Cine clásico.

El ángel exterminador, una amarga sátira burguesa.

En El ángel exterminador, un grupo de burgueses asisten a una fiesta en una mansión pero  descubrirán que no pueden salir al exterior. La velada comienza pero los asistentes no podrán salir de la habitación en la que se encuentran a pesar de que no hay obstáculos o puertas que impidan atravesar el umbral. Esta idea tan absurda, pero genial, servirá como trasfondo para una historia de tensión en la que poco  a poco la cordialidad va quedando en un segundo lugar. 

Juana: “Este es el cuarto, ¿verdad?”.

Cristián Ugalde: “Pues no lo sé señora, ya voy perdiendo la cuenta”.

Juana: “¿Y está usted seguro de la paternidad?”.

Cristián Ugalde: “¿Cómo?...”.

Juana: “Quiero decir...”.

Cristián Ugalde: “...eso pregúnteselo a ella”.

Rita Ugalde: “La ciencia lo decidirá”.

Luis Buñuel era quizás el más iconoclasta e individual de los españoles que se vincularon a la órbita de los surrealistas en París, amigo de Lorca y Dalí, con quien co-dirigió El perro andaluz (1928), cortometraje que causó un alboroto (el propio Buñuel se llenó los bolsillos con piedras, para poder tirar algo al público si les atacaba), y contenía una de las imágenes más famosas de la historia del cine, un plano de una nube atravesando la luna,  junto con una hoja de afeitar cortando un globo ocular. Después de esa película,  hizo la escandalosa y largamente reprimida "L’Age d’Or" y el documental "Las Hurdes. Tierra sin pan", una imagen de la pobreza en España.

Estilísticamente hay pocos elementos que vinculen a Ozu, Hitchcock, Herzog, Bergman o Buñuel, a excepción de este hilo común: Pertenecer a un grupo de grandes directores que obsesivamente han reelaborado los temas que perseguían. Fue durante su exilio en México donde pudo dar riendas sueltas a sus obsesiones, sin olvidarse de sus referencias de juventud. "Los Olvidados" (1950), "La vida criminal de Archibaldo de la Cruz" y "El" (ambas 1955). Hasta que pudo asociarse con el productor Gustavo Alatrista, que le dio la libertad creativa suficiente como para hacer algunas de sus más celebradas películas.

Nos referimos a “Viridiana” que le supuso un gran impulso internacional y su regreso a España después de décadas en el extranjero. Aunque su imagen central - un cuadro escandaloso recreando la Última Cena - desagradó a los censores españoles, y se volvió a México para preparar esa amarga sátira titulada "El ángel exterminador" (1962). Después de su etapa mexicana, marchó a Francia, donde rodaría su película más famosa: "Belle de Jour" (1967), que ganó el gran premio en Venecia. Fue protagonizada por Catherine Deneuve,  interpretando a un ama de casa, fascinada por un famoso burdel que acabó encontrando  trabajo allí dos o tres tardes a la semana.

"Tristana” o "El discreto encanto de la burguesía" (1972),  fueron otros trabajos suyos. Este último ganó el Oscar como mejor película extranjera, contando una historia que podría ser una versión de “El ángel exterminador".

Después de esta presentación que hemos hecho a la filmografía de Buñuel, os dejamos el reportaje audiocomentado de El ángel exterminador, película de 1962. (Nota, el análisis cuenta con importantes spoilers).

                           

 

Marilyn Monroe visitó el rodaje de El ángel exterminador.

El nacimiento de una nación: El origen del cine moderno.

Un día como hoy, 8 de febrero, hace cien años se celebraba la premiere en Los Ángeles de una película que marcó un hito en la historia de la cinematografía, aunque se trate de un film controvertido por verter una ideología a favor del Ku Klux Klan. Se trata de El nacimiento de una nación, título emblemático del cine mudo que supo aunar todos los recursos técnicos y narrativos que se habían ido desarrollando hasta ese momento (1915).

