por qué la revolución tiene que correr a cargo de la mitad de la población solamente. Somos anarquistas, somos libertartias, pero también somos mujeres, que queremos hacer nuestra revolución.

                            

El otro bando estaba compuesto por los sublevados. Un grupo heterogéneo  formado por militares, conservadores, católicos o falangistas que rechazaban las reformas propuestas por la República, sublevándose del poder legítimo. La legión, fundada por Millán Astray, era retratado por Juan Luís Galiardo en Madregilda (Francisco Regueiro). Un grupo heterogéneo, pero unidos por un mismo líder, el Caudillo. Presente o no, la verdad es que el espíritu de Franco se descubre en toda esta cinematografía centrada en la Guerra Civil, pero no podemos negar que verlo en pantalla sea estimulante. Lo hemos visto en documentales, laudatorios (Franco: ese hombre, José Luís Sainz de Heredia) o críticos (Caudillo, Martín Patino), y lo bordaron alter egos, en la ficción, Juan Echanove en Madregilda y sobre todo, un inmenso Juan Diego, en Dragón Rapide (Jaime Camino).

-¡Qué me lo detengan!

                                     

Una de las características de nuestro conflicto fue que la paz no puso fin a la contienda, pues en la posguerra, se puso en pie una dura represión. Continuaron los cuartelillos de la guardia civil, los militares y unos personajes sádicos, cargados de rencor, como el capitán Vidal (Sergi López), de El laberinto del fauno. 

- Yo estoy aquí porque quiero que mi hijo nazca en una España limpia y nueva, porque esta gente parte de una idea equivocada. Que somos todos iguales. Pero hay una diferencia, que la guerra terminó y que ganamos nosotros. Y si para que se enteren todos, hay que matar a esos hijos de putos. Pues los matamos.

                          

Los represaliados fueron aquellos que sufrirían en su propia carne la represión franquista. Estos formaban parte de los perdedores y buscaban la benevolencia del vencedor, pero estos estaban dispuestos a dar ejemplo, del que ni siquiera se salvaron un grupo de niñas. Las llamadas Las 13 rosas (E. Martínez Lázaro) fueron fusiladas por defender la libertad de la República, frente a la barbarie.

Pero además de la represión, de las cárceles y de los trabajos forzados, uno de los temas más interesantes, pero al que han dedicado poca filmografía, es el de las guerrillas que pequeños grupos armados dirigían desde los montes, los maquis. En la cinematografía española, entre los primeros títulos que han centrado esta temática, merecería la pena señalar la película ¡Pim, Pam, Pum, Fuego! de Pedro Olea.

 - ¡Has oído hablar de los maquis?

- Claro que sí, pero...

- Yo estaba en el monte con ellos. 

Sin embargo, estos guerrilleros -que no dieron por acabada la contienda y que en la gran mayoría de los casos, resistieron hasta el final o fueron neutralizados y detenidos, muriendo luego en las cárceles-, dieron pie a importantes títulos dentro del género documental. Sería en este cine en donde encontramos los principales intentos por rescatar algunos episodios que estaban totalmente en el olvido. Sería Extranjeros de sí mismo (varios directores), el proyecto más ambicioso y conseguido en este sentido:

 -  No fue el producto de la ideología comunista o socialista, sino que fue una iniciativa de un grupo de personas que decidieron organizarse, desde el primer momento.

Una de los referencias a esta temática que tomaría el cine americano es a través de los Brigadistas.  Pero la huella de la guerra civil, -en un Hollywood acostumbrado a tomar prestados acontecimientos históricos de cualquier latitud, para reciclarlos en el género de aventuras exóticas-, sólo se puede calificar de neurótica, escasa, y en muchas ocasiones, folclórica, como sucedía con las alusiones a este conflicto en Las nieves del Kilimanjaro (Henry King): 

- Mi Cinthia no estaba en el Hotel Florinda de Madrid, ni en ningún otro sitio, la terrible Guerra civil había castigado Madrid.

Antes de darme cuenta, llevaban fusiles, pero no me gustaba. Agunas personalidades europeas y norteamericanas encontraron en el tema de las Brigadas Internacionales, las unidades que fueron a España a luchar a favor de la República, guiándose por valores democráticos y la idea de libertad, un referente cinematográfico sobre todo cuando lo rodaban en plena Guerra Mundial. Este es el caso de uno de los artesanos más honestos de Hollywood, Sam Wood, quien adaptó una novela de Ernest Heminguey, Por quién doblan las campanas, sobre el relato de un profesor universitsario norteamericano de Literatura Española (Gary Cooper) que se une a un grupo de guerrilleros españoles.