Son múltiples los aspectos técnicos que presenta la película (la alternancia de planos generales, el uso de los primeros planos, los efectos especiales, el despliegue de figurantes y extras en las secuencias de los combates) mientras destacan algunas escenas como por ejemplo aquella que muestra el asesinato de Abraham Lincoln, interpretado por uno de los grandes directores del Hollywood clásico: Raoul Walsh.  

D. W. Griffith contaba con una dilatada carrera con pequeñas películas cuando se lanzó a dirigir su primer largometraje ambientado en la Guerra de Secesión. El nacimiento de una nación lo contaba desde el bando del Sur, y de ahí que brindase una visión del heroísmo del Ku Klux Klan. El propio Griffith se había criado en las  influencias del Sur y era nieto de un soldado confederado que había participado en la guerra, lo que explica que su película hiciese una apología del racismo tan enconada que incluso en su época recibiría importantes críticas. De hecho, muchos actores negros no quisieron participar en su rodaje, reservándose los principales papeles para intérpretes blancos que fueron tintados para la ocasión. Demos paso al reportaje audio-comentado, tras esta breve presentación.  

                     

      

     

      

La noche del cazador. Inocencia y codicia para un film de Charles Laughton.

En el cine se dan casos particulares de películas que fracasaron en su momento, por unos espectadores y una crítica que no supieron ver los grandes logros cinematográficos. Así sucedió con Ciudadano Kane, la vida del magnate de la prensa Randolph Hearst, representado por Charles Foster Kane, en el clásico de Orson Welles, y también con el film que recordamos, La noche del cazador (The night of the hunter).

Charles Laugtohn presentó en La noche del cazador (1955), su único trabajo como director, un  inquietante thriller clásico. Un cuento gótico americano y bíblico sobre  la codicia, la inocencia, la seducción y el pecado; brindándonos uno de los mejores personajes de Robert Mitchum, el aterrador asesino de ojos soñolientos y con una oscura alma de predicador, junto a Lillian Gish. La actriz que en su juventud fue la musa de David W. Griffith (Las dos tormentas, El nacimiento de una nación), jugó el papel de su antagonista, interpretando a una mujer buena que proporcionaba refugio a los niños.

Al fin queda como un auténtico cuento de horror infantil, a medio camino entre los hermanos Grimm y la literatura norteamericana de Mark Twain. Después de esta presentación, nos quedamos con el reportaje audiocomentado de la película, un caso único en la historia del cine: La noche del cazador de Charles Laugthon. (Aviso, el reportaje cuenta con spoilers).

                         

 

                          

              

El Apartamento: El breve encuentro de unos solitarios de Nueva York.

En El apartamento (Billy Wilder) un donnadie que ejerce de contable en una empresa de seguros, de Nueva York parece haber encontrado el secreto infalible para ascender en su trabajo. ¿Infalible?, bueno, tiene una pequeña pega: Debe ceder su apartamento a los ejecutivos de la empresa para que sacien sus deseos junto a sus citas amorosas. El cine ha reflejado en una multitud de ocasiones tanto el prestigio por el dinero como por el desarrollo profesional y a veces, el esperpento por conseguir un ascenso en el mundo del trabajo, lo que lleva en ocasiones a las situaciones más disparatadas.

- La primera C significa Calvin, la segunda Clifford, pero todo el mundo me llama Buddy. Estoy en la compañía desde hace tres años y cobro veinticuatro dólares, con cincuenta centavos a la semana.

Una comedia genial e imperecedera a cargo del maestro Billy Wilder, aunque inclasificable dentro del género porque este director se caracterizaba precisamente por adornar sus películas con veleidades de tragedia de lo cotidiano y de un sabor agridulce entre sus personajes.

- A propósito he hablado a tu favor con Celdrick.

- ¿Con el señor Celdric?

- Se ha embarcado con nombres para un posible ascenso y le hecho notar tus grandes actitudes, se necesita de gente capacitada para ciertos cargos.

- Te espera un gran porvenir, Buddy, pero tienes poco licor en casa.

Sin embargo, al mismo tiempo que escala en su mundo laboral, su dignidad va deteriorándose.

- ¿Qué le pasa?

- El espejo, está roto.

- Sí lo sé, y no me disgusta, así es como veo yo. 

La historia que se cuenta tomó como base un relato que había escrito Noël Coward; texto que influyó en la película de David Niven, Breve encuentro y que a su vez, sirvió de inspiración para el film de Billy Wilder. Tras esta presentación, añadimos el análisis audiocomentado de El apartamento. (Aviso, cuenta con importantes spoilers).

                 

                        

                  

                 

 

 

 

 

 

Amacord: Los recuerdos de Fellini.

Amacord, dirigida por Fellini y que forma parte de un estilo definido como "felliniano" es un regreso a los recuerdos por parte del director. Los recuerdos de una infancia en el pueblo de Rimini en donde se mezclan los sucesos reales con los oníricos, propios del cine de este particular realizador. 

Sus personajes característicos, las más variopintas anécdotas y la música, siempre la de su inseparable amigo Nino Rota, formarán el friso de este carnaval cinematográfico que nos hace suspender en un sinfín de emociones y de un humor que a veces roza lo familiar como lo absurdo. 

Tras esta breve presentación, nos encontramos con el análisis audiocomentado de la película. Espero que os guste. (Aviso, cuenta con importantes spoilers). 

                

                        

                                                                                    

El hombre tranquilo: Un film de John Ford “¡Homérico!”.

“Me llamo John Ford y hago películas del Oeste” de esta forma humilde se solía presentar John Ford, alguien que un día como hoy del año 1952 pudo sacar adelante uno de sus proyectos más queridos, que llevaba casi dos décadas en el tintero. El hombre tranquilo supuso su cuarto y último Oscar a la Mejor Dirección, tras El delator, Las uvas de la ira y ¡Qué verde era mi valle! (1941); también tuvo la nominación en La diligencia (1939). Como vemos, ya hacía once años que dicho premio se le resistía.

Si es verdad que John Ford los emparejó por primera vez, unos años atrás en Río Grande (la película que cerraba su famosa Trilogía de la Caballería) fue El hombre tranquilo el que consolidó esta unión no sólo como una de las parejas cinematográficas con más química en pantalla sino también por reflejar las dos grandes pasiones de su director: Irlanda y el amor secreto que sentía Ford por Maureen O´Hara.  John Ford es John Waye, por supuesto a lo largo de toda su carrera, pero sobre todo en esta película. Es Ford quién regresa , esa Irlanda y será Ford, también quién se enamore de Mauren O´Hara, esa pelirroja de gran temperamento, la “llamada Reina del Tecnicolor”.

John Ford llenó sus películas de personajes y de todo tipo de detalles irlandeses. Canciones y tonadillas irlandesas sonaron a lo largo y ancho de su filmografía, mitos irlandeses o temas puramente de Irlanda, como la presencia del Ira en El delator, demostraron el interés de este director por esa lejana tierra. Aunque fue en El hombre tranquilo, donde llevó esas historias, estilos y sus amigos a un ambiente cien por cien irlandés.

Una película de la que es muy difícil sacarle punta porque es un clásico del que se suele hacer una multitud de referencia, pero hasta ese pueblo de ensueño llamado Innisfree hemos querido ir. Uno de sus trabajos más emblemáticos para su director y uno de los más queridos por los cinéfilos. Dejémonos seducir por las verdes praderas y su alegre gente,  por ese pueblo por el que no parece pasar el tiempo y por sus espléndidas peleas, curadas al calor de la cerveza de un buen bar. Sintamos el temperamento de una “diosa pelirroja” y de sus personajes peculiares como el propio John Wayne, un boxeador retirado que vuelve a su Irlanda natal; Will, el hermano de su prometida, con quién mantendrá no pocas peleas y el  pintoresco Michaleen Flynn. ¡Homérico!.

Como es costumbre en nuestros últimos artículos, os traemos un reportaje audiocomentado de la película. (Aviso de importantes spoliers).

                                

                 

                 

                       

                

¿Qué fue de Baby Jane? Un retrato de las miserias de Hollywood.