Un argumento similar fue la base de una película mucho más reciente, dirigida por Ken Loach en Tierra y Libertad, que narra las desventuras de David, un joven comunista de Liverpool - obrero desocupado- que ingresa en la Sección Internacional de la Milicia Republicana. Loach, con su característico estilo, se acerca más al documental que al cine de ficción histórica que el género nos tenía acostumbrados.

 - Nos unimos por una idea romántica y tonta, pero ahí en la guerra matan a la gente. Fue en Albacete en donde descubrímos lo que era una guerra de verdad, fuera de las ideas que defendíamos antes. 

Uno de los efectos menos conocidos durante la Dictadura, fue la marcha de muchos niños al exilio, alejándolos de sus familias y de la guerra. Todo un tema tabú en la España de Franco como un arma propagandística de líderes como Stalin, sobre todo cuando muchos de esos exiliados marcharon a la URSS. Jaime Camino, en su caractersítca clave documental, realizó una interesanta y conmodovedora reconstrucción histórica, planteando los testimonios de los supervivientes de Los niños de Rusia. 

O apostolo: la Galicia mágica en stopmotion.

La explosión  de la animación de gran formato  ha cobrado importancia gracias a los esfuerzos de Pixar, Dreamworks y de Disney, a una mayor distancia. Eso sí, este tipo de animación se esta convirtiendo en una industria clónica que aúna comercialidad y calidad, en donde los beneficios cuentan mucho más que el aspecto artístico; a parte de repetir los mismos esquemas, narrativas y estilos. E incluso llenando las parrillas de sagas y franquicias que se expanden hasta el infinito. Una de las rarezas en animación es la figura de Tim Burton, y no sólo porque se aleja de los universos infantiles, bienintencionados y comerciales de las citadas empresas, sino en la búsqueda de una mayor originilidad, por la temática de género y fantástico y por el empleo de técnicas de animación más artesanales como es el stopmotion. Que el 3D ha ganado la guerra a todas las demás técnicas posibles, es evidente; y que la piratería impide que prosperen cualquier proyecto que se salga un poco de la norma, es otra evidencia que domina este sector. Con excepciones, por supuesto, como vemos en Blancanieves, la gran triunfadora en los Goyas 2013.

                        

 Pero las grandes perdedoras en el mismo certamen  han sido también propuestas innovadoras, como es El artista y la modelo (Fernando Trueba) (cero de 13 nominaciones) y O apostolo (Fernando Cortizo). O apostolo ha contado con el aplauso de Tim Burton, pero aquí en España, el rechazo del público, distribuidores y de la Academia. Es verdad que la película contaba con varios handicaps. Suele ser conocida la animadversión española por el cine de animación patrio, con la excepción de Tadeo Jones. Pero el éxito de este título, de Enrique Gato, ha impedido que la primera película europeo rodada en stopmotion lograra triunfar. Al mismo tiempo, Lo imposible de J. A. Bayona irrumpía como un tsunami en la taquilla. 

Los distribuidores y el cine de género.

Me lo pregunto realmente: ¿qué ocurre con los distribuidores de nuestros país en cuanto al cine fantástico? ¿Por qué hay títulos que simplemente ni llegan a la semana en cartel, ni siquiera se estrenan y ni se ofrecen en formatos domésticos? Hablamos de películas muy destacadas del cine de género como Frontières, de Xabier Gans; Eden Lake, James Watkings; The Childrens, de Tom Shankland; Black Death, de Christopher Smith;  The Cabin in the woods, Drew Goddard y O apostolo, de Fernando Cortizo. 

O apostolo es toda una maravilla injustamente maltratada por los distribuidores. Se trata de la primera producción española en emplear la técnica del stopmotion, con una historia que nos lleva a la Galicia mágica con elementos del terror y humor. La película de Fernando Cortizo reivindica el poder de la animación stopmotion en un momento en el cual el desarrollo de la imagen digital lleva a esta compleja técnica a un segundo lugar.

 -La santa compaña es una mensajera de la muerte. 

Su trama se mueve entre el fantastique y el terror, nada que ver con el personaje "anticrisis" y el planteamiento infantil de ese Indiana Jones a la española, que presentaba Enrique Gato. La Galicia mágica, el Camino de Santigado, la figura del Diablo y  la Santa Compaña se dan cita en la película de Cortizo, con un delincuente de poca monta que llega a un pueblo gallego en busca de un botín, para terminar descubriendo que sus habitantes son unos adoradores del Diablo. Los peregrinos del Camino de Santiago son las víctimas de estos peculiares moradores, para una serie de sacrificios.

                   

Lo más curioso del filme es la conseguida técnica del "fotograma a fotograma", con los muñecos que recuerdan a una diversidad de guiños (desde el Nosferatu de Murnau a los propios dobladores que le dan vida a estos personajes). Entre ellos se destaca el personaje del Arcipreste (Paul Nashy) y el interpretado por Luis Tosar. Una de las curiosidades de O apostolo es que los actores no se limitaron a poner la voz de sus personajes, sino que también se movía como ellos, interpretándolos, para luego darles vida en formato de stopmotion. Aunque el filme está muy conseguido y atraerá el interés de los amantes del género, no es totalmente perfecto por arrastrar unos defectos como el exceso de verborrea. Eso sí, la película debió contar con un mayor apoyo y alzarse con el Goya, pues premiando a Tadeo Jones no hace otra cosa que aplaudir a un cierto estilo poco original e infantiloide, repitiendo Goya pues en la edición de 2012, había alcanzado este galardón con el formato de cortometraje. Un poco de deja vú. 

Que importan los premios, las selecciones en festivales de prestigio; que tenga en el equipo a prestigiosos técnicos, responsables de grandes películas como La novia cadáver o El señor de los anillos; tener un gran reparto de voces (Luis Tosar, Geraldine Chaplin, Jorge Sanz, Manuel Manquiña o el desaparecido Paul Naschy), o el fichaje de lujo de Philip Glass para la banda sonora. "O Apóstolo" es el último gran fracaso de nuestro cine: 5,2 millones de euros de presupuesto y 37,000 recaudado.  Pero no es el único fracasa, hemos conocido, grandes desastres cinematográficos: "El Dorado", de Carlos Saura, encabeza la lista de los grandes fiascos de nuestra industria, junto a la humillación de no llevarse ningún premio Goya de los nueve a los que estaba nominado. Lo cierto es que muchas películas de época han fracasado estrepitosamente en nuestro cine. "Sabotaje", una comedia napoleónica dirigida por los hermanos Ibarretxe, "Tirante el Blanco", "Los fantasmas de Goya", "Sangre de mayo", la desastrosa "Manolete" y la más sonada "Capitán Trueno", que casi acabó en las manos. 

En el caso de O Apostolo, Fernando Cortizo lo tiene claro: "Para el 31 de octubre teníamos firmadas 80 salas en toda España para que se estrenase, y nos encontramos con que, en realidad, solo se lanzó a 25. Además, con horarios absurdos, en cines alternativos o del extrarradio".

Los Goyas 2013: la fiesta del cine español.

Llegamos a la gran fiesta del cine español, los Goyas 2013, unos Goyas, huelga decirlo, marcados por la crisis, pero también por un año raro para nuestro cine. Tres películas se han demarcado de la situación general vivida por nuestra cinematografía, demostrando que apostamos por proyectos arriesgados y nos sobra talento, más allá de las cifras o del raquítico interés del público español por su propio cine. En este sentido, destacamos Blancanieves, Lo Imposible y O apostolo, la primera película europea en utilizar la técnica del stopmotion. 

              

De todas ellas, destaca Blancanieves (la apuesta de Pablo Berger) con dieciocho nominaciones, entre Mejor Película, Director, Guión, Actor y Actriz protagonista. Le siguen Grupo 7, finalista en  16 categorías; la historia de la familia que sobrevivió al tsunami (Lo Imposible) y la búsqueda de la creación artística (El artista y la modelo), formando parte del destacado cuarteto de salida.  

Un cuento infantil universal, la búsqueda de la creación, una historia sobre policías dispuestos a todo y una tragedia de dimensiones colosales; las cuatro películas más nominadas en los Goyas 2013, son apuestas por la diversidad. En aquel diciembre de 2004 marcó para muchos, la gran tragedia del tsunami que azotó buena parte del Pacífico asiático. Este suceso sirvió de inspiración para la película de J. Bayona, Lo Imposible. 

                  

                

Pero la inspiración puede ser también una fotografía. Por ejemplo, la de Cristina García Rodero, la fotógrafa de esta particular imagen, enlazada con el cine a través de la versión de un cuento muy especial. Este 2012 ha conocido versiones muy diferentes de la historia de Blancanieves, pero ninguna tan arriesgada como la que nos propone Pablo Bergel.