Título original What Ever Happened to Baby Jane?

Director Robert Aldrich.

Guión Lukas Heller (Novela: Henry Farrell)

Música Frank DeVol.

Fotografía Ernest Haller (B&W)

Reparto Bette Davis, Joan Crawford, Victor Buono, Wesley Addy, Julie Allred, Anne Barton,Marjorie Bennett, Bert Freed, Anna Lee, Maidie Norman, Dave Willock, William Aldrich, Russ Conway, Maxine Cooper, Robert Cornthwaite, Michael Fox, Gina Gillespie, Barbara Merrill, Don Ross.

A parte de ser un referente dentro de la filmografía de su director y de su propia temática, uno de los grandes logros de Psicosis fue el crear un estilo que a la sombra del motel de Noman Bates llega incluso al actual cine. Así queda constancia en ese hotel en donde se desarrollan películas como Identidad o Habitación sin salida. Pero esa influencia empezó a verse en su propia época con grandes clásicos como el que estamos presentando. 

¿Qué fue de Baby Jane? -que sólo obtuvo el Oscar al Mejor Vestuario en una película en blanco y negro, de sus cinco nominaciones- estaba dirigida por uno de los "directores malditos": Robert Aldrich. Su animadversión hacia la Academia y los grandes estudios hizo que uno de sus temas recurrentes fuera el retrato de Hollywood como una fábrica de pesadillas. Un lugar físico y mental, como si de una moderna Pandora se tratase, observando el mundo de la televisión y el cine desde el dolor de la víctima -por lo general actrices- convertidas en seres artificiales y despreciables. 

Para el análisis queda el siguiente audiocomentario de la película. (Aviso de importantes spoilers). 

                      

                         

Érase una vez en América. El epílogo de Leone.

Título original Once Upon a Time in America.

Año 1984.

Duración 225 min.

Director Sergio Leone

Guión: Sergio Leone, Leonardo Benevenuti, Piero Bernardi, Enrico Mendioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini.

Música: Ennio Morricone.

Fotografía:Tonino Delli Colli.

Reparto: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld, William Forsythe, Treat Williams, Jennifer Connelly, Burt Young, Joe Pesci, Danny Aiello,Clem Caserta, James Russo, Mario Brega, Brian Bloom, Chuck Low, James Hayden, Larry Rapp, Richard Bright, Rusty Jacobs, Scott Schutzman Tiler.

Estábamos acostumbrados a ver a Clint Eastwood luciendo poncho en el desierto de Tabernas, sus duelos característicos o ese paisaje del Monument Valley de gala, décadas después del cine del gran John Ford. Entonces, llegó esta inmensa película que supuso el broche final de una filmografía breve pero muy intensa, a la que sólo se podría poner como pega  ese “naufragio en el Oeste” que fue Agáchate maldito.

Érase una vez en América contó con poco éxito comercial en Estados Unidos, mientras que triunfaba en Europa. Desde su país le reprocharon un ritmo lánguido, su estructura laberíntica, su protagonista sumamente anti-heroico, y su historia ambigua y con un  sentido confuso. Mientras que la crítica y los espectadores del Viejo Continente, supieron ver la maestría del cineasta, con esa historia narrada en tres tiempos para contarnos sobre el mundo del hampa en el cine de Sergio Leone.

La película adaptaba la novela "The hoods" de Harry Gray, pero de por si fue compleja porque estuvo escrita, al alimón, entre seis coguionistas, -todos ellos italianos y algunos, de gran presitigio,- entre los que reconocemos a Enrico Medioli (habitual de Luchino Visconti, Rocco y sus hermanos, El gatopardo), Franco Arcalli (habitual de Bertolucci, durante su etapa italiana, El último tango en París) o Franco Ferrini (autor de algunos librettos de películas de terror de Dario Argento, Phenomena).

Para comentar esta película no vamos a hacer lo que suele ser habitual, sino que hemos preparado un reportaje audiocomentado de la película. Espero que os guste, para así animarnos a combinar ambos métodos, en un futuro. (Aviso: el reportaje presenta spoilers).