Una película que sigue la estela de la gran triunfadora de este año, The artist , rodada en blanco y negro y silente.  No nos alejamos mucho de Sevilla para la siguiente película, porque esta tierra andaluza también fue el escenario de Grupo 7, el film sobre un grupo policial dispuesto a todo por acabar con la delincuencia y la droga. Una historia que ha apudado al actor malagueño Antonio de La Torre que cuenta con dos nominaciones en estos Goyas (la otra, por la película Invasor  ). 

                     

-¿Cómo habéis sido el grupo de la policía con más número de intervenciones?

Cuatro policías de paisanos imponen su propia ley para limpiar las calles de Sevilla, dirigido por Alberto Rodríguez, que vuelve a tomar la ciudad hispalense como escenario de su última película. Esta vez, dirige su mirada a los años previos a la Expo del 92, un evento que cambió la fisonomía de la ciudad.

-El año que viene hemos acabado con la droga de esta ciudad. 

Grupo 7 refleja cómo la ciudad va transformándose al compas que el comportamiento de sus protagonistas, un grupo de policías dispuestos a acabar con el menudeo y los pequeños capos de la droga que residían en pleno centro. La última de las grandes películas es La artista y la modelo, un  homenaje al proceso de creación y a la relación entre el creador y su modelo. De por medio encontramos una historia ambientada en la Resistencia durante la ocupación alemana en Francia. 

-Conozco las montañas y los caminos. Ayudo a pasar a la gente. 

-¡Yo solo quería estar tranquilo y trabajar!  ¡Ahora solo tengo a un par de clandestinos!

              

¿Una ceremonia con acento andaluz?. Además de las dos películas citadas y de la doble nominación del malagueño Antonio de la Torre, encontramos en la parrilla la producción andaluza Carmina o revienta. Pero también es una ceremonia con la que recordaremos dos proyectos muy interesantes en el campo de la animación: Tadeo Jones y O apostolo.  Animados por el Goya al cortometraje de Tadeo Jones: el sótano maldito, no pretendía otra cosa que producir un largometraje, con el famoso personaje como protagonista.

         

 -Los arqueólogos acaban de llegar a la excavación.

-¿Qué, Tadeo, has encontrado algún tesoro?

-Aún no.

-¡Bah! Nunca encuentra nada.

Es un proyecto de animación cien por cien española que cuenta con unos personajes simpáticos y unas correctas dosis de acción. De hecho, Tadeo Jones es una especie de antihéroe, albañil de profesión y arqueólogo por vocación.

-No eres más que un obrero, no un arqueólogo. 

La otra película a destacar, O apostolo, es toda una maravilla injustamente maltratada por los distribuidores. Se trata de la primera producción española en emplear la técnica del stopmotion, con una historia que nos lleva a la Galicia mágica con elementos del terror y humor. La película de Fernando Cortizo reivindica el poder de la animación stopmotion en un momento en el cual el desarrollo de la imagen digital lleva a esta compleja técnica a un segundo lugar. 

-La santa compaña es una mensajera de la muerte. 

                

Invasor: Calpasoro vuelve a la guerra con conciencia.

-Estamos vivo, Pablo, ¿cuál era nuestra misión?

Daniel Calpasoro pone en imágenes una novela de Fernando Marías, para regresar a la acción bélica, años después de su película Guerreros. Si en Guerreros, el cineasta barcelonés incidía en la presencia de soldados españoles en la guerra de Bosnia, en esta ocasión nos traslada a otro escenario bélico, igualmente reconocible, para contarnos un thriller con connotaciones políticas, con el tema de fondo de los errores estratégicos de la llamada "fuerza de liberación". La principal diferencia entre las dos películas es el dominio para rodar las escenas bélicas en la primera, con una menor atención en las secuencias que sirven de bisagra entre ellas: "Basicamente no tienen nada que ver, Guerreros era una película bélica y esta no. Es verdad que hay un elemento bélico, pero es un mero trasfondo". 

-Alguien del ministerio ha venido un par de veces para hablar contigo.

 El personaje principal, Pablo, es un médico militar que pierde la memoria en una misión desarrollada en Irak, por lo que regresa a España. Estos dos españoles, encarnados por Alberto Amman y Antonio de la Torre, viven sometidos al trauma de haber presenciado unos hechos criminales de guerra, con el dilema de hacer la vista gorda o denunciarlo, con todo lo que pondría eso. La trama se desarrolla principalmente en La Coruña, a la vuelta de estos soldados, en donde aparecerá la la tercera pieza de la película, encarnado por Karra Elejalde, actor muy intersante ganador de un Goya por Y también la lluvia (Icíar Bollaín). "Un tío que no se sabe si es el de Ministerio de defensa o de Interior, que tendrá la misión de silenciar a estos soldados y a tapar lo que haya sucedido, por el bien del país". Inma Cuesta se suma a los protagonistas para aportar un toque femenino a la cinta, como la esposa de Pablo. 

Si la acción de la película transcurre en La Coruña, "que se convirtió en un auténtico circuito urbano para rodar unas escenas de persecución" -en palabras del propio director-, se trasladaron a las islas Canarias para rodar la parte de la historia en el Próximo Oriente, recreando con ayuda del digital la región de Diwuaniya. 

-Ya verás como en pocos días, él mismo encajará todas las piezas. Un director que bien abraza el estilo de Jason Bourne o el de la saga The fast & furious (A todo gas), en su película Combustión. 

            

                    

                 

                                                                            

Moscow zero: Cero patatero.

Una rareza del celuloide, titulada Moscow Zero, que partía de una idea interesante pero que quedó totalmente desbancada por el camino. Lo dirije Luna, el alias con el que se conoce a la cineasta española María Lidón, autora de ese romántico y sensible título Yo, puta.  Filme que nos sirve para recordar a uno de los más controvertidos personajes del séptimo arte, tan insólito como polémico de los que pululan a sus anchas por el celuloide, el polifacético actor, director, motorista, músico, modelo y fotógrafo, si nos referimos a su currículo, o narcisista, ególatra y homófobo, entre otras perlas, si lo hacemos a su personalidad, el norteamericano Vincent Gallo.

- Nuestras leyendas cuentan que estos subterráneos son la antesala del Infierno. Es la verdad, porque eso tiene poco de mito.

 Asegura la publicidad de Moscow Zero que las puertas del Infierno han sido abiertas y después de ver la película no nos queda duda alguna al respecto, porque su directora María Lidón, Luna, debía estar en cuarto menguante cuando concibió semejante engendro. Con vocación de película de terror, pretende narrar la investigación de un antropólogo en el laberíntico subsuelo de la capital rusa. Pero la verdad, es que como película no serviría ni como reportaje de un programa de Cuarto milenio. 

 A los pocos minutos, la mínima historia se desperdiga a los cuatro vientos y la atención del espectador se pierde; se pierde como el personaje al que intentan encontrar. La acción está divida en dos historias, la de Owen  (Vincent Gallo) y sus compañeros, y la de Spassky, a quien buscan los primeros. Entre tanto, se suma algunas escenas de "niña misteriosa corriendo". Así, los túneles subterráneos se convierten en un laberinto para el espectador, que no sabe ni el quién, ni el dónde, ni el porqué la niña sale siempre corriendo o si van a llegar a alguna parte. Un caos que sólo produce, en el mejor de los casos, carcajadas por lo rídiculo de lo que se está viendo.

 

La película demuestra una torpeza e ingenuidad narrativa, junto a la carencia de elementos cinematográficos destacados, tanto visuales como interpretativos, así como un pésimo montaje. Sorprende la participación de un veteranísimo director de fotografía como Ricardo Aronovich, quién trabajase con Alain Resnai o Costa-Gavras (Missing), demostrando que en este oficio también existen las facturas que pagar. Lo mejor es su duración, unos escasos 90 minutos, pero la buena noticia es que Luna se ha limitado a estar detrás de la cámara, ahorrándonos con ello la vergüenza ajena y el sonrojo generalizado que provocaba su participación, como actriz, en Stranded (Naufragos) la película que más se ha acercado a la genial 2001 (Kubrick) por una producción española, a pesar de ser un completo fracaso.

- El río es la frontera que hay entre su mundo y el nuestro. Es lo único que puede controlar a los demonios.

- Y a los vampiros y a los hombres lobos, cielo.
                       

Qué Moscow Zero tenga entre su reparto a actores como Vincent Gallo no debería sorprender por los antecedentes que conocemos, junto a la directora que se conoce como Luna (participando en la citada Stranded) y porque vendería a su madre, si fuera legal, si le permitiese acrecentar su ego; pero que intervengan otros, como Vall Kilmer o Joaquim de Almeida demuestra varias cosas, primero que el Planeta Hollywood está lleno de mercenarios; segundo, que las arcas autonómicas subvencionan con muy poco criterio; y tercero, que María Lidón está capacitada para la producción pero no para la dirección. 

 La participación de Vincent Gallo tiene una explicación muy obvia, no hay que ser un superdotado para darse cuenta de que Gallo es capaz de interpretar lo que sea, mientras le paguen. En esta película, su personaje tiene un cierto peso teniendo en cuenta que es uno de los protagonistas, pero llama la atención  ver a Val Kilmer en el cartel de la película, con un par de apariciones y unas breves líneas de guión, leídas con la misma emoción con la que se pide churros con chocolate. Desde aquí, tan sólo se recomendaría revisar, al menos en parte, la carrera de este actor, así como conocer la webb de Vincent Gallo. Quizás con el merchandaising conseguimos financiarle una nueva película.

 

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Fin: Cine de reencuentros con aires apocalípticos.

Unos viejos amigos se enfrentan a la desaparición del resto de la humanidad y a las imposturas de su dinámica de grupo. El taquillero subgénero del Apocalipsis llega al cine español de la mano Jorge Torregrosa con Fin, pelicula que adapta la novela homónima de David Monteagudo.

A pesar de ser una propuesta rompedora y original en nuestro cine, como era Eva (Kike Maillo) e incluso Invasor (película vista en Sitges y que contaba como trasfondo la Guerra de Irak), también cuenta con los puntos flacos de nuestra cinematografía, por ejemplo, contar con pocos atrevimientos formales y argumentales. Sobre todo porque el Apocalipsis es como ese personaje del que hablan todos en la película pero no está; porque lo realmente importante es la relación que hay entre ellos, y ésta se encuentra con todos los clichés vistos en el cine.

- Falta algo, no sé qué.

-¿Un poco de vergüenza?

Un grupo de amigos se reune después de muchos años sin guardar contacto y en el aire se respiran las rencillas y tensiones tanto tiempo en letargo. Sólo una de las invitadas no conoce nada del pasado de ellos, una misteriosa acompañante de Daniel Grau, al que interpreta Clara Lago. "El personaje de Eva -nos comenta la actriz- es un poco la mirada del espectador, porque es la que no conoce a nadie, no sabe lo que ha pasado con este peculiar grupo de amigos".

-Oye, ¿y Ángel?

-No ha llegado todavía, pero está de camino.

Ángel es el personaje ausente, un antiguo amigo que llegaría a predecir un inminente Apocalipsis después de volverse loco: "Estamos a punto de ser engullidos por un agujero negro". Una película que mezcla la estructura del cine del reencuentro de grupos (Kazdan, por ejemplo) con las fantásticas, llena de misterios y desapariciones. "Esa posibilidad de comenzar la pelicula con un tono de melodrama, -dirá el director- de amigos que se reencuentran después de muchos años, me dio la oportunidad de crear un catálogo de personajes con sus secretos, sus mentiras, al estilo de Lawerence Kasdan. Pero luego se convierte en otra cosa". De esta forma, la película pasa de ser un cine de reencuentro a un cine de género, siguiendo las premisas de Lars von Triers y su Melancholia.

-La Tierra y Melancholia, danza de la muerte.

De lo mejor de "Fin" es Sergio Sánchez (el oficio tira), al adaptar la novela original como guión cinematográfico. El texto del que parte la película arrancaba con un gran potencial de salida, desperdiciado por su endeble calidad literaria, pero Sergio Sánchez -autor de los guiones de Los ojos de Julia y El orfanato- sabe sacarle a la historia un gran partido. Un tipo que llegó a bromear cuando recibió el Goya al mejor guión por la opera prima de Bayona: "¿Nos habéis enterado que El orfanato es una mala copia de Los otros? Así que no sé porque me entregáis esto".

Con un reparto lleno de actores muy conocidos (Maribel Verdu, Antonio Garrido, Clara Lago, Blanca Romero) junto con el debutante, el modelo Andrés Velencoso; aprovecha los espacios naturales para representar estampidas, persecuciones y otras imágenes de caos que pueda recordar al cine de Shyamalan. A pesar de ello, algunas escenas de acción fallan por su falta de verisimilitud.

              

              

                                

Una película que da más preguntas que respuestas, que juega con la opacidad de una situación vivida en primera persona por esos personajes que descruben, un buen día, que su mundo que conocían a desaparecido... y ellos, con él.